アニメ版「君の膵臓をたべたい」は2018年に公開されたアニメ映画で、作家・住野よるの2015年に出版された同名小説を原作とした作品です。

小説投稿サイトに掲載された原作を他のプロ作家が目にし、出版社を紹介したところ、デビュー作でありながら爆発的な売れ行きを見せベストセラー小説になりました。

オーディオブック、実写映画、そしてアニメ化とメディアミックスすることでファンを増やし、各メディアで人気を博し「キミスイ」の愛称で知られるようになるのです。

アニメ版は最後に登場したメディアですが、原作の雰囲気を最も忠実に表現している作品として非常に評価が高く、映像美と人物描写が素晴らしいアニメになっています。

桜良と「僕」（春樹）が紡いだ物語のなかで、アニメ版だったからこそ表現できたシーンや原作から追加されたことで変化した要素を中心に考察していきましょう。

君の膵臓をたべたい（2018年）

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見どころ
印象的なタイトルと、切なくも美しい内容で大きな反響を呼び、実写映画化もされた住野よるの小説が原作。アニメならではの繊細な表現で『キミスイ』の世界が描かれる。
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あらすじ
他人に興味を持たず、ひとりで本を読んでいる高校生の「僕」は、病院の待合室で手書きの『共病文庫』と題された文庫本を拾う。その本は、天真爛漫なクラスの人気者・山内桜良が密かに綴った日記帳だった。桜良は膵臓の病気で余命いくばくもないことを告げる。
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君の膵臓をたべたい（ネタバレ・考察）

「キミスイ」は原作小説の出版、実写映画化を経てアニメ映画公開となりましたが、実は原作小説が出版される前にアニメ映画になることが決まっていました。

「キミスイ」の小説を刊行している双葉社が配本しているサンプルを、アニメ配給会社・アニプレックスのプロデューサーが発売前に読み、アニメ化を即決したのです。

発売された小説は300万部を売り上げ、本屋や読書家から絶賛された結果を見るに、プロデューサーの慧眼は間違いなかったと言えるでしょう。

そんなエピソードを持つアニメ版「キミスイ」に関する、ちょっとした情報をご紹介させていただきます。

「キミスイ」の監督は本作で監督デビュー！

本作の監督は牛島新一郎で、主にアクションの多い作品で助監督や副監督を務め評価されていましたが、実力を認められ監督デビューすることになりました。

監督デビュー作であるうえに、メディアミックスされている人気小説の満を持してのアニメ化ということで、慎重に制作が進められたのです。

脚本は原作者の住野よると牛島監督で担当し、どういう映像作品になるかを常に想像しながら組み立てていったとのこと。

結果として監督が生み出した「キミスイ」は、美しい世界の中で人はどう生きるかというテーマを描き、小説の読後感に負けない、観終わったときの深い余韻を味わえます。

高杉真宙も声優デビュー！

主人公である「僕」こと志賀春樹を演じたのは、俳優の高杉真宙になります。

子供時代から芸能界で活躍し、キャリアを積み上げてきた彼ですが、自分の演技力に悩むこともあり、壁を乗り越える努力をしてきたそうです。

結果として若手俳優の中でもトップクラスの演技力を身に着けた高杉真宙の、次の挑戦が「キミスイ」での声優デビューでした。

声質や雰囲気から「僕」にマッチするとプロデューサーや監督から指名されたのですが、もともとアニメ好きの高杉はアニメへ出演するプレッシャーで緊張したそうです。

そこで監督は物語の進行に併せて収録する”順撮り”で高杉の声優としての経験を積ませることで、成長する高杉の演技と劇中での「僕」の進歩を合わせることにしました。

この目論見は大当たりし、感情の振れ幅が大きくなっていくストーリーの進行に併せて高杉の演技がハマり、良い結果となったのです。

演技のレベルが上ったせいで、初期に収録した過去を振り返るシーンを撮りなおしたとか！

それだけポテンシャルが高かったということでしょう。今後の声優活動に期待です。

アニメ版が細かく描いた心の交流とは

アニメ版「君の膵臓をたべたい」は実写版と違って、成長した「僕」（春樹）が過去を振り返るのではなく、現在進行形の物語として進みます。

「僕」は前述の通り高杉真宙が、桜良は声優のLynnが演じており、この2人の交流をしっかり描くことで人間関係や考え方の変化を表現しているのです。

ここではアニメ版がなぜ主人公2人を徹底的に描いたのかを考察していきます。

友達の居ない「僕」の進歩

「僕」が病院で桜良の秘密を書き記した”共病文庫”なる本を拾ったことから物語は始まります。

家族以外、誰にも教えていない病気の秘密を知った「僕」は、本の持ち主である桜良と約束して秘密を共有する仲間になるのです。

序盤で描かれる2人の会話は、「僕」が経験してこなかった人付き合いのスタートとして、コミュニケーションが得意でない様子が演技から伝わってきます。

社交的な桜良と孤高に生きてきた「僕」を対比させることで、違う世界の2人がどう交わっていくかが焦点になるのです。

「僕」を演じた高杉真宙がアニメ作品での演技に慣れていないため、桜良との会話が噛み合わないと感じるのは、監督が意図した”関係のぎこちなさ”を表現しています。

物語が進み「僕」が桜良と対話を重ねることでお互いの会話がスムーズになり、「僕」（と高杉真宙）の進歩が伝わるのです。※誤字

桜良という存在が「僕」とつながったことで、他者との交流を経て感情の変化を知るなど、彼の人生の中で大きな転換点になりました。

残された寿命で願いを叶えたい桜良

自分の寿命を知った上で病と向き合い、死ぬまでにしたいことを「僕」と叶えていく桜良は、友達も多くコミュニケーションも上手、そして非常にアクティブです。

周囲を振り回す元気を見せるなど一見ポジティブに見える桜良は、心のなかでは迫りくる寿命に怯えています。

明るい性格を装いごまかしながら、自分の価値を見いだせない中で「僕」と出会いますが、その過程で自分の存在価値と生きがいを得る桜良は、心の機微を丁寧に表す必要があり、難しい役どころです。

「僕」の成長と距離の近づきを喜びつつ、自分の不安と戦う桜良をLynnは見事に演じ、高杉の演技を引き出した上で桜良というキャラの深みを見せました。

時間が進むことで縮まる距離や関係と、確実に減っていく寿命の中で「僕」にふと見せる弱い一面など、儚いながらも魅力的で心に残るヒロインになっています。

「僕」と桜良が放つメッセージ

実写版では大人になった「僕」と桜良の親友である恭子が、桜良からのメッセージを受け取るというオリジナルの展開を付けたことで、映画としての起伏を作っていました。

アニメ版では原作者が脚本に加わったことで、小説をアニメ映画にどうやって変換し、伝えたかったメッセージをどのように織り込むかが重要視されたのです。

結果的に本作は「僕」と桜良の関係を中心に、二人の出会いから絆が芽生え、お互いを大事に想う交流による成長を、原作に加える形で描いています。

その最たる場面として注目したいのが、病院に入院していた桜良が「僕」を連れ出して花火を見に行くシーンです。

原作では病室で桜良と花火を見るのですが、アニメ版では花火がよく見える場所で、美しい夜空の大輪をバックに抱き合う2人が描かれます。

人生最後の打ち上げ花火であることを桜良は理解していたのでしょう。「僕」はそんな桜良の不安を察知し「君に生きていて欲しい」と真っ直ぐに伝えるのです。

「僕」にとって桜良が何よりも大事で、1番の存在として見てくれている事を理解し、2人が重ねてきた時間が結実したことを感じた桜良はこの瞬間に救われました。

アニメ版独自の描写ですが、最後の花火を大事な人と見て気持ちが伝わるシーンは映像として非常に美しく説得力もあり、クライマックスとして観客を魅了するでしょう。

なぜ桜良は殺された？

あとわずかの寿命で、限られた時間の中「僕」と過ごすことを楽しみにしていた桜良は通り魔に刺されてこの世を去ります。

寿命が限られているからといって、それを全うできるとは限らない衝撃的な展開は、観る人にショックを与えるでしょう。

この展開は、病気の有無に関わらず、”人生をどう生きるか？”というメッセージになっているのです。

普段、何気なく過ごしている日常はとても尊いもので、残されている寿命は誰にも分かりません。

死ぬ側も、残される側も、最期を迎えたら関係は絶たれてしまいます。

桜良の最期は人間関係を含めて、いつ死んでも悔いの残らない生き方をしようという気持ちにさせてくれるのです。

やりたいことリストから見る桜良の気持ち

桜良は余命を告げられていることから、自分が大人になれず命が終わる事実を理解しています。

そのために「僕」と仲良くなった桜良は、共病文庫に”やりたいことリスト”を書き、叶えていくことにしました。

限られた条件の中で、やり残したことが無いように生きようという彼女の決意を感じます。

劇中で細やかに描かれている”やりたいこと”と、それを願った桜良の気持ちを推察してみましょう。

男の子とお泊り旅行をしたい

異性とお泊り旅行するというのは、普通の女子高生ならなかなか踏み出せない願いに感じます。お互いの関係性として、異性とお泊りするというのは、かなり心の距離が近くないと言い出せないからです。

ですが絶対に叶えたいと決めている桜良は、「僕」と一緒に富山から博多へ向かい、内緒の一泊旅行にでかけます。

本当は別々の部屋で寝る予定が、ホテル側のミスで1つの部屋に泊まることになった2人は、緊張しつつも同じベッドで寝ることになりました。

ここでお互いに緊張しつつも手を出すわけでもなく、二人で夜を過ごし、心の距離を縮めていくのです。

持病がある桜良は、容態が変化する可能性が高いため遠出が許されていないのですが、「僕」と一泊旅行をすると決めた彼女は親友の恭子の家に泊まると嘘をついてまで決行したことに満足します。

ですが「僕」と秘密を共有し仲良くなったことで、元気なふりをしていても実際は近づいてくる死の不安に怯えていることを告白できました。

強がりの自分ではなく、本当の自分を見せてもいい相手として、仲の良い異性である「僕」の存在が桜良の中で支えになっていることを示しているのです。

美味しいラーメンを食べたい

一見、なんでもないようなことにも思えますが、膵臓の病気を患っている人にとってラーメンは基本的に食べられないメニューです。

膵臓は食べた脂肪分を分解する物質を出すため、食事で脂っこいものを食べると膵臓の働きが強くなり、負担をかけてしまいます。

残り少ない人生で美味しいラーメンを食べるチャンスは、体調が良好であり、その上で美味しいお店は行列ができるであろうことから、実は難度の高い願いなのです。

桜良は「僕」と博多旅行に行った際に、博多一幸舎でとんこつラーメンを食べることができました。幸せな瞬間として彼女の胸に刻まれたのではないでしょうか。

※紐付け　ラーメン　体調と関連させる

恋人じゃない男の子といけないことをしたい

自宅に「僕」が来たときに、桜良はやりたいことの１つとして”恋人じゃない男の子といけないことをしたい”と告げます。

ここで桜良が考えていた”いけないこと”は、男女のキスを想定していたようですが、「僕」に迫るふりをして、自分から冗談めかしてごまかしてしまうのです。

その結果、「僕」は自分の気持ちを弄ばれたと思い、怒って桜良を押し倒します。

桜良と自分は直接的な言葉が無い関係でもお互いに好意を抱いていると思ったからこそ、「僕」は怒ってしまうのです。

なぜ桜良は恋人じゃない男の子といけないことをしたい、と共病文庫に書いたのかは理由があります。

いけないことをしたいと思ったのは「僕」と一泊旅行した後に追加された願いで、同じベットにいながらも接触すること無く緊張して一晩を過ごしたため、いけないことをしたいと考えたのです。

“恋人じゃない男の子”という前提は、桜良が過去に男子と付き合っていて、恋人同士の関係ではありましたが上手く行かなかった経験があったからでしょう。

恋人というものを経験している桜良にとって、もっと尊い存在である「僕」を”恋人”と表現するのがイヤだったように見えます。

桜良の表現を分かりやすく翻訳すると”「僕」とキスしたい”という願いになりますが、叶わずに終わりるものの、お互いの理解を深める結果となり、2人はより強く結びつくのです。

「君の膵臓をたべたい」の意味

短い期間でありながら、桜良と「僕」（春樹）の絆は深まっていきます。死ぬことに怯えていた桜良はかけがえのない関係を「僕」と構築していくのです。

お互いが思っているよりも深く、強い気持ちで通じ合った2人は、恋愛を遥かに超える感情を共有します。

そのことを表す「君の膵臓をたべたい」に含まれる言葉の意味や、以心伝心で繋がっていたからこそ明らかになったメッセージをお伝えします。

爪の垢を煎じて飲みたい

優れた人にあやかって、自分も成長したいということわざですが、春樹はメールを打つときに一回書いたものの、取り消して別の言葉を送ります。

桜良の死後、共病文庫に書いてあった遺言の中に、”爪の垢でも煎じて飲みたい”と書いてあるのを見つけた春樹は、送らなかった言葉が届いていたことに驚くのです。

2人がどれほど通じ合っていたかを表す描写であり、お互いに敬意を持っていたかが分かるシーンになります。

君の膵臓をたべたい

タイトルにもなっているこの言葉は、好意だけでは表せない相手への強い思いが含まれています。

春樹から桜良へのメッセージは、君の患っている病を無くしてしまいたい、という意味と、君と１つの存在として生きていきたい、の両方を含んでいるのでしょう。

2人の間には凡百の言葉を超えた相手を思うメッセージとして、「君の膵臓をたべたい」が共有されていたことが分かるのです。

最後に見たメールの内容が遺書に書かれていたことで、桜良と想いを共有できていたと知った春樹は、始めて桜良の死に泣くことができました。

桜良は、春樹と会える嬉しい気持ちで亡くなったことは幸せなのかも？

残された人は秘密の有無に関わらずショックを受けますし、見解が分かれるでしょう。

桜良と春樹の会話に見る運命

知り合ってすぐの頃に、桜良は春樹の名前を知る機会がありました。

”桜の花は散ったすぐ後に蕾をつけ、春を待つところが好き”と桜良が言ったあとに、共病文庫を拾った相手の名前が春樹と知り、名前の関連性に驚きます。

桜という春の花が咲く自分の名前に紐付けられるような“春の樹”が現れ、仲良くなったことは、桜良にとって運命的な出会いだったのでしょう。

そして桜良は、自分が春樹にとって必要な存在になりたいと願っており、そのことを含めて”桜は咲くべき時（春）を待ってる”と考えるのです。

その気持ちが通じたのか、春樹が桜良に対して”桜良の名前は君にぴったりだ”と告げるシーンに、作者のメッセージを感じます。

”春を選んで咲く花の名前は、出会いや出来事を偶然じゃなく選択だと考えている”と答えた春樹も、桜良に運命を感じたのです。

導かれたような出会いから、人生で大切な時間を過ごせたことが登場人物と観客の間で共有され、感情を揺さぶられるようになっています。

恭子と春樹が1年かけて友だちになり、他にも人付き合いができたのは桜良のおかげですね。

墓参りに来た恭子と春樹を見守るように、桜の花びらが揺れるシーンに桜良の気持ちを感じます。

「星の王子さま」と「こころ」が意味すること

映画の中で、桜良は「星の王子さま」を好み、「僕」は「こころ」を持っているシーンが描かれます。

読書が好きな「僕」ですが、原作では太宰治が好きと言っており、なぜアニメ版では夏目漱石の「こころ」を持ち歩いているかについては明かされていません。

桜良はお気に入りの「星の王子さま」がなぜ好きか理由を明言していませんが、劇中での表現から考察できます。

対になっている2人の本が何を意味しているか、ここで解説していきます。

サン・テグジュペリ「星の王子さま」

「星の王子さま」に登場する王子は地球にやってきましたが、自分の星を出るときに、一輪だけ咲いていたバラと喧嘩してしまうのです。

地球にやってきた王子さまはたくさんのバラが咲いているのを見て、バラは特別な存在では無かったと考えますが、すぐにその考えを改めます。

星にあったバラは、王子が丁寧に手入れをして、会話をし、費やしてきた時間があるからこそ特別だと知るのです。

モチーフとして“バラと王子”は桜良と「僕」であることを示しています。2人は関わり合った時間は短くとも、深くお互いを認めあい、特別な存在になりました。

桜良の遺書を読むシーンで映像が流れ、小さな星の上に桜があるのは、彼女の名前に入っている花という理由だけではなく、「星の王子さま」で描かれている世界を映像化しています。

王子が暮らしていた星の上に、バラ科の植物である桜を描くことで、「星の王子さま」のバラは桜良であり、王子である春樹との特別な時間があったことが伝わるのです。

”いちばん大事なものこそ見えない”という「星の王子さま」を代表するメッセージからも、桜良の心情を表す作品として選ばれているように感じます。

夏目漱石「こころ」

「僕」が読んでいる「こころ」には”恋愛とはどういうものか”や、”死生観”というテーマを主人公が先生に問う内容になっています。

好きな人ができたときに変わってしまう心のエゴや、死は必ず人生の中に含まれることなどの内容が、「僕」が置かれている状況を示しているのです。

また「こころ」には、桜良を知り仲良くなるうえで、心においておきたい２つのメッセージが書かれています。

”愛を求めると最終的には相手を抱きしめることができない”ことと、”秘密を抱えたままでは生きていけない”という2点が、「僕」の未来を変えるヒントになっているのです。

花火のシーンで「僕」は桜良を抱きしめますが、愛を求めると抱きしめられないことを知っている「僕」は愛という言葉で括れないほどの気持ちで桜良を包みます。

また恭子に共病文庫を見せたのは、桜良の遺言に従い秘密を明かすことで、「こころ」に描かれている“秘密を抱えたまま死んでいく”の対比として秘密を明かして生きていく春樹を表現しているのです。

「こころ」を読んでいる「僕」が小説の出来事をなぞりながらも、自分と桜良が選んだ道を生きていくことから、「こころ」は越えていくべき自分を意味しているのではないでしょうか。

劇中曲が描いている「キミスイ」の世界観

劇中で使用されている歌曲を担当しているのが、4ピースのロックバンドであるsumikaです。

明るくポップな音作りを得意としており、ファーストシングルから3枚続けてアニメ作品とのタイアップをするなど、アニメと相性のいいバンドでもあります。

オープニング、劇中、エンドロール中の主題歌と、作品のイメージに関わる根幹の曲を任されたsumikaは、間違いなく最高の仕事を成し遂げました。

３つの曲がどのように「キミスイ」の世界観を構築しているかをお伝えしていきます。

原作者の住野よるがsumikaの大ファンだったこともあってタイアップが実現したそうです。

ファンファーレ

オープニング曲として流れる「ファンファーレ」は、制作された画面を観て曲イメージを作ったのではなく、曲を先に出して欲しいというオファーから始まっています。

sumikaのメンバーは自分たちの楽曲が「キミスイ」を見始める観客に対して、最初の印象を与える主役となることにプレッシャーを感じたそうです。

作詞作曲を担当した片岡健太は何曲も挑戦して、最終的に「キミスイ」の登場人物たちが高校生ということで、その頃どう音楽に向き合ったかの初期衝動を曲にしました。

暗いネガティブなイメージすら飲み込んで、美しい瞬間を見つけに行こうという、「僕」に待ち受ける人生の大きな変化と美しい世界を思わせる一曲になっています。

このオープニング曲に合わせてアニメーションが作られ、音と絵が合わさったときに片岡は愛情に満ち溢れたオープニングをみて嬉し涙が出たそうです。

「僕」が迎える新しい世界に、美しいものが待っているという祝福を込めた曲と映像美のコラボレーションは非常に印象的で、引き込まれます。

秘密

劇中で桜良と「僕」が花火を見ながら抱き合い、お互いを大事に想う気持ちを確認するというシーンで流れるのが「秘密」です。

曲中では、自分が夢に見たようなことが叶う嬉しさと戸惑い、相手と自分とが抱き合うことで伝わる熱など、作中で桜良と「僕」が感じてる気持ちを表現しています。

桜良には、生きているうちに見られる最後の花火であることを分かっており、かけがえのない瞬間を共有して、「僕」の中の特別でありたいと考えているのです。

「僕」はそれを理解し、気持ちを伝えたことで、桜良が胸に抱えている願いが叶い救済となるクライマックスのシーンなので、強く印象に残る曲になっています。

春夏秋冬

映画のラストで流れる曲として、「春夏秋冬」は後味を決める重要な役割を持っています。

初めてsumikaのメンバー全員で作曲を手がけており、作曲名義もsumikaになりました。

歌詞の中で、思い出にずっと残り続ける桜良を想うようなメッセージが込められており、季節が巡るたびに桜良へ伝えたいことが増えていくような描写があります。

春樹（「僕」）の中で桜良は大事な存在として、悲しみで終わるのではなく、絆はきちんと繋がったまま未来へ進む意志も感じられるのです。

ラストにこの曲が入っているおかげで、辛い別れで終わるわけではなく、二人の出会いが新しい世界を広げてくれたというメッセージがあるため、前向きな気持ちを感じます。

3曲とも手に入れたいのですけれど、どうしたらいいですか？

セカンドフルアルバム「Chime」に3曲全部入っているので、チェックしてください！

実写版とアニメ版、どっちを先に観る？

「キミスイ」は先に実写映画化されており、後からアニメ版が登場しました。原作ファンとしては実写版からアニメ版を観た方も多いでしょう。

映画の「キミスイ」をまだどちらも観ていないのであれば、アニメ版から実写版という順番で観ることをおすすめします。

アニメ版は原作に忠実に作られており、基本となるストーリーラインを落ち着いて追えるからです。

寿命を迎えることなく、通り魔に刺されて亡くなる桜良と、残された遺志を受け進む「僕」たちというプロットをアニメ版で学んで、実写版の「キミスイ」を観ましょう。

実写版は映画化する上で原作になかった”12年後の春樹”が登場し、過去を思い出す中で桜良が残したメッセージを恭子に届ける仕掛けが加わっているため、印象が変わるのです。

桜良が残した謎というギミックを加えることで、過去パートに加えて現在パートも盛り上がり、悲しみや感動に加えて幸せな空気も流れるなど実写版ならではの追加要素があります。

そのため、アニメ版を先に観てから実写版を観ると、原作のストーリーラインを把握した上で追加された要素を楽しめるので、混乱が起きません。

それぞれ楽しみのポイントが変わるので、どちらも鑑賞していただき、違いを堪能してください。

君の膵臓をたべたい（ネタバレ・考察）春樹と桜良の間に恋愛感情はあったのか？星の王子さまの役割とは？タイトルの意味を徹底考察！！

「君の膵臓を食べたい」は小説家・住野よるの同名小説を実写映画化したもので2020年、注目の若手俳優・浜辺美波と北村匠海がW主演を務めました。 メガホンを執ったのは「黒崎くんの言いなりになんてならない」や「君と100回目の恋」で監督を務めた新進気鋭の映画監督・月川翔です。 膵臓の病気で余命宣告をされた女子高生と、彼女に何

まとめ

一番早くメディアミックスが決まりながら、より良い作品づくりのために最後に登場することになった本作。

原作者の住野よるも「最後のメディアミックスかも知れない」という覚悟があり、世界観を描く上で楽曲を自分が信頼するバンドであるsumikaに任せるなど本気度が高いです。

製作者全員のモチベーションが高く、回想シーンでは桜良が何を考えて遺書を残したのかを悲しくない映像で表現するなど、泣ける映画にとどまらない工夫が観られます。

製作期間は約2年用意され、じっくり取り組んだ結果名作となって世に出た「君の膵臓をたべたい」をぜひおうちシネマで楽しんでください。

ジャニーズ事務所に所属する注目の若手・King & Princeのメンバー平野紫耀と、「銀魂」（2017年）などの漫画原作の映画で、美少女ながらそのコメディエンヌぶりが高く評価されている橋本環奈。

今作品はこの美男美女二人のW主演で注目を集めた映画となっています。

原作は赤坂アカの大人気漫画で、監督は「ニセコイ」（2018年）などの漫画を原作とする作品を手掛けた河合勇人、「翔んで埼玉」（2019年）実写版で一躍ブレイクした徳永友一が脚本を務めました。

「恋愛は告白した方が負け」という理念のもと、平野紫耀演じる白銀御行と橋本環奈演じる四宮かぐやの二人の天才が「如何にして相手に告白させるか」を競う一風変わったラブコメ作品です。

「かぐや様は告らせたい～天才たちの恋愛頭脳戦～」よりかぐやと白銀がお互いに告白できない真の理由、二人の恋愛を阻むものを考察していきたいと思います！！

かぐや様は告らせたい～天才たちの恋愛頭脳戦～（2019年）

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見どころ
どうしたら告らせられるか？初共演を果たしたKing ＆ Princeの平野紫耀と橋本環奈が「告白した方が負け」の異色の頭脳戦に挑む。原作は赤坂アカの人気コミック。
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あらすじ
将来を期待されたエリートたちが集う私立・秀知院学園。頭脳明晰な生徒会会長・白銀御行と、文武両道で美貌の持ち主、大財閥の娘である生徒会副会長・四宮かぐやは互いに惹かれあっていた。しかし、高過ぎるプライドが邪魔をして、告白することができず…。
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かぐや様は告らせたい～天才たちの恋愛頭脳戦～（ネタバレ・考察）

平野紫耀と橋本環奈のW主演であり、その他にも佐野勇斗、浅川梨奈、堀田真由など豪華なメンバーが集結した本作。

撮影現場は和気あいあいとしており、始終笑いが絶えなかったようです。

原作者の赤坂アカさんのコメントを交えつつ、出演者の撮影でのエピソードなどを紹介していきましょう。

平野紫耀の天然っぷりが炸裂！？

King & Princeのメンバーの一人である平野紫耀。その端正な顔立ちと飾らない性格でたくさんのファンの心を鷲掴みにしています。

そんな彼の魅力の一つであるのが、一見完璧に見えるようで実はドがつくほどの天然である事です。

その天然っぷりは本作の撮影時にも多く見られ、周りを度々爆笑の渦に巻き込んだというエピソードがあります。

例えば、生徒会の面々が生徒会室の掃除をするシーンがあるのですが、その時に平野さんは本来言うべき役者さんの名前ではなく、近くにいた音声さんの名前を言ってしまったのです！

そこで一瞬の沈黙後、出演者・スタッフ一同が爆笑に包まれるという出来事がありました。

平野さんは普段から天然な発言や行動でKing & Princeのメンバーから度々いじられるという、“愛され天然キャラクター”ぶりを放っているのだそうです。

平野さん演じる白銀御行もかぐやへの想いが暴走し過ぎて、映画内で変な行動に走ってしまう面があるので、そこは二人の共通点といえるのかもしれませんね。

プライベートでも仲良しな三人

四宮かぐや役の橋本環奈、藤原千花役の浅川梨奈、早坂愛役の堀田真由はこの撮影を通じて、プライベートでも一緒に行動するほど、仲良くなったという話があります。

三人で原宿にクレープを食べに行ったり、恋バナもする仲になったのだそうです。

そして、浅川さんは元々、橋本さんの大ファンだという事で、会えた時は物凄い喜びを感じたというエピソードもあります。

橋本さんは、超・お嬢様のかぐやを演じるにあたって、普通の人と違う感覚や、世間一般の感覚をかぐやの基準で考えるという事を常に考えて役作りにあたったそうです。

劇中に登場する映画館のシーンで、かぐやの「一般人と違う基準」というものが顕著に表れています。

映画の前売り券を当日券に変える手順がわからず、白銀と別々の席になってしまうというワンシーンです。

堀田さんはかぐやの使用人役という事で、抑揚をつけずに、業務的に台詞を言うという部分で大変苦労したとの事。

そして、人生初！のカラコンにも挑戦したのだそうです。普段まばたきの多い堀田さんは意識してまばたきを少なくする、という役作りにも気をつけたのだそうですよ。

そしてそして！藤原千花を演じた浅川さんは千花の特徴である高い声をキープするのに、非常に苦戦したという話もあります。

たまに地声に戻ってしまい、撮影現場は笑いに包まれたそうです。

こういった話を聞くと、役者さんの“役になりきる”という苦労がひしひしと伝わってきますね！

因みにこの三人は好きな人には自分から告白するタイプだそうで、こんな三人の美女から告白されたら、落ちない男性はいないのではないでしょうか！？

原作者・赤坂アカさんの恋愛観とは？

原作者の赤坂アカさんは、「大人は基本的に告白しないもの」と考えているとの事。

色々な流れの中、お互いの好意を察して、先に関係があって、いつの間にか付き合っている、というのが、赤坂さんの思う恋愛観なのだそうです。

実写映画化にあたってのインタビューで、赤坂さんは“告る”という行為そのものが「青春の象徴」と語っていました。

確かに大人になると、恋愛に対して段々と小ずるく！？なってくる面はあると思います。

しかし、何歳になっても青春していたい！！と思う方も中にはいるのではないでしょうか！？

言葉は形にしないと相手には伝わりません。

格好悪くても、鈍くさくても、「好き！」と相手に伝えられる純粋な心は何歳になってもどこかにこそっと持ち合わせていたいものです。

恋愛は人それぞれの考え方があるので、奥深く難しいものですね！しかしそこが人に恋をするという面白味でもあるのでしょう！！

確かに大人になるとダイレクトに「好き」と相手に伝えることは、少なくなるパターンもありますよね。

匂わせだったり、駆け引きだったり…そういった事もありますが、そんな事をしているうちに他の誰かに持っていかれてしまう、といったパターンもあります。過度なプライドは厳禁ですね。

かぐやと白銀がお互いに好きと言えない真の理由とは？

「かぐや様は告らせたい」というタイトル通り、この映画はかぐやと白銀が“如何にして相手に好きと言わせるか”という部分が肝となっています。

二人のプライドが高すぎる、という点が注目ポイントですが、実は真の理由は別のところにあるのではないでしょうか？

そこを考察していきたいと思います。

お互いに恋愛初心者である

かぐやと白銀の恋愛経験値はほぼゼロに近いといえます。

言い方を変えると恋愛に疎い、恋愛に対して全くの初心者なのです。

その為、好きな気持ちをどう伝えたらいいのかわからない、といった面も有るのだといえます。

告らせても、その返事がOKとは限りません。告る、という事の前にかぐやと白銀は男女の付き合いというものがいまいち良くわかっていない、という説も考えられます。

実際に、映画終盤の生徒会長立候補演説の時に、「好き」という気持ちを二人が情熱的に伝え合う場面が出てきます。

陳腐、というと失礼ですが、恋愛上級者であれば、全校生徒の前であんな風に愛を伝え合うのは、はっきりいってタブーです。

このシーンは原作やアニメにはないオリジナルのストーリー展開で、一見完璧に見えるかぐやと白銀の人間らしい一面が垣間見られる、貴重なシーンともいえます。

そして、このシーンはかぐやと白銀が初めて相手に素直になれた場面でもあり「もうそのままの勢いで付き合っちゃえばいいのに！」との声が聞こえてきそうなシーンでもあるのです！

傷付きたくないが為に臆病になっている

映画の中盤で、かぐやが白銀の唇に人差し指をあてて間接キスをするというシーンがあります。

これはまさに、かぐやなりの精一杯の白銀へのアプローチなのです。

「この先まで進んだらどうなってしまうんだろう…」「もう前のようには戻れない…」という、かぐやの臆病な気持ちがこのシーンには溢れています。

もしかしたらかぐやは、傷付きたくないが為に、白銀との関係を「このままでもいい」と考えているのではないでしょうか。

付き合うという事は、必ずしも相手のいいところを発見していける、という事だけにはとどまりません。

相手の嫌な面や嫌いな面も必ず目に留まります。

かぐやが白銀のそういった面を見たらどう思うのでしょうか？そして白銀にもそれは同じようにいえる事です。

そして、恋愛とは臆病になってしまう病気のようなものです。

かぐやがかかった恋煩いという病気は、かぐやの臆病な面からきているものともいえます。

かぐやと白銀の恋愛を阻むもの

かぐやは生まれつきながらの超・お嬢様です。

大手財閥・四宮グループの令嬢であり、血筋の良さからきているものなのか、何をやってもそつなくこなす、万能型の天才といえます。

一方、白銀は一般階級で育った、いわゆる庶民であり、通学にもママチャリを使うなど、かぐやとは全く違う世界で育った人物です。

しかし、成績は常にトップの座をキープしており、家でもろくでなしの父親の代わりに家事をこなすなどの努力型の天才といえます。

そんなかぐやと白銀の恋愛において障害となるものは、ずばり身分違いの恋というところにあるでしょう。

それは生徒会のメンバーの皆で花火大会に行くというシーンで顕著に表れています。

お嬢様であるかぐやは、夜間の外出を父親から禁じられてしまうのです。

かぐやは何とか家を抜け出し、車の中からではありますが、皆で花火を見るという夢を叶えるのでした。

ここで本題に戻りますが、もしこの先、仮に二人が付き合うという形になった場合、かぐやの父親がそれを許すのか？という事が一番の焦点になります。

かぐやと白銀の恋愛はまさに「タイタニック」や「ローマの休日」を彷彿とさせるようなものです。

しかし、かぐやと白銀には幸せになってほしいものですね！二人で力を合わせて、どんな困難も乗り越えていってほしいものです！！

かぐやの父親は姿を見せるのですか…？

　映画内では姿を現しません。しかし厳格な父親である事は確かですね。

「かぐや様は告らせたい～天才たちの恋愛頭脳戦～」見どころポイント

この映画の見どころは、何といってもラストのかぐやと白銀のキスシーンです。

千花に背中を押され、不意打ちのキスとも呼べますが、そこでもかぐやと白銀、二人の計算高さが出ていました。

キスをする時、かぐやはわざとかかとを上げ、白銀は唇がちゃんと触れ合うようにわざとかがんだという、事故に便乗したようなキスだと二人は睨んだのです。

このキスシーンは「合成なのではないか！？」と平野紫耀さんファンから声が上がるほど、衝撃的なシーンでもありました。

平野さんファンからは「ショックでラストだけ見られない…」などの意見も上がり、如何に彼がKing & Princeのメンバーとして人気を得ているかという事の象徴でもあるエピソードです。

たとえ、合成であってもなくても、美男美女である二人のキスシーンは大変美しく、この映画の一番の見どころポイントと呼べます！！

そして映画は第二弾へ！！

「かぐや様は告らせたい～天才たちの恋愛頭脳戦～ ファイナル」と題し、かぐやと白銀、そしてお馴染みのメンバーが映画館にカムバックします！！

相変わらず「相手に告白させる」というこじらせ恋愛から抜け出せないかぐやと白銀。

生徒会の新メンバー、会計監査の伊井野ミコ役に日向坂46の影山優佳を迎え、更に映画は勢いを増します！

学園の2大イベント“文化祭”と“体育祭”を経て、何と舞台は海外へ！？

映画の第二弾として、今度はどんな恋愛バトルが繰り広げられるのか非常に楽しみですね！！

主題歌はKing & Prince「恋降る月夜に君想ふ」に決定しており、「うっせえわ」という楽曲で一躍ブレイクを果たした歌手Adoが「会いたくて」という挿入歌で映画に彩りを添えます。

平野紫耀と橋本環奈の高い顔面偏差値を拝みに行くのも良し！ストーリーを楽しむのも良し！あなた流で映画を楽しみましょう！

まとめ

以上、「かぐや様は告らせたい～天才たちの恋愛頭脳戦～」よりかぐやと白銀がお互いに告白できない真の理由、二人の恋愛を阻むものの考察を、小話を交えながら紹介してきましたが如何でしたでしょうか！？

人気俳優の佐藤二朗も医者役で出演していますので、そこもお見逃しなく！！

今作品では原作やアニメとは違うオリジナルストーリーも描かれているので、そこも見比べて楽しんでみて下さい。

平野紫耀と橋本環奈の美男美女ぶりには本当にうっとりするので、それだけでも大満足の映画となっています！！

本作は吾峠呼世晴（ごとうげ　こよはる）による漫画を原作とし、日本のアニメの歴史を変えたといっても過言ではない物語です。

監督は外崎春雄、声の出演はテレビアニメ版と変わらず、人気声優の花江夏樹、鬼頭明里、下野紘、松岡禎丞などが担当しています。

無限列車と呼ばれる列車を舞台に、テレビアニメ第1期の続編として描かれた、人食い鬼と、この物語の主人公・竈門炭治郎（かまど　たんじろう）やその仲間達の闘いと絆を描いた映画です。

週刊少年ジャンプが推しに推す漫画のアニメ映画版として制作され社会現象までも巻き起こした「鬼滅の刃」。

アニメ第2期の放送も決まり、ノリにノッている本作品から炭治郎とその仲間の嘴平伊之助・我妻善逸、炭治郎の妹・禰󠄀豆子が鬼との闘いを経て得たもの、鬼をも惚れさせる煉獄杏寿郎の魅力を徹底考察していきます！！

鬼滅の刃　無限列車編（2020年）

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愛する家族を人食い鬼に殺され、妹の禰󠄀豆子を鬼に変えられた竈門炭治郎。

炭治郎は“鬼殺隊”という鬼を滅する剣士になり、我妻善逸、嘴平伊之助、と共に禰󠄀豆子を人間に戻す方法を探していた。

ある日、短期間で40人以上の人が行方不明になっている“無限列車”での任務を炭治郎達は任される。

鬼殺隊において最強の剣士である“柱”の一人、炎柱の煉獄杏寿郎と合流した炭治郎達は200人の乗客を守るべく、魘夢（えんむ）という鬼と死闘を繰り広げるのであった。

しかし魘夢を倒した直後、煉獄の前に圧倒的な強さを誇る、猗窩座（あかざ）という二人目の鬼が現れる。

果たして煉獄は猗窩座を倒せるのか！？

炭治郎達の運命は！！

鬼滅の刃　無限列車編（ネタバレ・考察）

社会現象を巻き起こし、老若男女問わず多くの人達から熱い支持を受けた「鬼滅の刃」。

本作の主要人物である煉獄杏寿郎は果たしてどういう人物なのでしょうか？そこを考察していきます。

炎柱・煉獄杏寿郎とはどういう人間？

本作の要となる柱の一人、煉獄杏寿郎。彼はその派手な外見とは裏腹にとても孤独で繊細な人物でした。

幼い頃に母親と死別し、かつて鬼殺隊の柱であった父親に自分が柱になった報告をしても、父親はそれを喜ぶ事はなかったのです。

唯一、彼の味方であった弟は病気がちで鬼殺隊士になる事すら難しい状況でした。

煉獄杏寿郎という人間の凄さは、たった3冊の炎の呼吸に関する指南書で剣士になった事です。

どんなに努力を重ねても、誰も褒めてくれる人はおらず、剣技を教えてくれる師匠もいません。

彼の一番の魅力はその鋼のような“心の強さ”でしょう。

弟の人生を守る為、そして己の為、彼には剣士として強くなる選択肢しかなかったのです。

そして鬼殺隊士になり、見事に柱というところまで登りつめたのでした。

煉獄杏寿郎という人間は自分が並々ならぬ苦労と努力を続けてきたからこそ、人の痛みや苦しみが人一倍わかる人物となっていったといえます。

母親との約束を守り抜いた男

この映画の一人目の鬼として登場する魘夢（えんむ）。

魘夢は別名“眠り鬼”と呼ばれており、人を自由自在に眠らせることの出来る能力を持っています。

煉獄を始めとし、炭治郎・善逸・伊之助もその術にかかって列車の中で眠りに落ちてしまうのです。

炭治郎・善逸・伊之助が幸せな夢を見る中、煉獄だけは決して幸せとはいえない夢を見ていました。

柱になっても父親から認めてもらえない、弟の人生もろくに守ってあげられない、彼は自分の力不足を感じていたのです。

煉獄だけが幸せな夢を見なかった理由とは、幼い頃に母親が亡くなり、現実世界で幸せな想いをした事がなかったからなのではないでしょうか。

彼はひたすら寂しさを背負って闘いに身を投じ、優しかった母との「弱き者を助ける」という約束を全うする為だけに生きてきたのです。

煉獄杏寿郎が炭治郎達に残したもの

炭治郎と伊之助の活躍により、魘夢がその刃に倒れたのも束の間、上弦の参・猗窩座（あかざ）という鬼が煉獄の前に登場します。

“柱の死”という事で観る人に衝撃を与えたこの作品。

煉獄が炭治郎達に残したものとは一体何だったのでしょうか？そこを考察していきます。

本当の強さというもの

煉獄は幼い頃から母親に「弱き人を助けなさい」と教わって生きてきました。

煉獄が猗窩座との闘いの時に炭治郎達に手出しをさせなかったのは、これからの鬼殺隊の未来の為に、これ以上若き剣士達に命を落としてほしくなかったのです。

自分の身を挺して煉獄は炭治郎達の命を守り抜きました。

夜明けが近付いていることに気付き、煉獄との激闘の末、猗窩座は森へと逃げていきます。

日の光を浴びると鬼は死んでしまうからです。

この時の炭治郎の台詞に全てが込められているのです。「自分達は鬼に有利な夜の世界で闘っている。真の勝者で本当に強いのは煉獄さんだ」という主旨の台詞です。

これはずばり的を得た台詞といえます。

煉獄は「お前も鬼になれ」という猗窩座の言葉をはねのけ、最後まで自分のプライドと強さを追及し続けました。

この彼の姿勢は、どんな状況でも諦めない精神力、そして本当の強さの意味とは何なのか、という事を炭治郎達の心に刻み込んだのです。

最後に煉獄が炭治郎に見せた笑顔、それが彼の生き様を象徴しており、その意志は炭治郎を始め、若き鬼殺隊の剣士達へと受け継がれていくといえるでしょう。

何故、猗窩座は煉獄さんに「お前も鬼になれ」と言ったのでしょう…？

精神面でも力の面でも、煉獄さんの尋常ではない強さに猗窩座は惚れ込んだのではないでしょうかね。

鬼殺隊の未来

煉獄は死の間際、自分の生家にある歴代の炎柱が残した手記に、ヒノカミ神楽について何か記されているかもしれないと炭治郎に伝えます。

そして禰豆子を鬼殺隊の一員として認める事、炭治郎達が鬼殺隊を支える柱となる人物になる事を信じる、という事も伝えるのでした。

ヒノカミ神楽とは炭治郎と禰豆子の亡き父親が舞っていた舞の事で、炭治郎の必殺技でもあるのです。

アニメの第1期、那田蜘蛛山（なだぐもやま）で下弦の伍、累との闘いの時に初めて登場した技で、炭治郎はその謎をずっと追っています。

煉獄の最後の言葉は「胸を張って生きろ」「心を燃やせ」です。

この言葉は炎柱である煉獄が繰り出す炎のように、炭治郎の心に火を灯し、十二鬼月や鬼界のラスボスである鬼舞辻無惨（きぶつじ むざん）を必ず倒す！という闘志に繋がったといえます。

映画ではヒノカミ神楽についてのその後は明かされていませんが、炭治郎はこれからもその秘密について深く追求していくのでしょう。

そして、亡くなった父親の謎についても深く知る事になっていくのではないでしょうか。

炭治郎はたくさんの人の想いを受け継いで、また一つ強く、逞しくなっていったといえます。

炭治郎が魘夢に勝てた理由

「鬼滅の刃 無限列車編」には二人の鬼が登場します。

一人目は下弦の壱・魘夢（えんむ）という鬼で鬼界のラスボス的存在である鬼舞辻無惨（きぶつじ　むざん）に仕える十二鬼月（じゅうにきづき）の中の一人です。

そしてもう一人は煉獄を死に追いやった上弦の参・猗窩座。

十二鬼月は下弦の壱から下弦の陸、上弦の壱から上弦の陸と12人おり、上弦の壱が一番の強さを誇っています。

何故、炭治郎達は魘夢に勝てたのでしょうか？そこを考察していきましょう。

禰豆子の血鬼術の力

鬼は血鬼術と呼ばれるそれぞれの異なる能力を持っています。

炭治郎の妹である禰豆子（ねずこ）は鬼ではありますが、人を襲いません。

むしろ、炭治郎達と一緒に鬼を倒す心強い味方です。

禰豆子には魘夢の血鬼術が効きませんでした。

禰豆子は切符を持っていなかったので切符を切ると眠りに落ちてしまうという魘夢の術にかからなかったのです。

禰豆子の持つ“爆血”という血鬼術で炭治郎や善逸、伊之助や煉獄も無事眠りから覚める事ができました。

家族を信じる炭治郎の深い想い

炭治郎は魘夢がかけた血鬼術から目覚め、伊之助と力を合わせ、魘夢と闘う事になります。

魘夢は自身の持つ無数の目を合わせるだけで、人を眠らせる能力を持っている為、炭治郎は魘夢との闘いに苦戦するのでした。

何と列車と融合していた魘夢は、200人もの乗客を列車ごと一気に食べようとしていたのです。

炭治郎は魘夢と目が合う度に眠り、自分の首を切ることで、何度も夢の世界から現実の世界に戻るという事を繰り返します。

極限状態の中、母親の残像を見て「あなたが代わりに死ねば良かったのに」との言葉を浴びせられる炭治郎。

これは炭治郎にダメージを与える為の魘夢の作戦だったのです。

しかし炭治郎は逆に「俺の家族はそんな事を言わない！！」とその言葉に怒りを抱き、伊之助と力を合わせ魘夢に最後の一撃を喰らわせます。

これは炭治郎が如何に家族の事を信頼していたか、大切にしていたかがわかる行動です。

炭治郎はまだ駆け出しの鬼殺隊員の一人であり、自分だけで鬼を倒せる程、力としては強くはありません。

そんな彼が魘夢を倒せたのは、一緒に戦ってくれる仲間や禰豆子の助けがあったからです。

彼を突き動かす衝動はいつも失った“家族”や妹・禰豆子、そして伊之助や善逸などの仲間の存在といえます。それが彼の精神面の強さとも繋がっているのです。

「鬼滅の刃」が大ヒットしたその理由とは！？

日本映画の記録を塗り替えたといっても過言ではない「鬼滅の刃 無限列車編」。

ヒットの裏側にはどんな背景があったのでしょう？そこを考察していきます。

多くの人の心に響いたLiSAの名曲

「鬼滅の刃 無限列車編」の主題歌である「炎」(ほむら)はアニソン歌手であるLiSAの17枚目のCDシングルになります。

この楽曲は本作において最も主要人物となる煉獄杏寿郎（れんごく　きょうじゅろう）の生き様をイメージして作られた曲です。

炎と書いてほむらと呼ぶこの曲は、作品の中で炎柱として登場する煉獄へのはなむけのような、壮大なバラードとなっています。

LiSAはこの曲で第62回日本レコード大賞にノミネートされ、見事に大賞を受賞し、「第71回NHK紅白歌合戦」にも二度目の出場を果たしました。

「鬼滅の刃」テレビアニメ版の主題歌である“紅蓮華”と共に“炎”を熱唱し、多くの人の心に刺さる歌声を披露した事で話題を集め、曲のヒットが作品のヒットにも繋がったといえます。

また、この“炎“という曲はストリーミング累計再生回数3億回に達し、デジタル・ダウンロードではミリオンセールス (100万ダウンロード) という快挙を成し遂げました。

2011年にメジャーデビューした彼女にとって、「鬼滅の刃」というアニメ、そして“紅蓮華”や“炎”という歌は特別な作品になった事は間違いないでしょう。

2005年のインディーズ時代から、ようやくアニソン界の歌姫というだけでなく、立派な歌手として認められたLiSA。

女優・二階堂ふみ主演の「プロミス・シンデレラ」というテレビドラマの主題歌を歌うなど、これからも彼女の活躍に期待です！！

週刊少年ジャンプが掲げる3つの言葉が関係している

週刊少年ジャンプの漫画の基盤は「友情」「努力」「勝利」で構成されています。

今まで多くのヒット作を世に生み出してきた少年ジャンプですが、「鬼滅の刃」もその3つのワードにピッタリとフィットしています。

炭治郎・善逸・伊之助のそれぞれのキャラクターの個性の違いの面白さと、鬼と闘う度に強くなっていく友情と絆。

主人公である炭治郎の類まれなる努力と成長。そして最後に皆で掴み取る勝利。

王道ではありますが、この3つのルールが他の少年ジャンプのヒット作と同じく、観ている人の心を鷲掴みにしたのです。

“死”というものを丁寧に扱った作品である

主人公である炭治郎は心優しき純粋な少年です。

自分が斬った鬼にもそれぞれの過去があり、悲しい記憶や思い出がある事をちゃんと知り、その死を悼みます。

この「鬼滅の刃」という作品は“死”というものが非常に繊細に丁寧に描かれているのです。たとえそれが鬼であってでもです。

「鬼滅の刃」という作品から見えるものは、敵でも味方でも“命というものは尊い”という事です。

この一見当たり前ともとれる考えが、観るものの心を打ち、共感を呼んだといえます。

幅広い年齢層に受けた

「鬼滅の刃」の作品の魅力は、誰が観てもわかりやすいストーリーである、というところも、この作品がヒットした一要因と言えるでしょう。

そして、“家族愛”や“兄妹愛”という普遍的なテーマを描いた事で、幅広い年齢層のファンを獲得したのです。

「鬼滅の刃 無限列車編」は血が飛び散るなどグロテスクな描写も多々ある為、PG12指定になるなどの措置もとられています。

しかし幼稚園でも希望した園児だけにこの作品の鑑賞会を開くなど、反応は様々です。

幼稚園でこの作品を観せるとは、少々驚きもありますが…？

確かにそうですね。好んで観る園児と、「怖い」と言って泣き出す園児もいたそうですよ。その為PG12指定になったという話もあります。

新型コロナウイルスの影響

「鬼滅の刃」人気はコロナ禍以前からのものですが、その人気は変わらず維持されています。

新型コロナウイルスの影響で、巣ごもり需要が増え、動画配信サービスでテレビアニメ版の鬼滅を観よう！という人が増えたのも一要因としてあるのです。

声優さんやアニメ人気が高まっている現在、家で手軽に皆で観られる作品を、という事で「鬼滅の刃」のアニメを観た人がその面白さから思わず映画館に走る、という現象が起きたことも事実といえます。

「鬼滅の刃」が流行し始めた理由として、“小学生”がその面白さを発見した事も一つの要因として挙げられるのではないでしょうか。

コロナの影響で学校が休校になった子供達が、「鬼滅の刃」テレビアニメ版第1期に触れ、それを知った親達も一緒に観るようになった、という事が鬼滅ブームに益々の拍車をかけたのです。

そして動画配信サービスでは人気の高い作品が上位に掲載される為、目に付きやすく、何度も繰り返し観られるというところが、「鬼滅の刃」が数ある作品の中で選ばれた一つの理由ともいえます。

2021年の9月にはフジテレビで地上波初放送が決定している「鬼滅の刃 無限列車編」。

おさらいとして、TVアニメ第1期を観てみるのは如何でしょうか？

家族の共通の好きなものが増える事、間違い無しといえるでしょう。

「鬼滅の刃　無限列車編」をより楽しむ為の注目ポイント！！

ここからは少し視点を変え、本作を観る前に知っておくと、より映画を楽しめる小話を二つ紹介していきたいと思います。

早速見ていきましょう！！

ジブリの名作「千と千尋の神隠し」を抜いた！異例の興行収入！！

「鬼滅の刃 無限列車編」の日本での興行収入は約400億円超え、観客動員数は約3000万人と素晴らしい結果を残しています。

本作品はスタジオジブリのアニメ映画「千と千尋の神隠し」の興行収入316億8,000万円を抜き、今までの日本映画の中で歴代興行収入堂々の1位に輝いたというわけです。

日本のアニメは世界に誇れる宝です。

「鬼滅の刃 無限列車編」の興行収入を超える作品は果たしていつ現れるのでしょうか！？これからの日本映画界がどのように発展していくのか、楽しみですね！

ufotableが生み出す素晴らしい作画！！

ufotableは東京と徳島に拠点を置く日本のアニメ制作会社です。

ufotableが制作した「鬼滅の刃」はテレビアニメ第1期が面白いと評判になり、それが映画版へと繋がったのでした。

この制作会社が得意とする作画の美しさにおいて、まず、登場人物の流す“涙”に注目！です。

これでもか！というくらい、登場人物の目から溢れ出す大粒の涙は「人間の流す涙ってこんなに美しかったっけ？」と観ている人の心に訴えかける描写となっています。

そして一番の注目ポイントは！やはり戦闘シーンでしょう。

炭治郎VS魘夢、煉獄VS猗窩座の戦闘シーンは息つく暇もなく、作画においてこれ以上のビジュアルないといっても過言ではない程、水の描写も炎の描写も背景や人物の動きも、とにかく素晴らしい！のです！！

アニメーターの方達が如何に血の滲むような努力を重ね、日々作品と向き合っているか、それが痛いほど伝わってきます。

ufotableは他の同規模のアニメ制作会社よりも、年間に手掛ける元請作品の本数が少ないです。

これは映像のクオリティをより高度にし、質の高い作品を制作する為のufotableの手法といえます。

アニメ第2期をひかえ、まだまだとどまる気配のない鬼滅旋風。

これからもufotableの躍進は止まりません！

「鬼滅の刃」作者・吾峠呼世晴とはどんな人物なのか？

「鬼滅の刃」の作者・吾峠呼世晴は1989年5月5日生まれ、現在32歳の女性なのだそうです！

吾峠呼世晴という名前はペンネームで、その素顔や本名は明かされていません。

24歳の時に初めて「過狩り狩り」という漫画を週刊少年ジャンプに投稿し、同作で第70回（2013年4月期）JUMPトレジャー新人漫画賞の佳作を受賞しました。

その後「少年ジャンプNEXT!!」において「文殊史郎兄弟」という作品で見事漫画家デビュー！となります。

しかし、その後なかなか連載まで辿りつけず、“2015年の間に連載をとれなければ、漫画家を辞める”と決めていたそうです。

不遇の時代が続いた吾峠呼世晴ですが、担当編集からある日“原点回帰”を提案され、「過狩り狩り」をベースとした「鬼殺の流（きさつのながれ）」という作品を執筆します。

これが最終的に「鬼滅の刃」となり、連載会議を無事通過、彼女は週刊少年ジャンプで見事連載の道を手に入れたのです。

テレビアニメ版2期の放送が決定している事から、劇場版第二弾が製作される事も全くない話ではありません。

そして「鬼滅の刃」に続く吾峠呼世晴の次回作にも期待したいですが、ファンの間では吾峠呼世晴が漫画家を引退するという説も流れています。

これだけ一大ムーブメントを起こした作品ですから、次回作といってもそのプレッシャーは並大抵のものではないでしょう。

しかし、重圧を跳ね除けて、これからも引退せず漫画をずっとずっと書き続けてほしいものです！！

「鬼滅の刃」好きなキャラベスト5を発表！！

「鬼滅の刃」には様々なキャラが登場しますが、あなたの推しは誰ですか？

2021年度版好きなキャラクターランキングからベスト5を発表していきましょう！！

第5位：竈門禰豆子（かまどねずこ）

第5位は本作の主人公である竈門炭治郎の妹・竈門禰豆子です！！

炭治郎の一家が鬼に襲われた際、家族の中で唯一生き残りましたが、傷口に鬼舞辻無惨の血を浴びた事から鬼になってしまいます。

その可愛らしい外見や、兄想いである事、そして炭治郎達と一緒に闘う時は強靭な強さで鬼を倒してしまう格好良さなどが、多くの人からの熱い支持を受けました。

芸能人やコスプレイヤーが、竹を口に加えているその独特な風貌を真似してコスプレをし、SNSにアップした事でも話題を集めたキャラクターです。

第4位：我妻善逸（あがつまぜんいつ）

第4位は主人公の炭治郎と共に、鬼殺隊士として闘う我妻善逸です。

何と！東大生が選ぶ「鬼滅の刃」で好きな登場人物ランキングでは堂々の第1位に輝いた事もあります。

臆病で怖がりな反面、極度の緊張状態に陥り気絶する事で、一気に強くなり鬼を倒してしまうという部分が「ギャップがあって格好いい！」という声が多く挙がりました。

また、聴覚が優れており相手が何を考えているかわかってしまう能力を持っている事から、人の気持ちや心の痛みに敏感という、優しい人柄も支持される一つの理由です。

第3位：煉獄杏寿郎（れんごくきょうじゅろう）

本作で上弦の参である鬼・猗窩座と死闘を繰り広げ、くしくも命を落とした炎柱の煉獄杏寿郎が堂々の3位に輝きました！

仲間や後輩の面倒見の良さ、何よりも努力の天才であるところ、派手な外見とは裏腹に優しい性格であるところなどが、理由として挙げられました。

弟思いのいいお兄さんであり、もっともっと炎柱としての活躍ぶりが見たかった！キャラでもあります。

第2位：時透無一郎（ときとうむいちろう）

第2位に選ばれたのは、柱の中では最年少になる霞柱の時透無一郎です！！

理由としては、わずか2ヶ月という早さで鬼殺隊士から柱に登りつめたというその優秀さや、飄々とした性格でどこか儚げな印象を与えるところが人気の鍵となったようです。

無限列車編には登場しませんが、テレビアニメ第1期の第23話「柱合会議」で初めて炭治郎と顔を合わせます。

第1位：冨岡義勇（とみおかぎゆう）

堂々の第1位に輝いたのは、水柱の富岡義勇です！！

炭治郎が鬼殺隊士になるきっかけを作った人物であり、炭治郎の兄弟子にあたります。

一見クールに見えますが、優しい面も持ち、また天然っぽさも感じられる性格や、容姿端麗でおまけに強いというところが人気の理由となりました。

「柱合会議」でたとえ自分が腹を切ることになっても、炭治郎と禰󠄀豆子を守りたいという姿勢も人気に火をつけた理由といえるかもしれません。

むむー、興味深いランキングですね！！

因みに主人公の炭治郎は第10位でした！それぞれのキャラクターがとても個性的で魅力的な面を持っているので、誰に票を入れるかも迷いますね。

「鬼滅の刃」が世間に与えた影響

「鬼滅の刃」という作品は、くすっと笑えるような話題から、じーんと胸にくる話題まで世間に多大な影響を与えました。

例えば、「全集中の呼吸で」という作中の台詞が国会答弁で使われたり、宇宙飛行士の野口聡一さんが宇宙に旅立つ前に刀を抜く仕草をした、という話もあります。

とある養護施設への寄付として、愛知県豊田市役所に炭治郎を名乗る人物からお菓子や緑茶が届けられた、という心がほっこりとする話題がニュースになったりもしたのです。

また、炭治郎が身につけている羽織の柄が緑と黒の市松模様であるところから市松模様のマスクやハンカチが販売されたり、コーヒーやお菓子など、企業とのコラボ商品が誕生したりという出来事も起こりました。

そして一番の驚きは、「鬼滅の刃」のコミックがあまりの人気から、一時期、書店から姿を消すという現象まで起こった事です。

様々な形で世の中に多大な影響を与えた「鬼滅の刃」。

アニメ第2期もぜひ“全集中で”楽しみたいものです！！

まとめ

以上、「鬼滅の刃 無限列車編」から鬼との闘いを経て炭治郎やその仲間が得たもの、煉獄杏寿郎の死が炭治郎達に残したものを紹介してきましたが、楽しんで頂けましたでしょうか！？

アニメの第2期「遊郭編」も制作が決まり、まだまだ衰える気配のない「鬼滅の刃」旋風。

「鬼滅の刃 無限列車編」は作品の中で初めてとなる、上弦の鬼の登場など見逃せないポイントで溢れています。

初めて観るという方も、もう何度も観ているという方も！それぞれの楽しみ方で「鬼滅の刃 無限列車編」をぜひ堪能して下さい！！

直木賞作家である角田光代の小説を実写映画化したもので、「ミッドナイトイーグル」(2007年）「ふしぎな岬の物語 」（2014年）などの代表作を持つ成島出がメガホンを執りました。

脚本を手掛けたのは「サマーウォーズ」（2009年）「おおかみこどもの雨と雪」（2012年）などのアニメ映画の脚本で知られる奥寺佐渡子です。

そして井上真央、永作博美を始めとする豪華俳優陣が出演した事でも話題となりました。

第35回日本アカデミー賞10冠を達成した、映画「八日目の蝉」から希和子は恵理菜を愛していたのか？逮捕のシーンでの希和子の気持ち、タイトルの意味を考察していきます！！

八日目の蝉（2011年）

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見どころ
誘拐犯のもとで愛情いっぱいに育てられた女性の苦悩と葛藤を描く人間ドラマ。「ソロモンの偽証」の成島出が監督を務め、日本アカデミー賞では作品賞を含む10冠を獲得！
出典 : video.unext.jp

あらすじ
生まれてすぐ父親の愛人に誘拐され、4歳まで育てられた恵理菜。両親のもとに戻るも、世間からいわれのない中傷を受け、自分の家族に実感を持てずにいた彼女は、誰にも心を開かないまま成長。そして、妻子ある男を好きになり、彼の子供を身ごもってしまう…。
出典 : video.unext.jp

八日目の蝉（ネタバレ・考察）

「八日目の蝉」は他人の子供を誘拐し、育てるというその衝撃的な内容から、大きな反響をよんだ映画です。

また、ストーリーのあまりの切なさに泣ける邦画としても話題になりました。

ここでは「八日目の蝉」の、日本アカデミー賞総ナメの話題と、子供時代の恵里菜を演じた子役について、そして中島美嘉が担当した映画の主題歌についても紹介していきたいと思います。

日本アカデミー賞10冠に輝いた名作！

映画「八日目の蝉」は第35回日本アカデミー賞で作品賞を始めとし、10冠もの賞を受賞しました。

如何にこの映画が素晴らしい映画であるかという事が証明されたのです。

難しい役どころながら最優秀主演女優賞を受賞した井上真央は、喜びの涙と共に、この経験を糧にこれからも女優業を頑張っていきたいという主旨のコメントを発しました。

そして、主な撮影地となった瀬戸内・小豆島の人々にも感謝の意を述べたとの事です。

恵里菜の幼少期を演じた天才子役とは？

恵里菜の子供時代を演じたのは、渡邉このみという子役です。

本作で当時4歳ながら、第35回日本アカデミー賞新人俳優賞を史上最年少で受賞するという輝かしい功績を残しました。

しかも演技未経験でこの映画「八日目の蝉」がデビュー作なのだそうです！

この作品でデビューした後、2014年に放送されたテレビドラマ「明日、ママがいない」では両親を失った事で妄想癖を患った、ボンビという役を演じました。

今や子役から大スターとなった、芦田愛菜とも共演を果たしているのです！

その他にもNHK朝ドラの「まれ」や「べっぴんさん」でも主人公の子供時代を演じています。

現在は芸能界を引退されたとの事ですが、映画「八日目の蝉」で見せてくれた演技はもう素晴らしいとしか言いようがありません！

中島美嘉が主題歌を担当

本作の主題歌は中島美嘉が担当しています。

両側耳管開放症という耳の病気を患い、音楽活動を休止していた中島美嘉ですが、本作の主題歌「Dear」で堂々の復帰を果たしました。

「Dear」という曲はまさに親子の愛情を歌ったような珠玉のバラードとなっています。

歌詞の中で「命がめぐってまた会う日まで、あなたがくれた愛を永遠に抱き続ける」という表現があります。

これはまさに希和子と恵理菜の関係性を歌ったような曲として、捉える事ができる楽曲となっているのです。

八日目の蝉には元ネタとなった事件がある！？

「八日目の蝉」には元ネタとなったのではと言われる痛ましい事件があります。

1993年12月東京都日野市で放火事件が発生し、幼い2人の子供の命が奪われました。

映画「八日目の蝉」とこの事件にはいくつかの類似点と相違点があるのでそこを見ていきましょう。

作品との類似点

• 中絶を経験
• 不倫相手の妻からの嫌がらせ
• 自分を被害者と考えている

作品との相違点

• 子供を誘拐ではなく自らの手で殺した
• 最初から子供の命を奪う事が目的だった
• 残虐性がある

このような類似点から、原作者の角田光代さんはこの事件をベースに「八日目の蝉」を執筆したのではないかと言われています。

しかし、角田さんが明言したわけではないので、この「八日目の蝉」という作品はフィクションと考えていいでしょう。

希和子は恵理菜を愛していたのか？

この映画には何が正しくて何が間違っていたという事の答えがありません。

もちろん、誘拐は犯罪です。

しかし、希和子の恵理菜への愛情は本物だったといえるでしょう。

その証拠に恵理菜がどんなに泣いても希和子は決して手を挙げたりする事はありませんでした。

そして希和子が逃げ場所として選んだ、女性だけが入居できる“エンジェルホーム”という施設でも「私にはこの子しかいないんです」という発言をしています。

恵理菜の実の母親はどこか狂っている一面がありました。堕胎した希和子に「人殺し」「空っぽのがらんどう」などの言葉を浴びせ、希和子の心をズタズタにしたのです。

希和子はいつも自分の事より、恵理菜の事を第一優先に考えていました。

「空っぽのがらんどう」であった希和子の心を満たし、自分の事を唯一肯定してくれた存在が恵理菜であったのです。

恵里菜の為に希和子は必死で働き、どこに行くにも何をするにも一緒で、相思相愛であった希和子と恵理菜。

はたから見ると本当の親子にしか見えません。

そう考えると、恵理菜は実の親である秋山夫妻の元に戻るよりも真実を知らさせず、希和子と一生一緒に暮らした方が幸せだったのではないか、とも受け取れます。

まだ産まれたての恵里菜をおいて、家を空ける秋山夫妻のシーンがありますが…？

生まれたての子供をわずか数分間でも一人にする。こういった部分が、秋山夫妻の恵里菜への愛情や関心の度合いを示しているともいえますね。

逮捕のシーンでの希和子の気持ち

希和子は恵理菜を誘拐した事で最終的に逮捕されます。

ここで希和子は意外な言葉を発するのです。

その言葉とは「その子はまだご飯を食べていません！」という、母親が子供の身を案ずるものでした。

警察に「よろしくお願いします」と頭を下げるシーンは4年間という歳月の中で、希和子と恵理菜が血は繋がっていなくとも、本当の親子だったという証なのではないでしょうか。

この言葉は、希和子が本当に恵理菜の事を愛していたという、核心にも迫った台詞なのです。

タイトルに込められた意味とは？

「八日目の蝉」というこのタイトルの意味は、様々な憶測ができますが、夫のいない妊婦の事を指すという一説が挙げられます。

蝉は一般的に孵化してから一週間しか生きられないと言われ、儚いものの象徴としてイメージされる事も多いのではないでしょうか。

しかし、雄の蝉が死んでしまった後も、雌の蝉は産卵の為に1週間以上、生き続けるという事が近年の様々な研究で判明してきました。

「八日目の蝉」というタイトルは、夫のいない妊婦という観点から見るとずばり恵理菜の事なのです。

そして、堕胎はしたものの、新しい命を宿した経験のある希和子の事も指すのではないでしょうか。

小池栄子演じる千草の言う、「だれも見た事ができない綺麗なものを見られるかもしれない」という台詞の“綺麗なもの”とは赤ん坊の事を意味しているのです。

そう考えると、血の繋がっていない恵理菜の事を実の子供のように愛した希和子と、お腹の子を大事に育てると決意した恵理菜の気持ちが一致します。

「八日目の蝉」とは希和子と恵理菜の事で、二人の間には一言では語りきれない絆と愛情が存在していたのです。

希和子はその後どうなったのか

希和子は懲役6年という判決を言い渡されます。

服役後、希和子はどんな人生をおくったのでしょう？

映画では、希和子は小豆島の写真館を訪れ、恵理菜と一緒に撮った写真を持って帰ったという部分までしか描かれていません。

原作の小説も映画と同じく、その後の希和子がどういった人生をおくったのかは書かれていないのです。

原作とドラマ、映画でのラストシーンはそれぞれ異なり、原作では恵里菜と希和子がお互いに気付かないままフェリー乗り場ですれ違います。

そしてドラマ版では希和子の勤め先である喫茶店に恵里菜がやって来て、去っていく恵里菜の後ろ姿を希和子が見つめ続けるというラストになっているのです。

映画版での考察ですが、事件のその後、希和子は恵理菜との想い出を胸に、ひっそりとどこかで恵理菜の事を見守っていたのではないでしょうか。

作品中で「憎みたくなかった、お父さんの事もお母さんの事も、あなた（希和子）の事も」という恵理菜の台詞があります。

そして、小豆島に戻ってきたかったという恵理菜の言葉と同じく、希和子も恵理菜が島に戻ってくるのを密かに待ち続けているといえます。

希和子の立場としては自分は母親のフリをしていただけなので、恵里菜に苦労をかけた事で、合わせる顔がないと考えている面が大きいのではないでしょうか。

その為、希和子は恵里菜に自分から積極的に会いに行くという事はしないと考えられます。

可能性として考えられるのは、恵里菜が自ら希和子を探し会いに行くという事です。

恵里菜は生まれた赤ん坊を抱いて、希和子の元を訪れ、そこで二人は何十年ぶりかの再会を果たすのではないでしょうか。

小池栄子が放つ存在感

この映画で欠かせない人物として登場するのが小池栄子演じる、安藤千草です。

千草は“エンジェルホーム”で子供の頃に希和子や恵里菜と会った事のある人物でした。

最初は誘拐事件の事を探るフリーのライターとして恵里菜に近付いた千草ですが、本来の目的は恵里菜に会う事だったのです。

不倫相手の子供を身ごもった恵里菜の心を支えたのが、千草という存在でした。

最初は千草の事を面倒臭いと感じていた恵里菜でしたが、二人は一緒の時間を過ごす中で段々とお互いにかけがえのない存在になっていきます。

千草は、普段とてもおどおどとした感じの女性です。話し方など、挙動不審な部分が多々あります。

それは小さな頃から“エンジェルホーム”という女性だけが住む特殊な空間で育った事が関係しているのです。

男性が苦手で、自分に自信がなく、「もっと普通の環境で育ててほしかった」と、恵里菜に感情を吐露する場面は観ていて思わず胸が痛くなります。

グラビアアイドルとしてデビューした小池栄子ですが、その高い演技力に定評があり、今や色々なテレビドラマや映画、舞台にも引っ張りだこです。

本作でも日本アカデミー賞最優秀助演女優賞にノミネートされるなど、その実力を確かなものとしました。

どんな作品に出ても高評価を得ており、今作品の主演である井上真央や永作博美を食う程の存在感を放っています。

「八日目の蝉」の見どころポイントは？

この映画の一番の見どころポイントは、ずばり言って写真館でのシーンです。

すぐそこに警察の手が忍び寄ってきている事に気付いた希和子は、最後の思い出にと、恵理菜と二人で写真館に行きます。

その時の希和子の表情が何ともいえず切なく胸にぐっとくるものがあるのです。

日本アカデミー賞で永作博美が最優秀助演女優賞を受賞したのも、納得の演技力といえるでしょう。

彼女は本作が公開される前の2010年に第1子となる男児を出産しており、その影響もあってなのか、希和子という人間が憑依したように役を演じています。

写真館のシーンは非常に繊細で、胸を締め付けられる仕上がりのシーンとなっており、ここがこの「八日目の蝉」という作品の究極の“泣かせポイント”なのです。

永作博美は2013年に第2子となる女児も出産しています！

母親である身だからこそ、この難しい希和子という役を見事に演じ切れたという側面もあるのでしょうね。

まとめ

以上、「八日目の蝉」という映画から希和子は恵理菜を愛していたのか？逮捕のシーンでの希和子の気持ち、タイトルの意味を考察してきましたが如何でしたでしょうか？

この「八日目の蝉」という作品は母親である人、もうすぐ母親となる人、そして男性にも是非！観てほしい映画となっています。

暗い雰囲気の邦画は嫌い、という方も食わず嫌いせず1度騙された！と思って観てみて下さい！！

号泣必死の非常に素晴らしい映画となっています。

イギリスのウィリアム・シェイクスピア作の戯曲「ロミオとジュリエット」を現代（1950年代）のアメリカに置き換えたブロードウェイ・ミュージカルを映画化しました。

監督は「サウンド・オブ・ミュージック」のロバート・ワイズとダンス振付家のジェローム・ロビンスです。

ナタリー・ウッド、リチャード・ベイマー、ジョージ・チャキリス、リタ・モレノなど、豪華キャストが出演しています。

非行少年グループの抗争の間で、引き裂かれた恋を描いた傑作です。

抗争の背景や曲の紹介など、本作の小話・ネタバレ・考察などをご紹介していきましょう。

ウエスト・サイド物語（1961年）

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見どころ
対立するグループ同士の抗争、敵に恋をしてしまう男女の悲恋、移民が絡む社会問題。それらをパワフルなダンスと美しい音楽で表現し切った娯楽性は今でも色あせない。
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あらすじ
ニューヨークのウエスト・サイドで対立する2つのグループ、ジェット団とシャーク団。一触即発の中で行われたダンスパーティーで、マリアとトニーは恋に落ちた。だが2人の思いに関係なく、それぞれが属するチームの衝突はより激しいものになっていく。
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ウエスト・サイド物語（ネタバレ・考察）

1950年代、ニューヨークのウエスト・サイドでジェット団とシャーク団が縄張りを巡って争っていました。

その中で敵同士の男女が恋に落ちる映画「ウエスト・サイド物語」。

本作の背景についてご紹介しましょう。

元ネタは「ロミオとジュリエット」

「ロミオとジュリエット」は、敵同士の家に生まれたロミオとジュリエットの悲恋物語です。

本作では舞台をルネサンス期のイタリアから1950年代のアメリカに置き換え、家の対立を非行少年グループの対立に置き換えました。

「ロミオとジュリエット」のヒロイン・ジュリエットが本作のマリアに当たり、ロミオがトニーに当たります。

キャピュレット家の乱暴者・ティボルトは、シャーク団のリーダー・ベルナルドに当たり、ジュリエットの婚約者・パリスがチノに当たるのです。

シェイクスピアの古典はやはり普遍的な物語なんですね。

本作ではその物語がニューヨークのウエスト・サイドで繰り広げられます。

ウエスト・サイドとは？

アメリカの東海岸にあるニューヨーク市は5区からなっていて、中心部のマンハッタン島にあるマンハッタン区は商業地区です。

このマンハッタン区を東西に分割したときに、東のロングアイランド側を「イースト・サイド」と呼び、西のハドソン川の方を「ウエスト・サイド」と呼びます。

1950年代、高級住宅地のイースト・サイド地区に対し、ウエスト・サイドは貧民街で、ユダヤ系・ポーランド系・中国系・プエルトリコ系といった移民の多いスラム地域でした。

この映画は、そういった「人種のるつぼ」で展開したストーリーです。

憎しみの連鎖

二つの敵対する不良グループ、リフ率いる「ジェット団」とベルナルドがリーダーの「シャーク団」。

これらは、架空のグループですが、当時、実際にウエスト・サイドで二つの少年グループが抗争していたそうです。

それぞれの陣営はどういう人たちなのでしょうか。

ポーランド系移民

ジェット団は、ポーランド系移民の少年グループという設定になっています。

ポーランドは、18世紀～20世紀にかけて、列強国によって侵略され国が分割されるという憂き目にあいました。

そのため、20世紀初頭までに100万人以上のポーランド人が何世代にも渡ってアメリカに移住したといわれています。

故国から遠いアメリカで「英語を話せない白人」とバカにされながらも生活してきました。

彼らは「プア・ホワイト（貧しい白人）」と呼ばれ、社会の最底辺で力仕事に従事していたのです。

プエルトリコ系移民

シャーク団は、プエリトリコ系移民の少年グループという設定になっています。

1898年のアメリカとスペインの戦争でアメリカが勝ったため、スペイン領だったプエルトリコはアメリカの占領下に置かれました。

そして1917年からアメリカ市民権を得ることができるようになったプエルトリコ人の移民が大挙してアメリカに押し寄せます。

また、1929年、世界中に広がった大恐慌により失業率が上昇し、さらに多くのプエルトリコ人が仕事を求めてアメリカ本土に渡りました。

しかし、彼らはアメリカに渡っても、差別され狭く不潔な場所に住まわされ、就けるのも低賃金の仕事しかなかったのです。

少年たちの悲劇

ポーランド系移民も、プエルトリコ系移民も、長い間アメリカで頭を押さえつけられつらい思いをしてきたのですね。

両者ともアメリカの自由や豊かさを享受できない人たちでした。

そんな最下層の人々は、差別され怒りや不満がストレスとなり、他人を憎むことで自分たちのアイデンティティーを見いだしていくのです。

彼らは、自身の不幸な境遇を見て見ぬ振りをするために「自分より劣る存在」を外部に作り出して攻撃するしかなかったのでしょう。

少年たちは不条理を大人のせいにして、意固地になって不良となり抗争を重ねていました。

殴られたら殴り返すといったことが繰り返され、憎しみが憎しみを生み、分断が深刻化する…当時はそれが社会問題になっていたのです。

本作はそんな1950年代・ニューヨークの状況を反映したものでした。

監督の一人、ジェローム・ロビンスと脚本家のアーサー・ロレンツはユダヤ系だったので、当初はキリスト教カトリックのグループとユダヤ系のグループとの抗争を思い描いていたそうです。

しかし最終的に、ポーランド系とプエリトルコ系の対立構造の映画にしたのですね？

当時、実際にポーランド系移民とプエリトルコ系移民の対立がひどかったからだそうです。

分断は終わらない

その状況は実は21世紀の今も変わってはいません。

人種、民族、宗教、性的指向などに関わる犯罪行為が跡を絶たないのです。

分断がもたらす憎しみの連鎖を生む構造は、日々のニュースを見れば明らかでしょう。

いつの時代、どこの国でも起こりうる悲劇…。

だからこそ本作は時代を超えて観る価値がある映画なのかもしれません。

「ウエスト・サイド物語」の魅力：アカデミー賞10部門受賞の快挙！！

本作は、アカデミー賞ノミネート11部門中10部門を獲得しました。

これほどたくさんの輝かしい賞を受けた本作はどんな映画なのでしょう？

本作の音楽、ダンス、衣装、美術セット、カメラワークについてご紹介しましょう。

バーンスタインの音楽の魅力

特筆すべきはパワフルでダイナミックでありながら、旋律が美しい奇跡の音楽です。

作曲を担当したレナード・バーンスタインは、20世紀の偉大な作曲家・指揮者の一人とされています。

クラシックの要素と、アメリカに根付いたジャズ、ロック、民族音楽、現代音楽など様々な要素を取り入れていて、現代の私たちが聴いても、古さを感じさせません。

バーンスタインは「アメリカらしさとは何か」を追求し、多民族国家における「民族主義」を音楽で表現することに成功しました。

空気を切り裂くパワフルなダンス

ダンスの振り付けは、監督の一人で振付家のジェローム・ロビンスが行ないました。

ロビンスは、ダンサーとして名声を得た後、1949年に名門ニューヨーク・シティ・バレエの芸術助監督に就任し、ダンス史におけるレジェンドとして現代でも称えられています。

撮影中、ロビンスの振り付け指導はとても厳しかったそうです。

ダンサーが怪我をしても複雑な振り付けを続け、リハーサルの時間は超過する…。

その結果、ロビンスは撮影の後半、解雇されることになるのですが、現在でも「ウエスト・サイド物語」のダンスに古臭さが感じられないのは、ロビンスの手腕によるものでしょう。

シャープで躍動感があって、大衆的でありながら、同時にクラシック・バレエの秩序あるステップも取り入れたダンスから目が離せません。

当時すでにこんなキレッキレのダンスが踊られていたとは驚かされます。

ベルナルド演じるジョージ・チャキリスらが片方の脚を横に上げてバランスをとるポーズは、この映画のシンボルになりましたね。

実はこのポーズは、十字架を意味しているというのです。

「十字架を背負う」という言葉には、イエス・キリストがゴルゴダの丘で十字架を背負ったことで苦難の象徴とされることから、「辛い苦しみを一生持ち続けること」という意味があります。

プエルトリコ系移民が「差別」という名の十字架を一生背負って生きなければならない重い現実を、このポーズは象徴しているのでしょう。

カラフルな衣装の魅力

衣装を担当したデザイナーのアイリーン・シャラフは、アカデミー賞衣装デザイン賞を5回も獲得した強者でした。

注目したいのは、ジョージ・チャキリス扮したベルナルドの黒のTシャツとパンツに、赤の襟付きシャツを上から重ねて前のボタンを開けるスタイルです。

このスタイルはオシャレでしたね。当時は新しかったのに違いありません。

劇中俳優たちが着用したTシャツ、ジーンズ、スニーカーはほとんどオリジナルだそうです。

ストレッチジーンズは当時は無かったので、どのパンツも伸縮性のある糸を使いデニム風に作られた特注品で、莫大な費用がかけられました。

今では当たり前ですが、ダメージ・デニムの質感を出すために素材を洗いざらし、また染め直して風に晒すという作成方法で、手間もお金もかかったといいます。

そして、特に素晴らしいのが、ダンスパーティーでの登場人物のカラフルな衣装です。

ジェット団はブルー、グリーン、紺、カーキなどクールで都会的な色で揃え、シャーク団は赤、オレンジ、紫、などビビットカラーで統一されていましたね。

ベルナルドは、黒いジャケットに紫のシャツ、黒い細身のネクタイといった、典型的なラテン系のスタイルでした。

女性たちのドレスのデザインも素敵なものばかりでしたね。

これらのカラフルでオシャレなファッションは映画「ラ・ラ・ランド」（2016年）などで引用されていますよ。

聖なる空間を生み出す美術セット

印象的なのは、トニーがマリアの家のバルコニーに偲んで行き、二人で「トゥナイト（Tonight）」を歌うシーンのセットでしょう。

無機質な裏階段と狭いバルコニーが建て込んでいるビル街のセットは、ニューヨークの裏町のイメージそのものです。

また、トニーがダンスパーティーの帰途、一目惚れしたマリアへの想いを込めて「マリア（Maria）」を歌うシーンの背景も印象的でした。

トニーの後ろ全面に塀の格子模様が広がり、それがまるで教会の窓ガラスのようで、ニューヨークの裏町でありながら神聖な雰囲気を醸し出していました。

さらに歌の終わりには、トニーの後ろから光が差し込んで、あたかも神の啓示のようです。

トニーにしてみれば、マリアとの出逢いは、神の啓示のように感じられたことでしょう。

「マリアという名前を言えばそれは祈りのようだ」という歌詞があるので、それを象徴しているセットでした。

革新的なカメラワーク

本作は、公開当時大胆なカメラワークが話題になりました。

冒頭のニューヨーク上空からマンハッタンの高層ビル群へ、そして徐々に貧しい人々が住むウエスト・サイドをとらえ、バスケットボール・コートにズームしていくシーン。

また、ジェット団のメンバーがフェンスに落書きをする場面での、2回に渡ってズームインするシーン。

速いカメラワークが、ピリピリとした緊迫感のある様子をよく表しています。

そして、シャーク団が「アメリカ（America）」を歌った後は、ベルナルドと恋人アニタのキスシーンを逆光でとらえシルエットで写していて、しっとりとした画面を作っていました。

これらのカメラワークは、当時は先進的だったのではないでしょうか。

最も輝いていた俳優は…

ナタリー・ウッド、リチャード・ベイマーも素敵でしたが、俳優陣の中で最も光を放っていたのはベルナルドを演じたジョージ・チャキリスでした。

立っているだけでもオーラがあり、ダンスのキレも良く、観ている人もついチャキリスに注目してしまうでしょう。

敵陣営・ジェット団のメンバーたちへの激しい憎悪がその表情や一挙手一投足から感じられ、凄い迫力です。

そして妹のマリアには常に優しく微笑みかけ、妹を心から愛している様子がわかり、そのギャップが何ともいえず魅力的です。

また、リタ・モレノもベルナルドの恋人・アニタ役を生き生きと演じていました。

勝ち気でお転婆で威勢がよく、男気を感じさせるアニタを演じて素晴らしかったです。

仲間たちに対してアネゴ肌を発揮し皆を引っ張っていく様子は圧倒的な存在感を放っていました。

主演ではない二人ですが、ぜひ注目してみてください。

二人ともカッコよかったですね。

アカデミー助演男優賞・助演女優賞を受賞しただけのことはあります。

名曲の数々

ここでは、劇中に散りばめられたバーンスタインの素晴らしい音楽について解説します。

17曲のうち特に日本人に親しまれているおすすめの8曲をご紹介しましょう。

「プロローグ（Prologue）」

「プロローグ」は、ジェット団とシャーク団の少年たちの指を鳴らす音とダンスで始まります。

音楽は不協和音を巧みに使い両陣営の不和を暗示していました。

途中でサクソフォンやドラムの音が入ってくるところは、音楽でアメリカを表現したバーンスタインらしさが光っています。

最後に聞こえる警笛の音もまるで音楽の一部のようになっていました。なんてスタイリッシュな曲でしょう！！

ダンスシーンが終わると、ジェット団のリーダー・リフが、いさかいが絶えないシャーク団との決闘を決意するシーンになります。

そしてリフは、今はもうジェット団を辞めて酒屋に勤務している元リーダー、トニーをダンスパーティーに誘うのです。

「体育館でのダンス（The dance at the gym）」

町の体育館でダンスパーティーが行なわれ、ジェット団とシャーク団が二手に分かれてそれぞれ楽しそうに踊っていました。

曲はメキシコ民謡風の楽曲から一転して、活気ある「マンボ」に変わります。

ノリのいい曲なので、ここは演者と一緒に「マンボ！！」と掛け声を入れたくなりますね。

そして、音楽がスローな「チャチャチャ」になると、トニーとシャーク団リーダーの妹・マリアが出逢うのです。

このシーンは素敵なシーンになっていて、たくさんの少年少女が踊っている中、カメラが主演二人にフォーカスを合わせ、背景は次第にぼかされていきます。

彼らは見つめ合い、お互い敵同士とは知らず恋に落ちるのです。

主演二人の出逢いの場にふさわしいロマンティックなメロディーの音楽が続くのでした。

一方、パーティーでリフは、ベルナルドに決闘を申し込むのです。

「トゥナイト（Tonight）」

「トゥナイト」は、トニーとマリアがアパートのバルコニーで愛を語り合うシーンに歌われます。

このシーンは「ロミオとジュリエット」でのバルコニーのシーンに当たるのです。

「トゥナイト」は、数あるミュージカル・ナンバーの中でも最もよく知られている歌の一つでしょう。

流れるような爽やかなメロディが心地よく、繰り返す転調が高揚する二人の気持ちを表しています。

「トゥナイト」はほんとうに素敵な歌ですね。でも歌うとしたら音域が広くて難しそう…。

だからでしょうか。よくコンサートでオペラ歌手の人によって歌われますね。

「アメリカ（America）」

「アメリカ」はプエルトリコ系移民による歌の掛け合いです。

女性たちがアメリカの豊かさを、男性たちがアメリカでの待遇の悪さを歌って踊ります。

アップテンポで、ダンスのフォーメーションも楽しめるでしょう。

「お買い物はカードで買えるわ、アメリカじゃ工業が盛ん、アメリカだと人生が明るくなる」

「狭いアパートに12人が暮らしている、ロクな仕事がない、成功するのは白人だけだ」などと歌われます。

移民の国・アメリカの夢と希望、現実の厳しさがわかる歌です。

「すてきな気持ち（I feel pretty）」

「すてきな気持ち」では、マリアが勤務している花嫁衣装店で、素敵な人に愛される喜びを歌います。

ポップなラテン調のワルツで、同僚の女性たちもマリアに合わせてフラメンコ風の手拍子を入れるのでした。

「I feel pretty,I feel pretty」と同じメロディーが繰り返され、マリアの可愛らしさが満載のシーンです。

店の支配人の女性に「歌は止めて！ダンサーになるんじゃないんでしょ！！」と静止されるほど歌とダンスが盛り上がります。

古き良き時代、ミュージカル全盛期らしい魅力的な歌です。

「一つの手、一つの心（One hand, one heart）」

「一つの手、一つの心」は、花嫁衣装店で、マリアとトニーが結婚式を真似るシーンで歌われます。

ゆったりとしたテンポで二人の満ち足りた気持ちが感じられる歌になります。

「僕らの人生が今、始まるんだ」とマリアとトニーが歌い、彼らが純粋に愛を誓い合っているので、結末を知った上で観ると切なくなるシーンです。

二人の頭上に十字架に見立てた窓があるところは心憎い演出でした。

「トゥナイト・五重唱（Quintet）」

リフとベルナルドがそれぞれ決闘に懸ける意気込みを歌い、それにジェット団とシャーク団の合唱が加わり、さらにベルナルドの恋人・アニタの歌が入ります。

その後マリア、トニーによる「トゥナイト」が重なり、最後は全員の大合唱になるのです。

決闘に向けて気勢を上げる両陣営の少年たちと、恋に落ちたマリアとトニーそれぞれの思惑が浮き彫りになる歌になっています。

歌の掛け合いがこれぞミュージカルの醍醐味といったシーンです。

「クール（Cool）」

リーダーのリフを刺殺され殺気立つジェット団の皆に、メンバーの一人が落ち着けと呼びかける歌です。

「落ち着くんだ、熱くなるんじゃない、熱くなるべき時がこの先あるから」

暗い駐車場でジェット団の熱気を帯びたダンスが見事で、掛け声と手拍子が効果的に響きます。

ジェット団のメンバーたちの狂気に満ちた形相がとても不気味で、誰かに憎しみを抱く人間は、ここまでグロテスクな表情になるのですね。

決闘：縄張り争いが殺し合いに

高速道路の高架下で、ジェット団とシャーク団のメンバーが見守る中、リフとベルナルドの決闘が始まりました。

決闘シーンは迫力のある映像で恐ろしくなるほどです。

遅れてきたトニーが止めに入りますが、争いは終わりません。

もみ合っているうち、ベルナルドがナイフでリフを刺し殺します。

そして、それに怒ったトニーは激情に駆られて我を忘れ、ベルナルドを刺し殺してしまうのです。

警察が駆け付け、皆は逃げていきます。

憎しみによる殺害

決闘の一部始終を知ったマリアは、トニーに駆け落ちしようと持ち掛けます。

一方、恋人ベルナルドを殺され、ジェット団に乱暴されそうになったアニタは、憎しみを募らせ嘘の伝言をするのです。

それは「マリアは婚約者のチノに殺された」というものでした。

アニタの言葉を人づてに聞いたトニーは、マリアが死んだと思い込んでしまいます。

打ちひしがれ自暴自棄となったトニーは、自分も殺してくれと叫びながらチノを探して町をさまようのです。

トニーのもとへマリアがやって来て二人は抱き合いますが、チノが現れトニーを銃で撃ちました。

まさに憎しみの連鎖です。

トニーは、マリアの腕の中で亡くなります。

ジェット団とシャーク団の少年たちが見守る中、マリアが叫ぶのです。「みんながトニーを殺したのよ！私の兄もリフも。銃弾ではなく、憎しみで！！」

トニーやベルナルドやリフたちは、単に凶器によって殺されたのにとどまらず、両陣営一人一人の憎しみによって殺されたのだとマリアは言うのです。

そのようにマリアに言わせることで、本作の監督はじめスタッフたちは、メッセージを視聴者に伝えたかったのではないでしょうか。憎しみからは何も生まれないと…。

両陣営のメンバーたちは、トニーの亡き骸を共に担ぎ、和解を予感させる形で映画は終了します。

なぜ、マリアは自殺しなかったのか？

「ロミオとジュリエット」では、仮死状態から目覚めたジュリエットはロミオの後を追って自殺しましたが、本作では、最後にマリアは自殺しませんでした。

どうしてマリアは自殺しなかったのでしょうか。

名家の箱入り娘として育てられたジュリエットは、ロミオが死んだとき、どうしていいかわからず自分の人生を諦めてしまったのでしょう。

しかし「ウエスト・サイド物語」のマリアは移民の子で、ジュリエットに比べたくましく精神的に大人で、強い意志を持った女性として描かれています。

彼女は命の大切さをよくわかっていたのです。

恐らくマリアはどんなに辛くても自ら命を捨てることなく生き続けるでしょう。

そして、ウエスト・サイドに平和が訪れるのを見届けるに違いありません。

スピルバーグ監督がリメイク

スティーブン・スピルバーグ監督が本作「ウエスト・サイド物語」のリメイク版を制作しているというニュースがありました。

母親がクラシックのピアニストだったスピルバーグ監督にとって本作は、子どもの頃「初めて耳にしたクラシック以外の音楽」だったそうで、その素晴らしさに衝撃を受けたといいます。

監督はずっと本作のリメイク版を制作したいと熱望してきました。

リメイク版公開は、2021年12月に予定されています。

本作・1961年版では、ベルナルド役のジョージ・チャキリスはギリシャ系で、マリア役のナタリー・ウッドはロシア系の俳優でした。

当時は、ラテン系の俳優があまり活躍していなかったため、メイクでラテン系に見せていたのです。

しかし、スピルバーグ監督のリメイク版では、ラテン系の役にはラテン系の俳優が演じることになるそうで、1961年版でアニタを演じたプエルトリコ出身のリタ・モレノも出演します。

ぜひ、本作と観くらべてみてください。

まとめ

いつの時代にも、どこの国でも起こりうる悲劇を描いた「ウエスト・サイド物語」。

時代を超えて観る価値がある映画です。

奇跡の音楽や洗練されたダンスが楽しめるのでぜひご覧ください！！

”おおかみおとこ”である父を早くに失い、人間の母と”おおかみこども”である雪（姉）と雨（弟）の3人で暮らす家族の絆と“生き方の選択”を描いた物語です。

姉弟の成長で訪れる、それぞれが選ぶ生き方の分岐は、別れではなく旅立ちを感じさせるものになっており、悲しい話ではなく温かい気持ちにさせてくれます。

都会と田舎の描き分けで表現する大自然の美しさや厳しさ、”おおかみこども”を育てる初めての体験として母親の気持ちを共有できるなど、観客の感性で見どころが変わる作品です。

キャラクターデザインは「時をかける少女」（2006年）「サマーウォーズ」（2009年）に引き続き貞本義行が担当、脚本は奥寺佐渡子と細田監督が共同執筆しています。

高い評価を受けていた細田守監督が、より高い段階の表現者として成長し、制作する作品の方向性が見えた本作を、様々な情報を元に考察していきましょう。

おおかみこどもの雨と雪（2012年）

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見どころ
監督は『時をかける少女』の細田守。宮崎あおい、大沢たかお、菅原文太などが声優を務める。母親の優しさ、たくましさに胸を打たれること必至で、親子でも楽しめる。
出典 : video.unext.jp

あらすじ
人間の姿をしているオオカミ男と出会った大学生の花。2人は恋に落ち、やがて子供を授かる。2人の子供はやはり人間とオオカミの二つの顔を持っていた。家族は都会の片隅で正体を隠しながら暮らしていたが、父の死をきっかけに田舎に移住する。
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おおかみこどもの雨と雪（ネタバレ・考察）

日本のアニメ映画を牽引する存在として、作品ごとに挑戦を続けている細田監督。

田舎と大家族、電脳世界と現実のリンクを描いた「サマーウォーズ」（2009年）とは変わり、本作は田舎で暮らしながら家族の成長を見守る内容になりました。

常に万人向けの作品を目指しているという監督が採用した世界のモデルや、映画好きへの目配せなどトリビアの数々をお伝えしていきます。

細田監督のイメージする”子育て”

「サマーウォーズ」を作っていた頃の監督は、結婚したばかりで急に親戚が増えたことをヒントに、大家族が力を合わせるSFという作品を生み出しました。

ですが監督は当時、子供を授かっておらず、知人から子育てについて「家の中で暴れている子供はまるで怪物だぞ」と聞かされたことから、本作を思いついたとのこと。

身近なものが映画のテーマとして目に入ってくるという監督は次作「バケモノの子」で”父の不在”を、次次作「未来のミライ」で”体験した子育て”を題材に作品を誕生させます。

細田監督が手掛けた家族をテーマにした作品群の中で、唯一「おおかみこどもの雨と雪」だけが実体験を元に作られていないためか、設定も含めてファンタジーを感じるのです。

「龍とそばかすの姫」（2021年）では家族の喪失と電脳世界を描いているとか！

いままでの細田監督が扱ってきたテーマの集大成になるのではないでしょうか。

映画『竜とそばかすの姫』は、母親の死により心に大きな傷を抱えた主人公・すず／ベルが、”もうひとつの現実”と呼ばれる50億人が集うインターネット上の仮想世界“U(ユー)”で大切な存在を見つけ、悩み葛藤しながらも懸命に未来へ歩いていこうとする物語。

一橋大学に聖地巡礼したい！

序盤で花が大学に通っているとき、”おおかみおとこ”の彼も授業を受けに来ます。

2人が通っている大学は一橋大学をモデルにして描かれており、キャンパスはもちろん花がバイトしているクリーニング店も実際にあるのです。

劇中に登場したカフェも映画とコラボしており、雨と雪のスイーツが出されたこともあります。

しっかりとした頭の良さを求められ、都会に寄り過ぎない立地で、他の学生にたいしても開放的ということで選ばれ、一橋大学出身者は映画を観て大喜びしたそうです。

あまり裕福ではない花が良い成績を収め学校に通い、こっそり授業に潜り込んでいる”おおかみおとこ”と運命の出会いを果たすのにピッタリの場所でしょう。

なお花は雪と雨を育てるために休学し、最終的には中退してしまったことが、劇中に映る花の履歴書から読み解くことができます。

イギリスのエリートお笑い集団「モンティ・パイソン」って知ってる？

雪が学校で受けている授業の中で、荷物を積んだツバメの飛行速度という、不思議な題材がテーマにされています。

これはイギリスの誇るコメディ集団「モンティ・パイソン」が撮影した映画「モンティ・パイソン・アンド・ホーリー・グレイル」（1975年）の中に出てくるコントの一節です。

イギリス人であるモンティ・パイソンが有名なアーサー王伝説を徹底的に笑いのネタにした作品で、B級映画の金字塔として語られ、多くの人が影響を受けました。

万人向けの映画をテーマに創作活動をしつつ、オールドスクールなコントや映画ファンにだけ分かる小ネタを挟んでくるあたりに、監督の遊び心を感じるのです。

名優・菅原文太が主人公を応援

「仁義なき戦い」（1973年）などで活躍し、多くの映画関係者に影響を与えた名優である菅原文太が、田舎に引っ越してきた花を陰ながら助力する老人の役で出演しています。

収録当時の菅原は、自身が演じた”韮崎のおじいちゃん”のような農業を営む生活をしており、名前も菅原が暮らしていた長野の韮崎市から命名されました。

アニメーション映画に出演するのは「ゲド戦記」（2006年）以来となり、頑固で厳しいが花の背中を押してくれる老人を印象に残る演技で表現しています。

上映の2年後に亡くなってしまい、本作が菅原文太の遺作となりました。心の機微を表す名優の演技を堪能してください。

本作で注目したい”音”と”絵”の表現力

「おおかみこどもの雨と雪」は地上波で放送されたこともある作品ですが、誰もが知っている超大作というような扱いではなく、知る人ぞ知る名作という位置づけになります。

また観客によって同じ気持ちを共有するような、わかりやすいエンディングでもないため、人によっては凄さがわかりにくいかもしれません。

映画を観た人が共通項として”ここがすごい！”と感じるポイントを提示しますので、是非チェックしてみてください。

監督直々のオファーがあった俳優と音へのこだわり

”おおかみおとこ”と恋に落ち、2人の子の母として奮闘する花を演じているのは、日本を代表する女優である宮崎あおいです。

どんな困難が訪れてもくじけない強さと、夫や子どもたちの個性を受け入れる優しさを併せ持つ母親像として、子供の成長を見守る主人公を演じています。

出番は少ないものの、花と出会ってドラマの発端になり、人狼というファンタジー要素を持つ不思議な”彼”を演じたのは大沢たかおです。

宮崎は声優経験がありましたが大沢は初めての挑戦になり、初めての共演現場は難しかったようですが、細田監督はこの2人にしか演じられないとオファーを出しています。

また録音もこだわり、通常の現場で使用されるマイクと違い、指向性が極端に狭い代わりに高音質で録音できるガンマイクを使用しているのです。

生き生きとしたシーンも穏やかなシーンも、目に入ってくるビジュアル以上に観客へと訴えかけてくる声の気持ちよさは、視聴するたびに新しい発見があります。

演技の抑揚が凄いと思ったら、こだわりがあったんですね！

監督の意向でシーンの順番どおりに収録する”順撮り”をすることで場面の変化による感情を捕らえているね。

細田監督が挑戦した新時代の情景描写

ドラマ部分について言及されがちな「おおかみこどもの雨と雪」ですが、細田監督のビジュアルセンスは本作でも冴えており、観客を魅了します。

幸せな雰囲気のときは観るものに喜びを与える色彩で演出し、不安や別れを描くときは悪天候を伴った暗い空気感を出すなど、色使いが見事です。

これは「サマーウォーズ」で世界設計などを含めCGを担当してきたデジタル・フロンティアの描写能力が上がったことで実現しました。

今までのアニメでは為し得なかった、吹き抜ける風やアスファルトに溜まって泡立つ雨、山の茂みにうごめく生き物といった微細な表現も可能にしたのです。

本作が出たことで映像表現のハードルが上がり、他のアニメ監督からは恨み節が出たという話もあるほど、革新的なCGとアニメーションの融合は一見の価値があります。

特に花と子どもたちが、誰も居ない雪山を自由に駆け抜けるシーンは躍動感とスピード、背景の細やかさを併せ持ち、”誰にも縛られることのない自由な世界”を感じさせるのです。

いままでの手法を捨てて描いた”家族映画”の新しい形

細田守監督はブレイクするまでは冒険ものや電脳、SFなどが下地になる作品群を手掛けてきましたが、「サマーウォーズ」以降はテーマに”家族”が入るようになります。

さらに「おおかみこどもの雨と雪」では劇場公開作品でありながら、他のアニメ映画と違って”盛り上がる山場”や”空想世界で観客を魅了”というお約束を外しているのです。

この作品で細田監督は子育てと自立、人とは違う自分を受け入れて生き方を決めるといったテーマを観客に問いかけ、娯楽作品とは少し違うアプローチで描いています。

その上で幸せな時間のきらめきや、悲しいシーンでの無情さなどはアニメだからこそつけられる演出と描写で表しているのです。

一般的な”売れる作品”とは逆の方向を選びながらも観客に支持された「おおかみこどもの雨と雪」の構造を考察していきます。

自我がない子供は怪物である

雪と雨は物心がついていても、自分たちが特別な存在であることを認識しておらず、花の教育にも関わらず”おおかみこども”らしさを発揮してしまいます。

遊び盛りなため他の住人からはペットを飼っているのではと疑われ、児童相談所には予防接種などに来ないことから育児放棄ではと勘ぐられるのです。

社会が機能していても、サポートを受けられない人や性質が異なる人には負荷になるということと、自分を律する事ができない時期の子供はいかに恐ろしいかを描いています。

”彼”と2人で過ごしていた頃はあんなに輝いて描かれていたマンションはボロボロになり、家庭環境の変化と苦悩を表しているのです。

”おおかみこども”の生き方として人を選ぶか、おおかみを選ぶか、どちらの結果でも幸せに育つように、花たちは富山に引っ越します。

花の笑顔に見る心の支えと強がり

花は、村の奥にあるリフォームもしていない平屋を選び、そこで生活を始めますが、収入がない花は貯金を切り崩しながら畑を耕すなど試行錯誤の日々。

都心から来たシングルマザーに対して村人は、「生活の違いに耐えられるのか」という興味と疑いの眼差しで見守ります。

村人たちに対してはもちろん、困難な時も常に笑顔でいる花に対して、韮崎のおじいちゃんが声をかけるのです。「なぜ笑う。笑ってたら何もできんぞ」

花は「いつでも花のような笑顔でいてほしい」と名付けられたのですが、花はどんな辛いときも笑顔でいることで、自分の中の不安を隠していたのではないでしょうか。

そんな花の心中を汲み取ったのか、おじいちゃんは作物の植え方を教え、村人には手助けするよう助言し、花は村の人々と交流を深めるようになります。

花の出産、夫との別れ、子育ての苦労を見てきた観客はおじいちゃんと同じように花を応援する気持ちが生まれているため、花の変化に喜びを感じるでしょう。

ここで努力が実ったことにより、話の焦点は成長していく雪と雨に移っていきます。

細田監督の提示する話題が花から、2人の獣人の成長という未知の世界に入るのです。

”おおかみ”の生き方と”こども”の生き方

細田監督は姉の雪と弟の雨を対比構造で描くことで、タイトルに含まれている”おおかみ”と”こども”という別の道を作っていきます。

姉弟それぞれの性格がどのように変化して、何をきっかけに自立するに至ったのかが本作後半の主眼になるのです。

獣人というマイノリティである自分を認識し、理解した上で生き方を自分で決めていく2人の成長に関して、どういう意味が込められているかを考察します。

おてんばな雪は人間になりたい

姉である雪は山や森のある村で過ごすことによって、野生に近い特性を示します。蛇の骨や虫を集めるなど、かなりのおてんばさんです。

そんな彼女ですが学校で他の女子と交流することで、”女の子らしさ”という概念を得て、自分も女の子らしくなりたいという変化を見せます。

その成長を嬉しく思った花は、雪に手作りのワンピースを仕立てて着せてあげたことにより、女の子同士が好む共通の話題”ファッション”で後押しするのです。

そんな雪の前に現れたのが、転校生の草平です。彼はいきなり花に向かって「獣臭い、ペットを飼ってるのか？」と質問をします。

これは雪にとって”可愛い女の子”ではなく”おおかみこども”であると指摘されたのに等しく、またデリカシーにも欠ける問いだったためショックを受け草平を避けるのです。

悪意がない草平はなぜ自分を避けるのかと雪を追い回しますが、雪はおおかみにならないおまじないを唱えながら必死で逃げ回ります。

結果的に草平に対して”おおかみこども”の姿で傷を負わせてしまい、雪は自分の正体が知られてしまったのでは、と学校を休むのです。

怪我をした草平は雪のせいではないとかばい、休んでいる雪を毎日訪ねていくうちに打ち解けて、2人は仲良くなり、雪は”人間”として生きる道を選ぶようになります。

おとなしい雨はおおかみになりたい

弟の雨はもともと内向的で本を読むのが好きなタイプであり、山村に来てからは動物におっかなびっくりしながら触れていくなど、雪とは対照的な存在として描かれています。

小学校は不登校が多いため、韮崎のおじいちゃんから「俺とエジソンも小学校は行かなかった、見どころがある」と評価されているのです。

いじめが原因のようにも見えますが、雨は自分自身が”おおかみこども”であると雪より早く感じており、そのために他の子供達とは馴染めなかったのではないでしょうか。

その上で”おおかみ”である自分を持て余していますが、山で生き物を捕まえたことをきっかけに力を自覚します。

花が学芸員として仕事をしている現場に付き添っていた雨は、施設にいたシンリンオオカミと対話し、捕らわれてしまったオオカミの悲劇を知るのです。

その結果、人間社会には踏み込まず、山に入り長であるキツネから教えを受けることで、雨は”おおかみ”としての生き方を望むようになります。

嵐の夜にみるアイデンティティの確立

台風が迫る夕刻、雪は花が迎えに来るのを待ちながら、草平と教室で2人きりになり、自分が”おおかみこども”であることを明かし、草平を傷つけたことを謝ります。

草平はすべてを知っていて、その秘密を誰にも言いませんでした。家族以外に自分の存在を認められた雪が、社会の中に一歩近づくシーンです。

雨は長であるキツネが怪我をし、先が長くないため自分が山の長を継ぐと花に伝えて嵐の山に入ります。それを止めようとする花ですが、山の斜面から落ちてしまいます。

気絶した花を雨は安全なところまで運び、花が起きたのを確認してから変身して別れを告げます。人間社会から離れ、自然の中で生きていく決意を持った親離れの瞬間です。

雨はおおかみとして生き、雪は全寮制の学校へ草平と進み人間として生きると決めたことが分かるラストは、自分の居たい世界を選べる自由を感じさせます。

滅びの道にある”おおかみ”と、人間社会にいる”おおかみこども”たち

”おおかみおとこ”は”彼”が最後の生き残りでしたが、花という伴侶を得たことで血を繋ぎます。

雪と雨が受け継いだ特性は人に知られてはいけない性質を持つため、人間として生きていく雪が子を為したとしてもありのままで育てることは出来ないでしょう。

人の世に生きる”おおかみ”という設定が意味することを、2つの視点から考察します。

花が示す”おおかみがすき”という許容

絵本を見ている時に、雨はオオカミが絵本だと悪者にされていることに疑問をもちます。自分がおおかみであることを自覚したからこそ、存在が悪なのか気になったのでしょう。

それに対して花は「でもお母さんはおおかみが好きよ。みんながおおかみを嫌っても、お母さんだけはおおかみの味方だから」と応えます。

この”おおかみ”の部分はすべてのマイノリティに置き換えることができるため、観るものにハッと気付きを与えるシーンになるのです。

花は良い悪いという二元論ではなく「私はおおかみが好き」という許容を見せることで、子供に愛情を示しながら価値観を正しました。

誰かの視点で語られる良い、悪いではなく、自分は好きなものを好きと言えることが大事というメッセージが観客に伝えられ、寛容さを促すのです。

なぜオオカミは悪く描かれる？

狩猟民族であったころの人間はオオカミを尊敬していたため争うこともなく、お互い干渉せず、獲物を狩るために森を共有していました。

しかし人間が開拓を始めて森を破壊し、家畜を飼うようになると、森という住処とそこで得られる獲物を失ったオオカミは家畜を襲うようになるのです。

神聖な存在から害獣へと認識が変わり、人々の教えの中にオオカミに対する敵意が加わった結果、狩りつくされオオカミは激減します。

悪評しか知らない街の人々にはオオカミは悪者とされ、作家たちの世界でもオオカミを倒すことが物語のハッピーエンドとされるのです。

近代になってようやく種を保存する目的で保護対象となっていますが、元の生態系に戻ることもできず、日本のオオカミは絶滅の道を辿ってしまいました。

オオカミの大切さや保護を訴えながら、オオカミは悪者であると子供に教える矛盾のなか、社会はオオカミを受け入れられるのかと問われているのです。

雨の問いかけに居心地が悪くなった観客も多いかも？

子供の頃のオオカミは悪い、危険を表すアイコンみたいな扱いでしたからね。

まとめ

2人がそれぞれの道を選び、巣立っていくことをドラマとして描いて終わるため、映画としては「終わったんだ！」という、クライマックス感は少ないでしょう。

しかしキャラクターたちの生き様や監督からのメッセージは、鑑賞した人の中にそれぞれの形の違う何かを残してくれるはずです。

アニメ映画でありながら、”現実では撮影できない表現”は最低限に抑え、人間ドラマを美しく描いた本作。

長年タッグを組んできた脚本家の奥寺佐渡子と細田監督が初めて合同脚本を務めたため、「サマーウォーズ」以前とは違う作風となり新しいスタイルを見いだせるのです。

多くの賞を取りながらも、次作ではエンタテインメント路線に再び舵を切った監督が観せてくれる”世界の美しさ”を是非堪能してください。

1950年の同名のアニメ映画を巨匠ケネス・ブラナー監督が実写化し、リリー・ジェームズ、ケイト・ブランシェット、ヘレナ・ボナム＝カーターが出演しました。

おとぎ話らしい豪華なセットと衣装、アニメ版に比べてよりリアリティな設定で好評を博しました。

この映画の、ドレスの秘密やヴィランである継母の心理描写など、ネタバレ・小話・考察をご紹介していきましょう。

シンデレラ（2015年）

出典 : amazon.co.jp

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見どころ
ガラスの靴、カボチャの馬車、お城での舞踏会など、誰もが知っている名場面を豪華絢爛な映像美で再現。新旧取り混ぜた実力派俳優たちの共演により、物語もさらに魅力的に。
出典 : video.unext.jp

あらすじ
両親の下で幸せに育った少女エラは、母と父を相次いで亡くし、意地悪な継母とそのふたりの娘と共に暮らし始める。ある日、召使いのような辛い生活に耐え切れずに家を飛び出したエラは、森でキットと名乗る青年に出会う。だが実は、キットの正体は王子だった。
出典 : video.unext.jp

シンデレラ（ネタバレ・考察）

「辛いことがあっても、勇気と優しさを忘れないで」という亡き母の言葉に支えられ、やがて王子と結ばれる映画「シンデレラ」。

シェイクスピア俳優としても有名なケネス・ブラナーが、その経験からくる歴史的な美術・衣装の知識・審美眼を遺憾なく発揮して監督をしています。

そのため、きらびやかな美術・衣装・設定が使用され、おとぎ話にふさわしい夢のような映像になっています。

この映画の小話についてご紹介しましょう。

シンデレラの名前の由来がストーリーに織り込まれる

「シンデレラ」という名前の由来は、英語の「シンダー（cinder）＝燃え殻・灰」に女性を表す「エラ」を付けて「シンデレラ＝灰かぶりの娘」からきているという説が有力です。

この映画では、ヒロインが「エラ」という名前で、それに「シンダー」を被せて「灰かぶりのエラ」としました。

意地悪な義理の姉・アナスタシアがヒロインをバカにして付けたあだ名としています。

隠れミッキー

劇中で、エラの家の玄関のドアのガラス部分に隠れミッキーがあります。

ガラスの靴を持ってくる大公一行がエラの家に来る時に、継母がドアを開けるシーンで映りますので、チェックしてみてください。

また、舞踏会に行けなかったエラが泣いているところに、老婆姿のフェアリー・ゴッドマザーが現れるシーンに隠れミッキーが出てきます。

フェアリー・ゴッドマザーの後ろにある花が3つ連なっていて、ミッキーのような形を作っています。

かつての貴族の館をCGで再現

王子が住んでいる宮殿の外観はCGです。製作の参考にしたのは、ドイツのドレスデンにある「ツヴィンガー宮殿」だそうです。

18世紀・バロック様式の宮殿で、芸術を保護したザクセン王、フリードリヒ・アウグスト1世（強王）がヨーロッパ各国の名建築を参考にして建設した建物でした。

華麗な装飾が「シンデレラ」の世界観にぴったりです。

また、エラと王子が出会ったシーンは、イギリス・ロンドンの西部の「ベアズ・レイルズ・パーク」の森で撮影されました。

広大な森林と湖が点在し、イギリス・スタイルの歴史ある庭園で、ロマンチックなエラと王子の出逢いのシーンにはまっています。

舞踏会のシーン

舞踏会のシーンは「007」シリーズが撮影された由緒あるスタジオにセットを組んで撮影されました。

500人のエキストラに50人のスタッフがドレスやスーツの着付け、ヘア・メイクを担当しました。

世界各国からゲストが来ているという設定で、スペイン風、アラブ風、中国風、日本風と、民族衣装のドレス姿も見られます。

総勢500人のスタッフに囲まれてのダンス・シーンの撮影となりました。

数々の巨大なシャンデリアに付いている合計2,500本のロウソクの火を点けるだけでも一時間かかったそうです。

「ぶらんこ」とガラスの靴

注目すべきは、舞踏会で王子が宮殿の庭園に青いドレスを着たエラを誘い、ぶらんこに乗ったエラのガラスの靴が脱げてしまうシーンです。

このシーンは、映画のクライマックスの「舞踏会に現れた謎の女性探し」の時に王子がエラにガラスの靴を履かせるシーンの伏線となっています。

そして、フランス・18世紀の画家、ジャン・オノレ・フラゴナールが描いた絵画「ぶらんこ」からの引用になっているのです。

絵画「ぶらんこ」は、貴族の男性がぶらんこに乗る貴婦人を押してこいであげると、貴婦人の靴が脱げてしまうという場面を描いています。

この絵画は、「アナと雪の女王」（2013年）でも見ることができます。

1976年に公開されたイギリスの実写版映画「シンデレラ」へのオマージュともなっているシーンです。

ガラスの靴はリリー・ジェームズに合わなかった！？

ガラスの靴はCGではなく、実際にガラスを使って製作しました。スワロフスキー・クリスタルが使用されています。

完成までに6度の製図起こしが重ねられ、シーンに合わせて8つのバージョンのガラスの靴が作られました。

しかし、製作された靴は、エラを演じたリリー・ジェームズには固すぎて、履いて踊ることができませんでした。

ダンス・シーンの撮影ではリリーは普通の靴を履いてCG処理でガラスの靴を履いたように見せています。

シェイクスピア劇の歌を引用

アニメ版はミュージカルでしたが、この実写版はストレートプレイ（ミュージカルではない演劇）となっています。

しかし実写版には、劇中、魅力的な歌の数々が散りばめられました。

継母・トレメイン夫人の連れ子の一人ドリゼラがピアノを弾きながら下手な歌を歌うシーンがあります。

その歌は「恋人たちは春が好き」という古いケルト民謡で、シェイクスピアが「お気に召すまま」で引用しているのです。

さすがシェイクスピア俳優としても有名なケネス・ブラナー監督ですね。

当時の上流階級が優雅に歌ったであろう歌をきちんと取り入れていて、時代考証にも抜かりはありません。

俳優自身がエンドロールで歌っている

エラが歌う歌「ラベンダーズ・ブルー（Lavender’s Blue）」が可愛らしく印象的で、17世紀から伝わるイギリス民謡です。

この歌は、ガラスの靴を持ってきた王子が、エラがいることに気付く歌で物語で最も重要な歌になっています。

また、エンドロールでリリー自身がアニメ版のテーマソング「夢はひそかに（A Dream Is A Wish Your Heart Makes）」を歌っていました。

ヘレナ・ボナム＝カーターもエンドロールで「ビビディ・バビディ・ブー（Bibbidi-Bobbidi-Boo）」を軽快に歌っています。

Facebookの歌からCDデビューが決まった歌手、ソンナ・レレによる「ストロング（Strong）」がこの実写版のテーマソングになっています。

美しい音楽にもケネス・ブラナーの趣味の良さがうかがえますね。

お土産は木の枝

エラは父から旅行のお土産は何がいい？と聞かれて、「お父様が旅に出て最初に肩に触れた木の枝が欲しい」と言います、

木の枝とは変わったおねだりです。これにはどういった意味があるのでしょうか。

「シンデレラ」の原作には、フランスのシャルル・ペロー版とドイツのグリム版があります。

グリム版の原作の中に、「父が持って帰った木の枝を土に埋めると白いハトがドレスと靴を持ってくる」というエピソードが入っているのです。

実写版「シンデレラ」では、そのエピソードをエラのセリフに反映しているのです。

義姉たちは、レースやパラソルなど高価な物をお土産に頼んだのに、シンデレラは木の枝でした。

「旅の途中、お父様がずっと私のことを思い出してくださるように。そして、それを持って必ず無事に帰って来てくださるように」とエラは言います。

エラの望みは、高価なお土産などではなく、父親が帰ってくることでした。

木の枝をお土産に望むシーンは、エラの純粋さ・優しさを表しています。

王子のキャラクターに深み

アニメ版「シンデレラ」では、王子のキャラクター描写はほとんど無く、王子はただのイケメンに過ぎませんでした。

しかし実写版では、舞踏会の前に、森でエラと王子が偶然出逢うシーンがあります。

王子が舞踏会で着飾ったエラに惹かれたのではなく、「勇気と優しさ」を旨として生きるエラに魅力を感じたという設定になっています。

王子がただ一度の出逢いで結婚を決意したアニメ版より、リアリティがありました。

王子が、身分を明かさずに「見習いのキット」と名乗るシーンでは、肩書にとらわれず本来の自分を見てほしいという王子の思いを視聴者に印象付けることに成功しました。

そして王子の父が病気で瀕死の状態である設定を加えることで、王子の父を想う優しさを表現し、より王子が人間味のある男性になりました。

なぜエラは自分の名前を「シンデレラ」と王子に告げたか

「言葉の呪文はエラを苦しめた」と語り手も言っていますが、この「シンデレラ」というあだ名は、エラにとって屈辱的でした。

しかしラストシーンで、ガラスの靴を持ってきた王子に名前を問われて、エラは「私はシンデレラ」だと、忌み嫌っていたあだ名を王子に伝えています。

なぜエラは義姉がバカにして付けたあだ名を王子に告げたのでしょうか。

エラは、もしガラスの靴が自分の足に合ったら、「お姫様でもなく、持参金もない自分」を受け入れてくれるかと王子に聞いています。

つまり、例え灰かぶり（シンデレラ）でも、自分のありのままを受け入れてくれるかと王子に問うたのです。

アニメ版のただ幸せを信じて待っているだけのヒロインとは違い、こんな自分だけどいいですか？と王子に全てをさらけ出しています。

母の遺言通り、エラは、確固たる意志を持った勇気ある女性として描かれています。

「アナと雪の女王」（2013年）から引き継がれたディズニーお得意のありのままでいることを肯定するプリンセス像をここでも体現しているのです。

また、出逢いのシーンで王子が身分を隠して「見習いのキット」と名乗ったことと対をなしています。

華やかなドレスの秘密

エラの美しい青いドレスには、10,000個のスワロフスキー・クリスタルが縫い付けられました。

衣装デザインはアカデミー衣装デザイン賞受賞経験のあるサンディ・パウエルで、ドレスが「動いている水彩画」のように見えるようデザインしたといいます。

薄くやわらかな生地のスカートが何枚も重ねられ、風に舞い上がる度に緑や紫に色が変わる幻想的なドレスです。

1メートルあたり約150ポンド（約2万3,000円）の高価な生地が使われました。

青いドレスは20人のスタッフにより約4,000時間かけて、シーンに合わせた8着のバージョンが制作され、1着11,000ポンド（約170万円）かかったといわれています。

また、ドレスの胸元に散りばめられた蝶の飾りは日本人デザイナー宮本遥香が作りました。

蝶の飾りは一つ一つ形も、色の染め方も、ラメの光り方も異なるそうで、丁寧に手作りされています。

エラが踊る度に胸元の蝶がひらひらと動いて、まるで本当に蝶が飛び交っているように見えました。

蝶の飾りは、エラの幼い頃、父が愛情を込めて買ってくれた蝶のマスコットを思い出させる重要なアイテムなのです。

そして、フェアリー・ゴッドマザーを演じたヘレナ・ボナム＝カーターのドレスは、スカートの内側に小型のLED電球がたくさん取り付けられました。

フェアリー・ゴッドマザーの魔法が繰り出される度に遠隔操作によって光る仕組みになっていて、まさにマジックのようです。

この仕掛けには電化製品販売の世界的企業であるフィリップス社が携わりました。

リリーとヘレナは、ドレスを着るのに当初は約1時間かかったそうですよ。

慣れてくると彼女たちは20分間で着られるようになりました。昔の貴婦人は大変だったということですね。

ヴィラン・継母の圧倒的存在感

ディズニー映画では、2014年の「マレフィセント」から、「美女と野獣」（2017年）「アラジン」（2019年）「クルエラ」（2021年）と、「ヴィラン（悪役）」をフィーチャーしています。

この「シンデレラ」実写版も、ヴィランである継母・トレメイン夫人の心情を詳しく描くことによって、ヴィランでありながら人としての深みを持たせていました。

継母は、もう一人の主役であるかのような圧倒的な存在感のある描写になっています。

継母の心情をみていきましょう。

継母の嫉妬

父は商用で旅に出ることが多く、エラが寂しいだろうと思ったのか再婚しました。

父の再婚相手である継母と、その連れ子であるニ人の義姉にバカにされながらも、エラは勇気と優しさを失わずに前向きに毎日を過ごしています。

しかしエラは毎晩パーティーやギャンブルをする継母に馴染めません。

エラは、仕事に熱中する父に寂しさを訴えます。

「お父様、帰ってきたばかりなのにまた旅に出てしまうのね」

父親はエラを抱きしめて言います。

「留守でも、私の心はいつもエラのそばにいるからね。亡きお母さんもここに居てエラを見守っているよ」

エラは父に尋ねます。「お父様、お母様がいなくて寂しい？」

父は「寂しいよ」といっそう強くエラを抱きしめるのでした。

その様子を見た継母は、衝撃を受けます。

自分の夫とエラとの間には、自分には入り込めない深い絆がありました。

そして夫は、亡き前妻のことを今でも愛していました。継母は激しい嫉妬に駆られるのです。

「私はあなたの母じゃない」

継母のエラへのいじめはエスカレートしていきました。

父が旅に出て、寂しさに涙を流すエラが「お母様」と言うのを、継母は容赦なく「私のことは『お母様』ではなく『マダム』と呼んで」と言い放ちます。

つまり「私はあなたの母じゃない」と宣言をしたようなものです。

さらに連れ子のドリゼラとアナスタシアは二人一部屋で狭いから喧嘩ばかりしていると困ったようにエラに相談します。

エラが自室を義姉たちに譲ると言い出すと、継母は微笑みながらエラを隙間風が吹く屋根裏部屋に追いやるのでした。

そんなエラに悲しい知らせが届きました。なんと父が旅先で病死してしまったのです。

継母は、稼ぎ手である夫を亡くしてしまったため、使用人を解雇し、「悲しみを紛らわせるのに働いた方がいい」という口実でエラに一切の家事をやらせるようになります。

継母恐るべし！！

辛いことが続いてエラはいたたまれなくなり、悲しみを鎮めようと馬に乗って森に向かいます。キット王子にはそこで出逢うのですね。

継母、エラのドレスを破る

森でエラと出逢った王子は、その日以来、「名前も知らない勇気と優しさを語った女性」のことが忘れられなくなりました。

王子は、花嫁を選ぶ舞踏会に、各国の王女だけでなく、国中の女性を招待することにします。

「勇気と優しさを語った女性」が舞踏会に来るかもしれないと思ったからです。

舞踏会当日、継母は、エラにドリゼラとアナスタシアのドレスの支度をさせました。

二人のどちらかを王子と結婚させようと目論んでいるのです。

一方、「見習いのキット」にまた逢いたいエラは、亡き母のドレスを自分に合わせて縫い直し、継母たちと舞踏会に行こうとします。

「そのドレスは趣味が良くないわ。破けているじゃない？」

そう言って継母は、エラのドレスをビリビリと破って彼女を家に置き去りにし舞踏会に出かけるのでした。

「なぜ私をいじめるの？」

「舞踏会に現れた謎の女性」が王子をそそのかしドリゼラとアナスタシアが王子と話す機会を妨害したと、継母が不機嫌で舞踏会から家に帰るシーンがあります。

継母は、舞踏会で聞いた大公の「サラゴサ国のシェリーナ王女と王子が結婚の約束をしている」という言葉を思い出し、ドリゼラかアナスタシアを王子と結婚させることを諦めるのでした。

この時、エラが顔色も良く夢見るような笑顔を振りまくので、継母は不審を抱きます。

継母は、「舞踏会に現れた謎の女性」がエラだと気付くのです。

継母はエラにこんな言葉を突きつけます。「あなたが王子と結婚したら私を宮殿に住まわせ女官長として扱いなさい。そしてドリゼラとアナスタシアに条件の良い縁談を用意しなさい」

エラが拒否すると、なんと継母はエラの持っていたガラスの靴の片方を壁にぶつけて割ってしまうのです。

今まで継母の仕打ちに耐えてきたエラでしたが、さすがにこれには憮然とし「何故そんなことをするの？私はあなたに優しくしようとしたのに」と問います。

すると、継母はこう答えるのです。

「あなたが若くて純真で善良だからよ！」

初めて描かれた継母の本心

これまで、どんな童話や映画でも、「なぜ継母がヒロインをいじめるのか」を描いていませんでした。

この映画で初めて、継母の本心が明らかにされたのです。

継母が常に考えているのは、よりリッチで満たされた生活をすること、そのためには手段を問わないこと。

エラの純粋さに比べて、自分はなんて心の貧しい人間…。聡明な継母は自分のことをよくわかっていたに違いありません。

エラが善良であればあるほど、継母は自分の心の貧しさを思い知らされ、嫉妬に苦しみ、エラを虐待してしまうのでした。

人の心の闇をあぶり出すこの実写版「シンデレラ」には驚かされます。

嫌われるシンデレラ

「嫉妬」は、誰もが抱く人間の基本的な感情の一つとされています。

つまり、この実写版「シンデレラ」では、継母はヴィランということになっていますが、実は誰もが継母のように他人を攻撃してしまう可能性があるということです。

だからでしょうか、「自分の思いに正直に生きている継母に共感できる」という意見が少なくないのです。

「シンデレラ」をインターネットで検索すると、「嫌い」というワードが出てきます。

「どこまでも善良で健気で優しいから見ていてイライラする」

「いい子ちゃんぶっていて嫌い」

「シンデレラに共感できない」

そんな声も聞かれます。

さあ、あなたはエラと継母のどちらに共感するでしょうか？

ケイト・ブランシェットの堂々とした演技に釘付け

さすがニ度のアカデミー賞（助演女優賞、主演女優賞）に輝いたケイト・ブランシェットです。

根深い嫉妬心を抑えることができない継母を演じて凄い貫禄です。

洗練されたデザインのドレスを堂々と着こなし、気位の高さを表す優雅な立ち居振る舞いでヴィランを演じ、圧倒的な存在感を放っています。

エンドロールでは、エラ役のリリー・ジェームズよりも先にクレジットされていました。

この実写版「シンデレラ」では、ケイト・ブランシェットの迫力ある演技に釘付けとなるのです。

ラストシーン：継母の悪巧み

エラのガラスの靴を叩き割った継母は、破片を持って宮殿の大公に会いに行きました。

継母は伯爵夫人の地位と娘二人の良縁を条件に、エラを監禁して、その存在を闇に葬ることを大公と画策します。

王子とサラゴサ国のシェリーナ王女とを政略結婚させたい大公と利害が一致したのです。

継母と大公は結託して、「ガラスの靴に足の合う女性探し」を形だけ行って、「見つからなかった」とでっちあげ、王子に「舞踏会に現れた謎の女性」を諦めさせようとします。

大公はこの実写版「シンデレラ」の、もう一人のヴィランです。

国中の女性にガラスの靴を試し、最後にエラの家に来た大公たち一行は、ドリゼラとアナスタシアだけに靴を試させ、帰ろうとします。

しかし、幸せの青い鳥たちとエラの友達のネズミたちの機転によって屋根裏部屋の窓が開き、エラの歌声が響き渡りました。

「この家にもう一人女性はいませんか？」と王子の側近が継母に聞きます。

王子の側近が家の中を見廻り、ようやくエラと王子は再会することができたのでした。

ガラスの靴がエラの足に合ったのは言うまでもありません。

エラと王子は国民に祝福され結婚するのでした。

最後に、「語り手」がフェアリー・ゴッドマザーだったということがわかって映画は終わりとなります。

ガラスの靴が足に合って王子と城に向かうため家を出ていく時、継母に「あなたを許します」とエラが言いました。

その時の継母の敗北感に打ちのめされたような表情が印象的でした。

まとめ

ケネス・ブラナーの手腕が発揮された美しい映像・設定に心が踊ります。

亡き母の「辛いことがあっても、勇気と優しさを忘れないで」の言葉を忠実に守り、やがて王子と結ばれる映画「シンデレラ」。

ヴィランの心理にクローズアップすることで、より現代的・リアリティな物語に仕上がりました。

子どもだけではなく、むしろ現代に生きる大人におすすめしたいファンタジー映画です。

「賭ケグルイ」は河本ほむら（原作）、尚村透（作画）コンビが描く人気漫画で、シリーズ累計発行部数は620万部を突破している大人気漫画です。

主演は映画「君の膵臓をたべたい」（2017年）で一躍注目を浴びた浜辺美波で、監督は「ハンサム★スーツ」（2008年）、「ヒロイン失格」（2015年）などの代表作を持つ英勉が務めました。

ギャンブルによって生徒同士の階級が決まる、名門・私立百花王学園。

そこに転校生としてやってきた主人公の蛇喰夢子（じゃばみゆめこ）が天才的なギャンブルの才能で次々と強敵を打ち破っていく姿を描いた、痛快エンターテインメントムービーです。

原作やアニメ版、ドラマシリーズにはない、完全オリジナルストーリーである「映画 賭ケグルイ」から一筋縄ではいかないキャストの魅力、夢子がギャンブルで負けた理由などに迫っていきます！！

映画　 賭ケグルイ（2019年）

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見どころ
高杉真宙らテレビ版の主要メンバーに加え、宮沢氷魚、福原遥ら若手演技派キャストが競演。原作の河本ほむらがシナリオ原案・監修を務めた完全オリジナルストーリー。
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あらすじ
2年華組・蛇喰夢子は、生徒会長・桃喰綺羅莉とのギャンブルを心待ちにしていた。2人の勝負への期待が高まるなか、“非ギャンブル、生徒会への不服従”を掲げる白装束集団・ヴィレッジが生徒会と対立。生徒会は、ヴィレッジ解体並びに夢子潰しを企み…。
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映画　賭ケグルイ（ネタバレ・考察）

主演の浜辺美波を筆頭に、演技力もビジュアルも最高！といえるキャスト陣が集結した「映画　賭ケグルイ」。

ここではキャストの魅力や、本作品の独特な世界観に迫っていきたいと思います！！

個性派揃いのキャストに注目！！

登場人物達の吹っ切れた演技が魅力的なこの作品。

主役の浜辺美波を始めとし、この映画に登場する人々は曲者揃いです。

まず、浜辺美波演じる蛇喰夢子は、普段は上品でおっとりとしている性格ですが、ギャンブルが絡む事になると一変します。

ピンチに陥っている状況でも「たぎってしまいますわあ～！」という言葉が飛び出すなど、ギャンブルが好きで好きでたまらないといった面を持っているのです。

そして「さあ、賭け狂いましょう！」という夢子のお馴染みの台詞は映画版でもしっかりと出てくるので、お見逃しなきよう！

その他にも夢子の相棒役として高杉真宙や、カメレオン女優として存在感を放つ森川葵もドラマシリーズから変わらず出演しています。

そして、乃木坂46の松村沙友理や元・乃木坂メンバーであった伊藤万理華も出演しているので、ファンの方は見逃せません！

人気コスプレイヤーのえなこや、モデルの池田エライザも生徒会長役で特別出演として登場します。

これだけの豪華メンバーを集めた映画ですから、面白くないわけがありません！

登場人物の顔芸&迫真の演技がスゴイ！！

「賭ケグルイ」というこの映画の中で印象に残るのは、何といっても登場人物達の顔芸とも呼べる“顔”の演技と鳥肌の立つような迫真の演技です。

特に終盤の“デュアルクラッシュ・ポーカー”と呼ばれるゲームでは、福原遥演じる歩火樹絵里（あるきびじゅえり）と、浜辺美波演じる夢子の演技に圧倒されます。

歩火樹絵里は学園内のヴィレッジと呼ばれる非・ギャンブル団体の幹部ですが、それは表向きの顔で生徒会長に気に入られたいが故に、夢子達にわざと負ける事でヴィレッジの解散を目論んでいました。

この時の福原遥の泣きの演技が、異彩を放っており、とにかくすごいです。

髪の毛で片目が隠れ、まるで「ゲゲゲの鬼太郎」のようになっており、「私が足手まといになっている…。」とその形相で涙を見せます。

彼女の計画に唯一気付いていた夢子はその様子をしらけた様子で見て、「いい加減、不愉快です。そろそろ正体を出したらどうですか？」と言い放ちます。

そしてついに歩火の本性が明かされるのです。

この時の彼女の演技はとにかく素晴らしい！主役の浜辺美波の演技を食うほどの存在力を放っています。

皆が皆、とても個性的で、ギャンブルというものを通じて迫真の演技を見せているのです。

ギャンブルを知らない人でも楽しめる映画

この映画の肝となっている、ギャンブルという要素。

一見難しく感じられますが、この映画の最大の良点は“ギャンブルを知らなくても楽しめる”というところにあります。

その理由として、ギャンブルを通じて多彩な人間ドラマが観られるからです。

シナリオ監修と原案にこの作品の原作者である河本ほむらが関わっている事が最大の武器ともいえます。

ギャンブルの中身やルールがわからなくても勝負の行方がどちらに傾いたのか、それさえ理解できれば、この映画は充分満足して観られる事のできる映画と呼べるでしょう。

この「賭ケグルイ」という映画は、ギャンブルに大きな視点を置いているわけではなく、ギャンブルを通じての登場人物の心理描写や表情、一つ一つの台詞が面白さを醸し出しているのです。

登場人物達がこれから行われるギャンブルについて、ルールを説明するシーンもありますよね。

そうですね。そこはこの映画の親切なところといえます。

主題歌が見事に映画とマッチ！！

映画のオープニング曲はドラマシリーズと同じく、PassCodeの「一か八か」が使われています。

本作品の狂ったような世界観を見事に体現しており、「賭ケグルイ」のイメージにぴったりの楽曲です。

主題歌はそらるの「アイフェイクミー」という曲が使われており、映画と音楽がぴったりと映画の雰囲気にマッチしています。

どちらもとても魅力的な楽曲で、「賭ケグルイ」の世界にどっぷりとハマってしまいそうな音楽です。

ギャンブルの勝敗によって決まる学園生活！？

百花王学園は生徒同士のギャンブルの勝敗によって、学園内でのカースト制度が決まってきます。

一番下位に属する生徒は“家畜”としてみなされ、ポチ、ミケという名前を与えられるのです。

そして、上位に属する生徒の言う事を何でも聞かなければいけません。

こんな学園生活アリなの！？と思ってしまう人が多数でしょう。

この作品は一種のエンターテインメント映画です。

“存在しない学園”というレッテルがあるからこそ、観客は逆に安心して観ていられるという部分もあるでしょう。

現実には存在しないけれども、こんな学園があったら面白そう！という人間の究極の心理をついているのが、この「賭ケグルイ」という作品だといえます。

原作の、現実では有り得ないような世界観を実写映画でも丁寧に壊さず表現しているところが、この作品をより魅力的に、面白くしているのです。

高杉真宙演じる鈴井涼太も、夢子が学園に現れるまでは家畜として扱われていたのですよね。

そうですね。夢子は涼太の救世主といってもいいのではないでしょうか。

夢子は何故勝負に負けたのか？

歩火樹絵里と、そのパートナーである宮沢氷魚演じる村雨天音。

村雨は過去に姉をギャンブルが絡んだ事件で亡くしており、百花王学園の生徒会長に唯一ギャンブルで勝った天才的な人物でもあります。

何故、夢子は歩火と村雨ペアに敗北したのでしょう？そこを考察していきます。

自分を見下されたと感じた

村雨は、もうギャンブルはしないと心に決めていたものの、ヴィレッジの危機を救う為に立ち上がります。

歩火の裏切りを知り、ショックを受けながらも闘うことを決めたのです。

一方、歩火の本性を見て夢子は自分のギャンブルの腕を、もしくは自分そのものを見下されたと感じたのでしょう。

夢子はどんな相手にも全力で挑みます。

歩火がヴィッレジ解体の為に卑怯な手を使ってわざとギャンブルに負けようとしている。その姿勢が夢子には許せなかったのです。

歩火の行動は自分への冒涜、そしてギャンブルへの冒涜だと感じたといえます。

自分のギャンブルへのプライドをかけて、歩火が負けようとするなら、自分も負ける道を選ぶ事が歩火に対する勝利であると考えたのです。

村雨を助けようとした！？

歩火の本来の目的を知って、夢子は完全に歩火を軽蔑しました。

そして、このギャンブルが自分にとって有意義ではないと悟ったのです。

夢子は完全にギャンブル狂なので、村雨に同情したなど、そんな慈悲の心を持っているわけではありません。

完全に、流れで勝敗が決まったのです。

歩火がわざと負けようとしている→夢子もやる気を失くす→結果的に夢子達が負けるという流れになっただけといえます。

「ハラハラ・ドキドキしてこそギャンブル」それが夢子の思い描くギャンブルです。

村雨は、自分の力で勝利を勝ち取ったといえます。

なるほど～！夢子は村雨に同情したわけではないのですね。

夢子のギャンブルの鉄則として、「勝利は自分の手で勝ち取るもの！」といった理念があるのではないでしょうか。

夢子の正体とは！？

夢子は百花王学園に転入生としてやってきました。

現段階では原作がまだ連載中という事もあり、夢子が百花王学園に転入してきた目的やその正体は謎のベールに包まれています。

わかっている事は入院中の姉がいる事、夢子の姉はかつて百花王学園の生徒会長であり、現生徒会長・桃喰綺羅莉（ももばみきらり）とのギャンブルに負けた過去があるのでは、との見解があるのです。

原作は2021年6月現在、第14巻まで出ています。

夢子が生徒会長とのギャンブルにこだわるのはやはり姉のことが大きく関係しているのではないでしょうか。

そして夢子が左手の親指にしている指輪にも秘密が隠れているのだとか。

夢子の両親はすでに他界しているので、指輪は家族の形見なのではないか、とも賭ケグルイファンの間で噂されています。

「意志を貫く」という意味を持つ親指の指輪。

生徒会の面々が夢子の事をやたらと気にかけるのも、ギャンブルが強いという理由だけでなく、何か大きな陰謀を感じます。

夢子の正体が正義か悪なのか、はたまた天使か悪魔なのか、ファンの間では様々な憶測が飛び交っているのです。

映画をまだ観ていない方も、すでに鑑賞済みの方も、原作やTVアニメ、ドラマシリーズ未見の方は、ぜひ観てみて下さい！

「映画　賭ケグルイ」の世界を二度も三度も楽しめる事間違いなしです！！

夢子と生徒会長は同じ血筋の一族？

百喰一族と呼ばれる人々がこの作品には登場します。

この百喰一族には様々な分家があり、「○喰」と喰の付く名字の人々は全て同じ血筋といえます。

桃喰家から全てが始まっており、生徒会長の綺羅莉はその頂点に立っている人物なのです。

そして蛇喰という名字を持つ夢子と、桃喰という名字を持つ綺羅莉は辿っていくと階級の差はあれど、同じ血筋の一族なのです。

この「賭ケグルイ」という作品に出てくる登場人物は難しい名前の人物ばかりですが、作者が何故そのような名前を付けたのか？という意図は明るみにはなっていません。

夢子が綺羅莉とのギャンブルに勝ち、蛇喰家が一族の頂点に立つ日は来るのでしょうか！？

今後の展開も目が離せませんね！

「映画　賭ケグルイ」みどころポイント

ラストシーンで村雨が人生計画書を生徒会関係者に渡すシーンがあります。

そこには“食堂に美味しいスイーツを導入すること”と書かれていました。

これは映画内で夢子が村雨に「どうして食堂には美味しいスイーツがないのでしょう！？」と疑問を投げかけていた時の伏線回収となっているのです。

そして、歩火・村雨ペアに負け、2億の負債を抱える事となった夢子達ですがここでも粋な演出が見られます。

実は夢子はクラスメイトで仲の良い、早乙女芽亜里にお願いをして歩火・村雨ペアの勝利に2億のお金を賭けていました。

夢子は非常に頭のキレる人物なので、先々の展開を事前に察知していたのです。

夢子が美味しそうなスイーツを頬張るところで映画は終わります。

この伏線回収には思わず「上手い！」と言葉が出てしまうほど、面白い展開となっているのです。

生徒会長とギャンブルで闘う事を目標とする夢子。

その日が来るのも遠い未来ではないといえるのではないでしょうか。

まさか村雨が人生計画表にスイーツの事を書くとは思いませんでした！

この演出は粋でしたね！

そして物語は続編へ

「映画　賭ケグルイ」の続編、「映画　賭ケグルイ　絶体絶命ロシアンルーレット」で夢子達がまたスクリーンに帰ってきます！

キャストに変更はないので、夢子達にまた会えるのは嬉しいですね！

映画の第一弾で行われた“生徒代表指名選挙”を終えて、平穏を取り戻したかに思われる百花王学園。

しかし、生徒会の面々は日々圧倒的な存在感を放つ夢子の存在に危機感を感じていました。

更に、生徒の間では家畜の数が増え、その問題も生徒会を困らせる一つの要因となっていたのです。

そこに、2年前とある事件を起こして学園を追われた視鬼神真玄という男が舞い戻ってきます。

映画の第二弾ではこの男が夢子達のライバルとなり、新しいギャンブルが展開されるようです。

視鬼神真玄役は、ジャニーズWESTの藤井流星が演じているのでファンの方は要チェックですね！！

まとめ

「映画　賭ケグルイ」から豪華なキャスト陣、夢子が村雨にギャンブルで負けた理由、そして夢子の正体にも迫っていきましたが如何でしたでしょうか！？

続編ではどんなギャンブルが繰り広げられるのか、夢子が転入してきた真の目的とは一体何なのか、気になって気になってたまりません！！

その設定の面白さや、一癖も二癖もある登場人物の魅力から多くのファンを獲得してきた「賭ケグルイ」。

「映画　賭ケグルイ」でもその独特の世界観をどっぷりと堪能して下さい！！

3rd seasonまでテレビドラマとして放送され、スペシャルドラマも制作されるなど若い世代を中心に人気を集めたドラマの、待望の劇場版となっています。

出演者はドラマ版と変わらず、山下智久、新垣結衣、戸田恵梨香、比嘉愛未、浅利陽介などの豪華メンバーを起用したことでも話題を集めました。

若きフライトドクターを中心に、フライトナース、後輩や指導医達とのエピソードを絡め、救急救命や災害医療に奮闘する人々の姿を描いた感動作です。

「劇場版 コード・ブルー」から作品に関するトリビアを交えながら、今作品が愛される理由、主要キャスト達の成長と絆をご紹介していきます！！

テレビドラマ版「コード・ブルー」は元々、木曜劇場枠で放送されていたのですよね？

そうなんです！視聴率が良かったのか、2010年の2nd seasonから月9枠に移動したエピソードを持つ作品なのですよ！

劇場版 コード・ブルー【ドクターヘリ緊急救命】（2018年）

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見どころ
2008年の初回放送以来、多くのファンを生んできた大ヒットドラマの劇場版。未曽有の連続大事故が発生し、シリーズ最大のスケールの中で感涙必至の人間ドラマが展開する。
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あらすじ
地下鉄トンネル崩落事故から3カ月後、旅立ちの時が迫る藍沢たち。その旅立ちが別れを意味することに気づきながらも、彼らは10年間を共にした互いへの想いを抱えたまま日々を過ごしていた。そんななか、未曽有の大事故が発生し、藍沢たちに出動要請が入る。
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劇場版 コード・ブルー【ドクターヘリ緊急救命】（ネタバレ・考察）

医療というものをテーマに、それに関わる人間ドラマが色濃く描かれているのがこの作品の特徴です。

「劇場版 コード・ブルー」より、コード・ブルーの意味、登場人物の名前にまつわるエピソードなどをご紹介していきたいと思います！！

「コード・ブルー」の意味とは？

“コード・ブルー”とは容態が急変し、緊急での蘇生が必要な患者が発生したという意味を持っており、医師や看護師の間で使われる隠語です。

コードネームで知らせる事で、病院内における一般人などの混乱を招かないようにとの意図を持った言葉として使われています。

病院内の全館放送でこの“コード・ブルー”が流れた場合、手が空いている医師や看護師、担当に関わらず至急全員に集合してほしいとの意味を持っているのです。

場合によって、スタットコールやドクターコールと呼ぶ事もあります。

ただし、全ての病院でこの呼称が使われているわけではありません。

何故、ブルーなのかという由来については諸説あります。

• ブルーには＜最優先事項＞という意味があるから
• 医師たちが青い服を着ているから
• 青が気持ちを落ち着けて集中力を高める色だから
• 患者の顔色が青いから

などの説が挙げられます。他にもコード・レッド、コード・ホワイト、コード・グリーン、コード・イエロー、コード・ゴールド等の隠語が実際の病院内で使われているのだそうです。

登場人物達の名前には色が関係している！？

山下智久演じる藍沢耕作を始め、登場人物達の名前には色が関係しています。

これはファンの間では広く知れ渡っている事で、タイトルである「コード・ブルー」に因んでの事なのです。

藍沢耕作は青、白石恵は白、緋山美帆子は赤、藤川一男は紫という風にそれぞれのイメージカラーがあります。

青は冷静沈着でクール、白は真面目で正義感が強く純真、赤は情熱的で勝気、紫は藤色からきているもので、中間色であり協調性と柔和さを感じさせる、というようなものです。

そして、フライトナースである冴島はるかにも象牙色＝アイボリーというイメージカラーが存在します。皆をまとめるしっかり者といったイメージでしょうか。

それぞれの性格を表しているようなこのイメージカラー。

制作陣の遊び心が垣間見えるエピソードですね！！

「コード・ブルー」のロケ地は！？

映画「コード・ブルー」の主なロケ地はテレビドラマシリーズでも登場した、千葉県印西市にある日本医科大学千葉北総病院が舞台となっています。

ドラマ版や映画版では翔陽大学附属北部病院と名前は変更されており、山下智久演じる藍沢がトロントに向かう当日の朝に、主要メンバーと集合写真を撮るシーンなど多くの場面がこの病院で撮影されました。

救命医師のユニフォームも日本医科大学千葉北総病院のものがモデルにされたとの情報もあります。

映画内の医療監修も同病院の救命救急センターが行っているとの事です。

その他のロケ地としては、千葉県の海ほたるや成田空港も撮影場所として選ばれました。

千葉県のあらゆるところで山Pやガッキーを見た！という目撃情報が挙げられています！

その他にも神田外語大学や松戸市立総合医療センターなどでも撮影が行われたそうですよ。

主題歌はミスチルの名曲！

「コード・ブルー」の主題歌といえば、テレビドラマシリーズの時から起用されているMr.Childrenの「HANABI」です。

この曲なしではこの作品は語れないというくらい、コード・ブルーファンの間では勿論、そうでない人にも浸透している楽曲かと思われます。

イントロを聴いただけで「あ！これコードブルーの曲だ！」と思わず反応してしまう程の魅力を持った曲です。

「HANABI」といえば「コード・ブルー」、「コード・ブルー」といえば「HANABI」というくらい、影響力を与えている名曲といえます。

「コード・ブルー」という作品が愛される理由

「コード・ブルー」は2008年放送のドラマ版1st seasonから2018年の劇場版まで10年もの月日を要して完結した作品です。

テレビドラマから始まり、映画に至るまでこのように長い歳月をかけた作品は、早々無いのではないでしょうか？

この「コード・ブルー」という作品が愛される理由を探っていきます。

登場人物の一人一人が主役である

この作品の良い点として、主役が一人と決まっているわけではなく、それぞれの登場人物に光があたっているという点が挙げられます。

主要キャストである山下智久、新垣結衣、戸田恵梨香、比嘉愛未、浅利陽介の他に3rd seasonから登場したキャスト陣まで、それぞれの人物の人生が丁寧に描かれているのです。

これだけの豪華メンバーを集めれば、ヒットするのは当たり前！と思われる方もいらっしゃるかもしれませんが、「コード・ブルー」がヒットした理由はそこだけにはとどまりません。

いくらキャストが豪華でも話がつまらなければ、10年という長い月日をかけて追いかけるファンはいないでしょう。

この作品はただ医療の事だけを描いている物語ではありません。

一人一人の登場人物が医療というものを通じて葛藤、苦悩し、答えを見つけるまでの作品なのです。

そして、患者達の人生にも焦点が当てられているところがこの物語の魅力です。

基本はフライトドクター、フライトナースである主要キャストの成長を描いた作品となっています。

そして出てくる皆が主役であるというところに、観ている人は感情移入し、自分と近しい人物に共感を覚えるのです。

最初は医療ドラマ色が濃かった

実は「コード・ブルー」の脚本家は、ドラマ版の3rd seasonから交代となっているエピソードがあります。

テレビドラマ版の1st seasonと2nd seasonでは林宏司さんが脚本を執筆していました。

林さんの描く「コード・ブルー」は“医療”に重きが置かれており、他作品にはない本格的な医療ドラマ、というところが人気に繋がったといえます。

しかし、3rd seasonの制作が決まった時、これまで脚本を担当してきた林さんは多数の脚本依頼を抱えていたため、スケジュールが合わなかったとの事です。

しかも2nd seasonから3rd seasonまで7年の歳月が経っていたという事も一つの要因でした。

そこで脚本家のバトンタッチとなったわけです。

新しく恋愛要素が取り入れられた

安達奈緒子さんが起用されたのは「コード・ブルー」のプロデューサーの増本淳さんと親交が深かったからとの事が起用理由として挙げられています。

安達奈緒子さんは、恋愛モノを描かせたら抜群！と呼ばれる程、腕のある脚本家として有名です。

脚本家が交代した事で、ファンの間では賛否両論意見はありましたが、医療ドラマに恋愛要素を含ませる事で、この「コード・ブルー」という作品に新しいスパイスが加わりました。

浅利陽介演じる藤川一男と、比嘉愛未演じる冴島はるかの恋愛と結婚、戸田恵梨香演じる緋山美帆子とその恋人との恋愛模様が多様に描かれている事で、人間ドラマとしての深みが増しました。

劇場版では藤川とはるかのサプライズ結婚式もあり、涙なしでは観られない展開となっています。

「コード・ブルー」には恋愛要素はいらない！といった厳しい意見もあったそうですが？

そうですね。しかし、3rd seasonから劇場版まで持っていけたことは作品の質が落ちていないという立派な証拠なのではないでしょうか。

主要キャスト5人の絆

10年という長い歳月を経て、5人の結束力や絆は確かなものへと変化していきます。

ドラマ版ではその未熟さから、意見の食い違いで多々衝突していた5人ですが、映画版では一人の医師として、看護師として、5人で立派に連携プレーをとりながら、命に向き合う姿勢が見られます。

映画の終盤で、藍沢が「俺達は家族のようなものだ」といった趣旨の台詞を言う場面はとても感動的です。

普段はクールな藍沢がこのような台詞を言うとは、彼が同期であるメンバーの事を心から信頼している証といえます。

救急救命という命を扱う過酷な現場で、主要キャストである5人は時に怒り、悲しみ、戸惑いながらも同じ時間を過ごす中でその絆を固く結んできました。

映画版で、5人がドクターヘリの前で写真を撮る場面があります。

この時の5人の笑顔が、今までの10年という歳月を共に歩んできた、という事を全て物語っているのです。

この先の未来、進むべき道は違っても、彼らは見えない絆で繋がっているといえます。

そして、その絆はどこにいても切れることはないのです。

因みに「コード・ブルー」の主要メンバーは、5人で飲み会をしたり、女性陣は女子会を開くなど、プライベートでも非常に仲がいいのだとか。

映画の舞台挨拶では浅利陽介のボケにツッコミ合ったり、あだ名でそれぞれを呼び合うなどのエピソードもありました。

「コード・ブルー」の一ファンとして何だかほっこりとする嬉しい話ですね！

「劇場版 コード・ブルー」のみどころポイント

「劇場版　コード・ブルー」では親子の関係、結婚、人生といったものが大きく描かれています。

特に“家族愛”というものが深く描写されていました。

新米フライトナースの、馬場ふみか演じる雪村双葉と、アルコール中毒者である母親の関係は“親子とは何か？”と考えさせられる貴重なエピソードです。

そして、海ほたるフェリー衝突事故現場で藍沢が双葉を庇って感電し、意識不明の重体となってしまうところは、映画内において見逃せない一番のポイントとなっています。

また、この海ほたるの事故で脳死判定をされた少年が、ドナーカードにサインをしていた事から、臓器提供をするシーンは、少年の両親の涙に、もらい泣きした人も多かったのではないでしょうか。

「コード・ブルー」を観た人の間では多くのエピソードを映画に詰め込み過ぎだといった意見もありました。

しかし、これだけのエピソードを入れて“命”というものに向き合い伝えようとした「劇場版　コード・ブルー」からはとても真摯な姿勢を感じます。

この映画に関わった全ての人の「コード・ブルー」への愛情を感じられる作品です。

まとめ

以上、「劇場版 コード・ブルー」より、作品にまつわる小話や、今作品の魅力をテレビドラマ版と交えながら紹介してきましたが、如何でしたでしょうか！？

この作品を観て、医療の仕事に就きたい！と思われた方も多いのではないでしょうか。

映画を観ただけではわからない！という方はぜひ、テレビドラマシリーズも観てみて下さい！

今のところ、キャストのスケジュールの都合などで続編の予定は無いようですが、いつの日かまた一回りも二回りも成長した彼らに会える事を切望！ですね！！

リチャード・ロジャースとオスカー・ハマースタイン2世による1959年初演のブロードウェイミュージカルを、「ウエスト・サイド物語」のロバート・ワイズ監督が映画化しました。

ジュリー・アンドリュース、クリストファー・プラマー、エリノア・パーカーと、古き良きハリウッドの大御所俳優たちが出演した楽しいミュージカルで、映画史に残る名作です。

第二次世界大戦前から戦後、ヨーロッパ・アメリカで活躍した「トラップ・ファミリー合唱団」の実話を基にした物語になります。

この映画のロケ地、実際にトラップ一家が辿った旅のルートなど、ネタバレにまつわる小話、考察をご紹介していきましょう。

サウンド・オブ・ミュージック（1965年）

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見どころ
長年にわたり愛され続けている名作ミュージカル。「ドレミの歌」、「私のお気に入り」、「エーデルワイス」など劇中で歌われる名曲の数々が作品を盛り上げる。
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あらすじ
1938年、オーストリアにある古風で厳格なトラップ家に家庭教師としてやって来た修道女・マリア。彼女は7人の子供たちに音楽や歌うことの素晴らしさを伝えようとするが、大佐とは事あるごとに衝突してしまう。やがてマリアは大佐に惹かれていき…。
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サウンド・オブ・ミュージック（ネタバレ・考察）

7人の子役たちの可愛らしい演技と素敵な歌の数々が楽しめる「サウンド・オブ・ミュージック」。

元軍人の大佐・トラップ氏に家庭教師として雇われたお転婆な修道女だったマリアが、子どもたちやトラップ氏に受け入れられ、家族の一員となる物語です。

この映画の小話をご紹介します。

NG映像がそのまま使用される

マリアがトラップ家に初めて向かうシーンで、中庭を駆け抜けていたジュリー・アンドリュースはつまずいて転びます。これはアクシデントでした。

しかし、監督のロバート・ワイズはこれを気に入って、その映像をそのまま採用しました。

7人の子どもたちの家庭教師になるマリアの緊張をよく表していると感じたからだそうです。

本物のマリアとトラップ家の子どもたちがカメオ出演

この映画は実話を基にしていて、登場人物はほぼ全員実在しました。

実は本物のマリアとトラップ家の子どもたちが、この映画に出演しています。

アンドリュース演じるマリアがトラップ家に初めて向かう途中、建物のアーチをくぐった後ろに、画面向かって左から右に横切る人々がそれです。

ぜひ画面でチェックしてみてください。

今でも映画のままのロケ地

この映画は、風光明媚なオーストリアのザルツブルクやザルツカンマーグートで撮影されました。

撮影されたのは1964年ですが、それらのロケ地では今でも映画そのままの美しい風景を見ることができるのです。

機会があったら、ぜひロケ地めぐりをおすすめします。

現地へ行くと、劇中マリアと子どもたちが歩いたのは、あの通りだ！！とか、ナチスの追っ手がかかったのはあの家の門だ！！など、様々な楽しい発見があることでしょう。

• マリア所属の修道院：ザルツブルク、ノンベルク修道院外観
• 「ドレミの歌」を歌った庭園：ザルツブルク、ミラベル庭園
• トラップ家邸宅：ザルツブルク、レオポルドスクロン宮殿、フローンブルク宮殿
• 結婚式場：ザルツカンマーグート、モントゼー教会
• 音楽祭会場：ザルツブルク、フェルゼンライトシューレ（岩窟乗馬学校劇場）

結婚式シーンには実際の大司教が出演した

マリアとトラップ氏はお互いを愛するようになります。

二人の結婚式のシーンのリハーサル中、スタッフたちは、結婚式を執り行う聖職者役の俳優を手配することを忘れていたことに気が付きました。

これから聖職者役の俳優を手配していたのでは、撮影が滞ってしまいます。

そういうわけで映画の中で結婚式を執り行っている聖職者は、俳優が演じているのではなく、ロケ地の地元・ザルツブルク大聖堂の当時の本物の大司教（アンドレアス・ローラッハー）でした。

大司教といえば、カトリック教会の位の高い人ですね！！

そんな権威ある人が快く映画に出演してくれたのです！！

末っ子が溺死！？

劇中で、当初7人の子どもたちは、全員揃いの服を着せられ、父であるトラップ氏が吹く笛に合わせて一糸乱れず行動することを強要されていました。

そんなトラップ家の子どもたちも、マリアが家庭教師になってから、すっかり子どもらしくはしゃぐようになりました。

楽しいボート遊びで大騒ぎしたマリアと7人の子どもたちがボートから湖の浅瀬に落ちてしまい、子どもたちのあまりの暴れん坊ぶりに生真面目なトラップ氏が驚くシーンがあります。

撮影にあたって、末っ子のグレーテルを演じていた子役のキム・カラスは泳げなかったので、湖に落ちたときにアンドリュースがキムを抱っこすることになっていました。

しかし、撮影中アンドリュースは、うっかりキムと反対側に落ちてしまいます。

結局次女ルイーザを演じる13歳のヘザー・メンジーズが代わりにキムを助けなければなりませんでした。

アンドリュースは、これについて何年も罪悪感を感じていたとインタビューで語っています。

映画では、ヘザーがキムを抱きとめる様子が映っています。

そのシーンもぜひチェックしてみてください。

オーストリア・アルプスの美しい映像

オープニングやフィナーレで、空撮からの壮大なカメラワークが見られるアルプスの山々も印象的です。

これらのシーンは、ザルツブルクから車で40分ほどのヴェルフェン村の山中にある草原で撮影されました。

青い空に、雪を戴いた山並みの360度のパノラマが広がります。

遠くに見えるホーエンヴェルフェン城の絶景も素晴らしく、まるで自分がオーストリア・アルプスに来たかのような感動を味わうことができるのです。

同じロバート・ワイズ監督の「ウエスト・サイド物語」（1961年）でオープニングにニューヨークのマンハッタンを俯瞰で映していった手法を思い出しました。

スケールが大きく、素晴らしい映像美です。

現代のディジタルを駆使した映像と違って、1960年代だからこそ撮影できたその場の澄み切った空気までをも映し出すかのような温かみのある画面作りが、この映画の魅力となっています。

歌に紡がれる珠玉のストーリー！！

この映画には、誰もが耳にしたことがあるような歌が満載です。

ミュージカル音楽の伝説的なコンビ、リチャード・ロジャース（作曲）とオスカー・ハマースタイン2世（作詞）による珠玉の歌の数々を聴くことができます。

12曲のうち日本人に愛されているおすすめの6曲をご紹介しましょう。

「私のお気に入り（My Favorite Things）」

聴いていると思わず楽しくなってくるような歌です。

これはJR東海の「そうだ京都、行こう」のCMで流れている曲と言えばおわかりでしょう。

あの曲は本作品が元ネタだったのです。

この歌は、劇中で、夜間に雷を恐がる子どもたちに、マリアが「辛い時は楽しいことを考えましょう」と言って教える歌でした。

マリアは着任した早々、カエルをポケットに入れられるなど、子どもたちに嫌がらせをされていましたが、この出来事で子どもたちとすっかり仲良くなりました。

「ドレミの歌”Do-Re-Mi”」

「ドレミの歌」は、小学校の音楽の授業で習った人も多いでしょう。

「ドはドーナツのド」で始まる日本語版の歌詞は、ペギー葉山さんの作詞だそうです。

オリジナルの歌詞は「ドはメス鹿のド（Doe, a deer, a female deer）」で始まります。

劇中で、マリアは子どもたちに音楽を教えようと決心しました。

音楽ならば、彼らに子どもらしい心を取り戻させてくれるだろうと思ったからです。

マリアは、子どもたちにマリアお手製のお揃いの服を7人に着せて、山やザルツブルクの街に出かけます。

そしてドレミファソラシドの「ド」から音楽を教えていくのです。

「ドレミの歌」のシーンは、子どもたちのダンスとオーストリアの風景が見どころになっています。

「もうすぐ17才（Sixteen Going on Seventeen）」

トラップ家の長女・リーズルが、初恋の相手・ロルフと、庭のガラスの小屋（ガゼボ）の中でこの歌を歌って踊ります。

「私はお年頃」「あなたについていきたい」と、これからの人生への期待と不安に心震わせるリーズルの心情がよく表れた歌でした。

夜、雨が降る中、ガラスの小屋にきらきらと二人の踊る影が浮かび上がり、美しいシーンです。

心が浮き立つような歌で、二人が初々しく観ていてほっこりする名曲になっています。

「エーデルワイス（Edelweiss）」

この歌はオーストリアの民謡と思っている人も多いようですが、実はこのミュージカルのために作曲された歌なのです。

美しいメロディーで日本でも人気の歌となっています。

劇中、厳格なトラップ家では音楽は禁止でした。亡き妻が好きだった音楽を聴くと辛いので、トラップ氏が子どもたちに禁じたのです。

しかし、子どもたちが父の婚約者の男爵夫人を歓迎して歌を歌っている時、あまりにもそのハーモニーが美しいので、思わずトラップ氏がギターを弾きながら歌い出します。

その歌が「エーデルワイス」でした。

トラップ氏が実は音楽好きだったことがわかる大切なシーンです。

子どもたちが楽しそうに伸びやかに歌っているのを見て、音楽を禁じていたトラップ氏は自分の教育方針は間違っていたと悟るのでした。

「さようなら、ごきげんよう（So Long, Farewell）」

トラップ氏と男爵夫人の婚約披露パーティーで、子どもたちが寝る時間になったのでパーティー客に別れの挨拶をする時の歌です。

「太陽が寝たのでお別れしなければなりません」と名残惜しそうに歌われました。

「クックー」とカッコウの鳴き声が歌い込まれます。

お茶目なダンスが踊られ、子どもたち一人一人の見せ場があって、なんとも可愛らしい歌です。

「何かいいこと（Something Good）」

男爵夫人がいるのにもかかわらず、ダンスパーティーで見つめ合って踊ったマリアとトラップ氏は、お互い惹かれ合っていることに気付いてしまいます。

それを見た男爵夫人はマリアに嫉妬して修道院に帰らせるのです。

修道院に帰ったマリアは、修道院長に「男女の愛も神への愛と同じく神聖です。トラップ氏を愛しているなら、自分の気持ちを大事にすべきです」と諭され、トラップ邸に戻ります。

トラップ氏は男爵夫人に婚約解消を申し出て、彼女はトラップ邸から出て行きました。

庭のガラスの小屋で、マリアとトラップ氏は愛を打ち明け合います。

「何かいいこと」は、マリアのトラップ氏への愛がこもったしっとりとした歌です。

祖国オーストリアへの愛国心

トラップ一家は、音楽祭の合唱コンクールに参加し「トラップ・ファミリー合唱団」として歌いました。

歌ったのは、「ドレミの歌」「エーデルワイス」「さようなら、ごきげんよう」です。

特に「エーデルワイス」の合唱では、観客を巻き込んでの大合唱となりました。

会場の人々が全員、希望に溢れた眼差しで「エーデルワイス」を歌ったのです。

「エーデルワイス」の歌詞には「エーデルワイスの花よ、祖国を永遠に祝福してほしいのだ」という部分があります。

白いエーデルワイスの花が高い山に咲き続ける様を、気高いオーストリアの魂の象徴として歌っているのです。

大合唱は、祖国・オーストリアへの思いが込もったものとなりました。

映画で、観客の中に「エーデルワイス」の大合唱を快く思わない人たちがいたようですが、あれは誰ですか？

あれは、オーストリアを併合したナチス党の高官です。オーストリア国民の祖国を想う結束力を警戒したのです。

ナチスからの逃亡

この物語は家庭教師マリアとトラップ氏・子どもたちとの交流が描かれているのですが、物語の終盤になって、彼らに不穏な世界情勢が関わってきます。

どんな事件が起こるのでしょうか。映画は突然スリリングな展開となるのです。

ナチス・ドイツの軍隊がオーストリアに侵攻します。

ナチス海軍からトラップ氏に軍艦への出頭命令が下るのです。

ナチス・ドイツのために働くことを潔しとしないトラップ氏は、出頭には応じないことにします。

兵役を拒否したトラップ氏は、ナチスに逮捕される恐れがあるため、家族とこの国を出ていくことに決めました。

音楽祭の合唱コンクールに出場して、自宅に帰ったと見せかけ密かにオーストリア脱出を図るのです。

トラップ一家は、合唱コンクールの帰りに武装したナチス党員らにより追い詰められ、修道院に隠れます。

追っ手の中にリーズルのボーイフレンド・ロルフもいました。

リーズルと恋を語り合った彼は、ナチス党員になってトラップ一家を反逆者として取り締まる立場になってしまったのです。

リーズルにとっては、これが悲しい別れとなります。

映画の最後に流れる曲が、「すべての山に登れ（Climb Ev’ry Mountain）」です。

マリアとトラップ氏・子どもたちは、無事追っ手を逃れて、アルプスの山々を登り国境を超えるのでした。

時代背景・史実は？

「トラップ・ファミリー合唱団」の実際は映画と少し違うようです。

彼らが祖国を出たその後についてもご紹介しましょう。

ナチス・ドイツがオーストリアを併合したのは1938年のことです。

マリアが修道院から家庭教師としてトラップ一家に派遣されたのは、そんな出来事があった頃でした。

当時オーストリアでは、併合は歓呼の声に迎えられました。

その時はまだ、ナチスの残酷さはあまり知られていなかったのです。

しかしトラップ氏は、オーストリアのナチス・ドイツによる支配には反対でした。

史実では、すでにこの頃トラップ一家は合唱団として活躍していました。

トラップ一家はナチス総統・ヒトラーの誕生日パーティーで歌うよう呼び出されます。

トラップ氏がそれを拒否したため、ナチスに逮捕される心配がありました。

トラップ一家は国境を越えて逃亡せざるを得なくなるのです。

実際にはアルプスを徒歩で越えたのではなく、列車でイタリアに入り、イギリスへ渡って船で自由の国・アメリカへ亡命しました。

アメリカでも「トラップ・ファミリー合唱団」として活動し、現在でも子孫がバーモント州に住んでいます。

この物語は、第二次世界大戦前後の激動の時代の記憶のもとに描かれているのです。

「サウンド・オブ・ミュージック」をオーストリア人は知らない！？

この映画にはオーストリアの美しい風景が描かれています。

日本では、オーストリアと言えばモーツァルト生誕の地であることと本作「サウンド・オブ・ミュージック」の二つを思い浮かべるのではないでしょうか。

しかし、オーストリアの人に聞いたのですが、映画「サウンド・オブ・ミュージック」は、オーストリアでは観られていません。

オーストリアにいてもテレビで放映されず、ドレミの歌など日本やアメリカでは誰でも知っている曲も、オーストリアではほとんどの人が知らないそうです。

この映画の存在を知っているオーストリア人でも、描写が史実と少し違うので、わざわざ観ることはないと言います。

そういうわけで、ザルツブルクに行ってミラベル庭園で「サウンド・オブ・ミュージックのロケ地だ～！！」と興奮するのは、映画を製作したアメリカの人々と日本のファンなのだそうです。

まとめ

舞台となったオーストリアではあまり観られていないようですが、こんな素敵な映画を観ないなんてもったいない！！

美しい映像で家族愛が描かれ、楽しくて心が元気になる映画です。

一般市民であるトラップ一家がナチス・ドイツを手玉に取って成功したストーリーでもあります。

すべての年代の人々に観ていただきたい映画です。