本作は吾峠呼世晴（ごとうげ　こよはる）による漫画を原作とし、日本のアニメの歴史を変えたといっても過言ではない物語です。

監督は外崎春雄、声の出演はテレビアニメ版と変わらず、人気声優の花江夏樹、鬼頭明里、下野紘、松岡禎丞などが担当しています。

無限列車と呼ばれる列車を舞台に、テレビアニメ第1期の続編として描かれた、人食い鬼と、この物語の主人公・竈門炭治郎（かまど　たんじろう）やその仲間達の闘いと絆を描いた映画です。

週刊少年ジャンプが推しに推す漫画のアニメ映画版として制作され社会現象までも巻き起こした「鬼滅の刃」。

アニメ第2期の放送も決まり、ノリにノッている本作品から炭治郎とその仲間の嘴平伊之助・我妻善逸、炭治郎の妹・禰󠄀豆子が鬼との闘いを経て得たもの、鬼をも惚れさせる煉獄杏寿郎の魅力を徹底考察していきます！！

鬼滅の刃　無限列車編（2020年）

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愛する家族を人食い鬼に殺され、妹の禰󠄀豆子を鬼に変えられた竈門炭治郎。

炭治郎は“鬼殺隊”という鬼を滅する剣士になり、我妻善逸、嘴平伊之助、と共に禰󠄀豆子を人間に戻す方法を探していた。

ある日、短期間で40人以上の人が行方不明になっている“無限列車”での任務を炭治郎達は任される。

鬼殺隊において最強の剣士である“柱”の一人、炎柱の煉獄杏寿郎と合流した炭治郎達は200人の乗客を守るべく、魘夢（えんむ）という鬼と死闘を繰り広げるのであった。

しかし魘夢を倒した直後、煉獄の前に圧倒的な強さを誇る、猗窩座（あかざ）という二人目の鬼が現れる。

果たして煉獄は猗窩座を倒せるのか！？

炭治郎達の運命は！！

鬼滅の刃　無限列車編（ネタバレ・考察）

社会現象を巻き起こし、老若男女問わず多くの人達から熱い支持を受けた「鬼滅の刃」。

本作の主要人物である煉獄杏寿郎は果たしてどういう人物なのでしょうか？そこを考察していきます。

炎柱・煉獄杏寿郎とはどういう人間？

本作の要となる柱の一人、煉獄杏寿郎。彼はその派手な外見とは裏腹にとても孤独で繊細な人物でした。

幼い頃に母親と死別し、かつて鬼殺隊の柱であった父親に自分が柱になった報告をしても、父親はそれを喜ぶ事はなかったのです。

唯一、彼の味方であった弟は病気がちで鬼殺隊士になる事すら難しい状況でした。

煉獄杏寿郎という人間の凄さは、たった3冊の炎の呼吸に関する指南書で剣士になった事です。

どんなに努力を重ねても、誰も褒めてくれる人はおらず、剣技を教えてくれる師匠もいません。

彼の一番の魅力はその鋼のような“心の強さ”でしょう。

弟の人生を守る為、そして己の為、彼には剣士として強くなる選択肢しかなかったのです。

そして鬼殺隊士になり、見事に柱というところまで登りつめたのでした。

煉獄杏寿郎という人間は自分が並々ならぬ苦労と努力を続けてきたからこそ、人の痛みや苦しみが人一倍わかる人物となっていったといえます。

母親との約束を守り抜いた男

この映画の一人目の鬼として登場する魘夢（えんむ）。

魘夢は別名“眠り鬼”と呼ばれており、人を自由自在に眠らせることの出来る能力を持っています。

煉獄を始めとし、炭治郎・善逸・伊之助もその術にかかって列車の中で眠りに落ちてしまうのです。

炭治郎・善逸・伊之助が幸せな夢を見る中、煉獄だけは決して幸せとはいえない夢を見ていました。

柱になっても父親から認めてもらえない、弟の人生もろくに守ってあげられない、彼は自分の力不足を感じていたのです。

煉獄だけが幸せな夢を見なかった理由とは、幼い頃に母親が亡くなり、現実世界で幸せな想いをした事がなかったからなのではないでしょうか。

彼はひたすら寂しさを背負って闘いに身を投じ、優しかった母との「弱き者を助ける」という約束を全うする為だけに生きてきたのです。

煉獄杏寿郎が炭治郎達に残したもの

炭治郎と伊之助の活躍により、魘夢がその刃に倒れたのも束の間、上弦の参・猗窩座（あかざ）という鬼が煉獄の前に登場します。

“柱の死”という事で観る人に衝撃を与えたこの作品。

煉獄が炭治郎達に残したものとは一体何だったのでしょうか？そこを考察していきます。

本当の強さというもの

煉獄は幼い頃から母親に「弱き人を助けなさい」と教わって生きてきました。

煉獄が猗窩座との闘いの時に炭治郎達に手出しをさせなかったのは、これからの鬼殺隊の未来の為に、これ以上若き剣士達に命を落としてほしくなかったのです。

自分の身を挺して煉獄は炭治郎達の命を守り抜きました。

夜明けが近付いていることに気付き、煉獄との激闘の末、猗窩座は森へと逃げていきます。

日の光を浴びると鬼は死んでしまうからです。

この時の炭治郎の台詞に全てが込められているのです。「自分達は鬼に有利な夜の世界で闘っている。真の勝者で本当に強いのは煉獄さんだ」という主旨の台詞です。

これはずばり的を得た台詞といえます。

煉獄は「お前も鬼になれ」という猗窩座の言葉をはねのけ、最後まで自分のプライドと強さを追及し続けました。

この彼の姿勢は、どんな状況でも諦めない精神力、そして本当の強さの意味とは何なのか、という事を炭治郎達の心に刻み込んだのです。

最後に煉獄が炭治郎に見せた笑顔、それが彼の生き様を象徴しており、その意志は炭治郎を始め、若き鬼殺隊の剣士達へと受け継がれていくといえるでしょう。

何故、猗窩座は煉獄さんに「お前も鬼になれ」と言ったのでしょう…？

精神面でも力の面でも、煉獄さんの尋常ではない強さに猗窩座は惚れ込んだのではないでしょうかね。

鬼殺隊の未来

煉獄は死の間際、自分の生家にある歴代の炎柱が残した手記に、ヒノカミ神楽について何か記されているかもしれないと炭治郎に伝えます。

そして禰豆子を鬼殺隊の一員として認める事、炭治郎達が鬼殺隊を支える柱となる人物になる事を信じる、という事も伝えるのでした。

ヒノカミ神楽とは炭治郎と禰豆子の亡き父親が舞っていた舞の事で、炭治郎の必殺技でもあるのです。

アニメの第1期、那田蜘蛛山（なだぐもやま）で下弦の伍、累との闘いの時に初めて登場した技で、炭治郎はその謎をずっと追っています。

煉獄の最後の言葉は「胸を張って生きろ」「心を燃やせ」です。

この言葉は炎柱である煉獄が繰り出す炎のように、炭治郎の心に火を灯し、十二鬼月や鬼界のラスボスである鬼舞辻無惨（きぶつじ むざん）を必ず倒す！という闘志に繋がったといえます。

映画ではヒノカミ神楽についてのその後は明かされていませんが、炭治郎はこれからもその秘密について深く追求していくのでしょう。

そして、亡くなった父親の謎についても深く知る事になっていくのではないでしょうか。

炭治郎はたくさんの人の想いを受け継いで、また一つ強く、逞しくなっていったといえます。

炭治郎が魘夢に勝てた理由

「鬼滅の刃 無限列車編」には二人の鬼が登場します。

一人目は下弦の壱・魘夢（えんむ）という鬼で鬼界のラスボス的存在である鬼舞辻無惨（きぶつじ　むざん）に仕える十二鬼月（じゅうにきづき）の中の一人です。

そしてもう一人は煉獄を死に追いやった上弦の参・猗窩座。

十二鬼月は下弦の壱から下弦の陸、上弦の壱から上弦の陸と12人おり、上弦の壱が一番の強さを誇っています。

何故、炭治郎達は魘夢に勝てたのでしょうか？そこを考察していきましょう。

禰豆子の血鬼術の力

鬼は血鬼術と呼ばれるそれぞれの異なる能力を持っています。

炭治郎の妹である禰豆子（ねずこ）は鬼ではありますが、人を襲いません。

むしろ、炭治郎達と一緒に鬼を倒す心強い味方です。

禰豆子には魘夢の血鬼術が効きませんでした。

禰豆子は切符を持っていなかったので切符を切ると眠りに落ちてしまうという魘夢の術にかからなかったのです。

禰豆子の持つ“爆血”という血鬼術で炭治郎や善逸、伊之助や煉獄も無事眠りから覚める事ができました。

家族を信じる炭治郎の深い想い

炭治郎は魘夢がかけた血鬼術から目覚め、伊之助と力を合わせ、魘夢と闘う事になります。

魘夢は自身の持つ無数の目を合わせるだけで、人を眠らせる能力を持っている為、炭治郎は魘夢との闘いに苦戦するのでした。

何と列車と融合していた魘夢は、200人もの乗客を列車ごと一気に食べようとしていたのです。

炭治郎は魘夢と目が合う度に眠り、自分の首を切ることで、何度も夢の世界から現実の世界に戻るという事を繰り返します。

極限状態の中、母親の残像を見て「あなたが代わりに死ねば良かったのに」との言葉を浴びせられる炭治郎。

これは炭治郎にダメージを与える為の魘夢の作戦だったのです。

しかし炭治郎は逆に「俺の家族はそんな事を言わない！！」とその言葉に怒りを抱き、伊之助と力を合わせ魘夢に最後の一撃を喰らわせます。

これは炭治郎が如何に家族の事を信頼していたか、大切にしていたかがわかる行動です。

炭治郎はまだ駆け出しの鬼殺隊員の一人であり、自分だけで鬼を倒せる程、力としては強くはありません。

そんな彼が魘夢を倒せたのは、一緒に戦ってくれる仲間や禰豆子の助けがあったからです。

彼を突き動かす衝動はいつも失った“家族”や妹・禰豆子、そして伊之助や善逸などの仲間の存在といえます。それが彼の精神面の強さとも繋がっているのです。

「鬼滅の刃」が大ヒットしたその理由とは！？

日本映画の記録を塗り替えたといっても過言ではない「鬼滅の刃 無限列車編」。

ヒットの裏側にはどんな背景があったのでしょう？そこを考察していきます。

多くの人の心に響いたLiSAの名曲

「鬼滅の刃 無限列車編」の主題歌である「炎」(ほむら)はアニソン歌手であるLiSAの17枚目のCDシングルになります。

この楽曲は本作において最も主要人物となる煉獄杏寿郎（れんごく　きょうじゅろう）の生き様をイメージして作られた曲です。

炎と書いてほむらと呼ぶこの曲は、作品の中で炎柱として登場する煉獄へのはなむけのような、壮大なバラードとなっています。

LiSAはこの曲で第62回日本レコード大賞にノミネートされ、見事に大賞を受賞し、「第71回NHK紅白歌合戦」にも二度目の出場を果たしました。

「鬼滅の刃」テレビアニメ版の主題歌である“紅蓮華”と共に“炎”を熱唱し、多くの人の心に刺さる歌声を披露した事で話題を集め、曲のヒットが作品のヒットにも繋がったといえます。

また、この“炎“という曲はストリーミング累計再生回数3億回に達し、デジタル・ダウンロードではミリオンセールス (100万ダウンロード) という快挙を成し遂げました。

2011年にメジャーデビューした彼女にとって、「鬼滅の刃」というアニメ、そして“紅蓮華”や“炎”という歌は特別な作品になった事は間違いないでしょう。

2005年のインディーズ時代から、ようやくアニソン界の歌姫というだけでなく、立派な歌手として認められたLiSA。

女優・二階堂ふみ主演の「プロミス・シンデレラ」というテレビドラマの主題歌を歌うなど、これからも彼女の活躍に期待です！！

週刊少年ジャンプが掲げる3つの言葉が関係している

週刊少年ジャンプの漫画の基盤は「友情」「努力」「勝利」で構成されています。

今まで多くのヒット作を世に生み出してきた少年ジャンプですが、「鬼滅の刃」もその3つのワードにピッタリとフィットしています。

炭治郎・善逸・伊之助のそれぞれのキャラクターの個性の違いの面白さと、鬼と闘う度に強くなっていく友情と絆。

主人公である炭治郎の類まれなる努力と成長。そして最後に皆で掴み取る勝利。

王道ではありますが、この3つのルールが他の少年ジャンプのヒット作と同じく、観ている人の心を鷲掴みにしたのです。

“死”というものを丁寧に扱った作品である

主人公である炭治郎は心優しき純粋な少年です。

自分が斬った鬼にもそれぞれの過去があり、悲しい記憶や思い出がある事をちゃんと知り、その死を悼みます。

この「鬼滅の刃」という作品は“死”というものが非常に繊細に丁寧に描かれているのです。たとえそれが鬼であってでもです。

「鬼滅の刃」という作品から見えるものは、敵でも味方でも“命というものは尊い”という事です。

この一見当たり前ともとれる考えが、観るものの心を打ち、共感を呼んだといえます。

幅広い年齢層に受けた

「鬼滅の刃」の作品の魅力は、誰が観てもわかりやすいストーリーである、というところも、この作品がヒットした一要因と言えるでしょう。

そして、“家族愛”や“兄妹愛”という普遍的なテーマを描いた事で、幅広い年齢層のファンを獲得したのです。

「鬼滅の刃 無限列車編」は血が飛び散るなどグロテスクな描写も多々ある為、PG12指定になるなどの措置もとられています。

しかし幼稚園でも希望した園児だけにこの作品の鑑賞会を開くなど、反応は様々です。

幼稚園でこの作品を観せるとは、少々驚きもありますが…？

確かにそうですね。好んで観る園児と、「怖い」と言って泣き出す園児もいたそうですよ。その為PG12指定になったという話もあります。

新型コロナウイルスの影響

「鬼滅の刃」人気はコロナ禍以前からのものですが、その人気は変わらず維持されています。

新型コロナウイルスの影響で、巣ごもり需要が増え、動画配信サービスでテレビアニメ版の鬼滅を観よう！という人が増えたのも一要因としてあるのです。

声優さんやアニメ人気が高まっている現在、家で手軽に皆で観られる作品を、という事で「鬼滅の刃」のアニメを観た人がその面白さから思わず映画館に走る、という現象が起きたことも事実といえます。

「鬼滅の刃」が流行し始めた理由として、“小学生”がその面白さを発見した事も一つの要因として挙げられるのではないでしょうか。

コロナの影響で学校が休校になった子供達が、「鬼滅の刃」テレビアニメ版第1期に触れ、それを知った親達も一緒に観るようになった、という事が鬼滅ブームに益々の拍車をかけたのです。

そして動画配信サービスでは人気の高い作品が上位に掲載される為、目に付きやすく、何度も繰り返し観られるというところが、「鬼滅の刃」が数ある作品の中で選ばれた一つの理由ともいえます。

2021年の9月にはフジテレビで地上波初放送が決定している「鬼滅の刃 無限列車編」。

おさらいとして、TVアニメ第1期を観てみるのは如何でしょうか？

家族の共通の好きなものが増える事、間違い無しといえるでしょう。

「鬼滅の刃　無限列車編」をより楽しむ為の注目ポイント！！

ここからは少し視点を変え、本作を観る前に知っておくと、より映画を楽しめる小話を二つ紹介していきたいと思います。

早速見ていきましょう！！

ジブリの名作「千と千尋の神隠し」を抜いた！異例の興行収入！！

「鬼滅の刃 無限列車編」の日本での興行収入は約400億円超え、観客動員数は約3000万人と素晴らしい結果を残しています。

本作品はスタジオジブリのアニメ映画「千と千尋の神隠し」の興行収入316億8,000万円を抜き、今までの日本映画の中で歴代興行収入堂々の1位に輝いたというわけです。

日本のアニメは世界に誇れる宝です。

「鬼滅の刃 無限列車編」の興行収入を超える作品は果たしていつ現れるのでしょうか！？これからの日本映画界がどのように発展していくのか、楽しみですね！

ufotableが生み出す素晴らしい作画！！

ufotableは東京と徳島に拠点を置く日本のアニメ制作会社です。

ufotableが制作した「鬼滅の刃」はテレビアニメ第1期が面白いと評判になり、それが映画版へと繋がったのでした。

この制作会社が得意とする作画の美しさにおいて、まず、登場人物の流す“涙”に注目！です。

これでもか！というくらい、登場人物の目から溢れ出す大粒の涙は「人間の流す涙ってこんなに美しかったっけ？」と観ている人の心に訴えかける描写となっています。

そして一番の注目ポイントは！やはり戦闘シーンでしょう。

炭治郎VS魘夢、煉獄VS猗窩座の戦闘シーンは息つく暇もなく、作画においてこれ以上のビジュアルないといっても過言ではない程、水の描写も炎の描写も背景や人物の動きも、とにかく素晴らしい！のです！！

アニメーターの方達が如何に血の滲むような努力を重ね、日々作品と向き合っているか、それが痛いほど伝わってきます。

ufotableは他の同規模のアニメ制作会社よりも、年間に手掛ける元請作品の本数が少ないです。

これは映像のクオリティをより高度にし、質の高い作品を制作する為のufotableの手法といえます。

アニメ第2期をひかえ、まだまだとどまる気配のない鬼滅旋風。

これからもufotableの躍進は止まりません！

「鬼滅の刃」作者・吾峠呼世晴とはどんな人物なのか？

「鬼滅の刃」の作者・吾峠呼世晴は1989年5月5日生まれ、現在32歳の女性なのだそうです！

吾峠呼世晴という名前はペンネームで、その素顔や本名は明かされていません。

24歳の時に初めて「過狩り狩り」という漫画を週刊少年ジャンプに投稿し、同作で第70回（2013年4月期）JUMPトレジャー新人漫画賞の佳作を受賞しました。

その後「少年ジャンプNEXT!!」において「文殊史郎兄弟」という作品で見事漫画家デビュー！となります。

しかし、その後なかなか連載まで辿りつけず、“2015年の間に連載をとれなければ、漫画家を辞める”と決めていたそうです。

不遇の時代が続いた吾峠呼世晴ですが、担当編集からある日“原点回帰”を提案され、「過狩り狩り」をベースとした「鬼殺の流（きさつのながれ）」という作品を執筆します。

これが最終的に「鬼滅の刃」となり、連載会議を無事通過、彼女は週刊少年ジャンプで見事連載の道を手に入れたのです。

テレビアニメ版2期の放送が決定している事から、劇場版第二弾が製作される事も全くない話ではありません。

そして「鬼滅の刃」に続く吾峠呼世晴の次回作にも期待したいですが、ファンの間では吾峠呼世晴が漫画家を引退するという説も流れています。

これだけ一大ムーブメントを起こした作品ですから、次回作といってもそのプレッシャーは並大抵のものではないでしょう。

しかし、重圧を跳ね除けて、これからも引退せず漫画をずっとずっと書き続けてほしいものです！！

「鬼滅の刃」好きなキャラベスト5を発表！！

「鬼滅の刃」には様々なキャラが登場しますが、あなたの推しは誰ですか？

2021年度版好きなキャラクターランキングからベスト5を発表していきましょう！！

第5位：竈門禰豆子（かまどねずこ）

第5位は本作の主人公である竈門炭治郎の妹・竈門禰豆子です！！

炭治郎の一家が鬼に襲われた際、家族の中で唯一生き残りましたが、傷口に鬼舞辻無惨の血を浴びた事から鬼になってしまいます。

その可愛らしい外見や、兄想いである事、そして炭治郎達と一緒に闘う時は強靭な強さで鬼を倒してしまう格好良さなどが、多くの人からの熱い支持を受けました。

芸能人やコスプレイヤーが、竹を口に加えているその独特な風貌を真似してコスプレをし、SNSにアップした事でも話題を集めたキャラクターです。

第4位：我妻善逸（あがつまぜんいつ）

第4位は主人公の炭治郎と共に、鬼殺隊士として闘う我妻善逸です。

何と！東大生が選ぶ「鬼滅の刃」で好きな登場人物ランキングでは堂々の第1位に輝いた事もあります。

臆病で怖がりな反面、極度の緊張状態に陥り気絶する事で、一気に強くなり鬼を倒してしまうという部分が「ギャップがあって格好いい！」という声が多く挙がりました。

また、聴覚が優れており相手が何を考えているかわかってしまう能力を持っている事から、人の気持ちや心の痛みに敏感という、優しい人柄も支持される一つの理由です。

第3位：煉獄杏寿郎（れんごくきょうじゅろう）

本作で上弦の参である鬼・猗窩座と死闘を繰り広げ、くしくも命を落とした炎柱の煉獄杏寿郎が堂々の3位に輝きました！

仲間や後輩の面倒見の良さ、何よりも努力の天才であるところ、派手な外見とは裏腹に優しい性格であるところなどが、理由として挙げられました。

弟思いのいいお兄さんであり、もっともっと炎柱としての活躍ぶりが見たかった！キャラでもあります。

第2位：時透無一郎（ときとうむいちろう）

第2位に選ばれたのは、柱の中では最年少になる霞柱の時透無一郎です！！

理由としては、わずか2ヶ月という早さで鬼殺隊士から柱に登りつめたというその優秀さや、飄々とした性格でどこか儚げな印象を与えるところが人気の鍵となったようです。

無限列車編には登場しませんが、テレビアニメ第1期の第23話「柱合会議」で初めて炭治郎と顔を合わせます。

第1位：冨岡義勇（とみおかぎゆう）

堂々の第1位に輝いたのは、水柱の富岡義勇です！！

炭治郎が鬼殺隊士になるきっかけを作った人物であり、炭治郎の兄弟子にあたります。

一見クールに見えますが、優しい面も持ち、また天然っぽさも感じられる性格や、容姿端麗でおまけに強いというところが人気の理由となりました。

「柱合会議」でたとえ自分が腹を切ることになっても、炭治郎と禰󠄀豆子を守りたいという姿勢も人気に火をつけた理由といえるかもしれません。

むむー、興味深いランキングですね！！

因みに主人公の炭治郎は第10位でした！それぞれのキャラクターがとても個性的で魅力的な面を持っているので、誰に票を入れるかも迷いますね。

「鬼滅の刃」が世間に与えた影響

「鬼滅の刃」という作品は、くすっと笑えるような話題から、じーんと胸にくる話題まで世間に多大な影響を与えました。

例えば、「全集中の呼吸で」という作中の台詞が国会答弁で使われたり、宇宙飛行士の野口聡一さんが宇宙に旅立つ前に刀を抜く仕草をした、という話もあります。

とある養護施設への寄付として、愛知県豊田市役所に炭治郎を名乗る人物からお菓子や緑茶が届けられた、という心がほっこりとする話題がニュースになったりもしたのです。

また、炭治郎が身につけている羽織の柄が緑と黒の市松模様であるところから市松模様のマスクやハンカチが販売されたり、コーヒーやお菓子など、企業とのコラボ商品が誕生したりという出来事も起こりました。

そして一番の驚きは、「鬼滅の刃」のコミックがあまりの人気から、一時期、書店から姿を消すという現象まで起こった事です。

様々な形で世の中に多大な影響を与えた「鬼滅の刃」。

アニメ第2期もぜひ“全集中で”楽しみたいものです！！

まとめ

以上、「鬼滅の刃 無限列車編」から鬼との闘いを経て炭治郎やその仲間が得たもの、煉獄杏寿郎の死が炭治郎達に残したものを紹介してきましたが、楽しんで頂けましたでしょうか！？

アニメの第2期「遊郭編」も制作が決まり、まだまだ衰える気配のない「鬼滅の刃」旋風。

「鬼滅の刃 無限列車編」は作品の中で初めてとなる、上弦の鬼の登場など見逃せないポイントで溢れています。

初めて観るという方も、もう何度も観ているという方も！それぞれの楽しみ方で「鬼滅の刃 無限列車編」をぜひ堪能して下さい！！

バケモノ（獣人）である熊徹と、人間の子でありながらバケモノの世界で暮らす九太（人間界での名前は蓮）を中心に描いたアクション・アドベンチャー作品になっています。

過去作品の「サマーウォーズ」（2009年）や「おおかみこどもの雨と雪」（2012年）に引き続き、テーマに”家族の絆”を扱っていますが、より広い層が楽しめるのが特徴です。

様々なテーマを感じるストーリー、視線を釘付けにするアクション、現実世界とバケモノ界の描きわけによる映像美など、観客を魅了するポイントが満載の本作。

登場キャラの成長や変化を中心に、楽しめるポイントや監督が何を観せたかったのかを考察していきましょう。

バケモノの子（2015年）

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見どころ
バケモノ界に迷い込んだ少年の冒険を通し描かれる絆や淡い恋愛に、あらゆる世代が共感。役所広司、宮﨑あおい、広瀬すずら、日本映画界を代表する豪華俳優が声優に挑戦。
出典 : video.unext.jp

あらすじ
母親を亡くし一人ぼっちになってしまった渋谷に住む少年・九太は、強さを求めてバケモノたちが住む「渋天街」に行くことに。そこで出会ったバケモノ・熊徹との奇妙な共同生活と修行の日々を送り成長した九太は、現実の世界に戻り女子高校生・楓と出会う。
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「バケモノの子」（ネタバレ・考察）

「バケモノの子」はアクションとほのかな恋心、家族の絆に巨大な怪物の大暴れなど、観客の興味を惹く要素が目一杯詰め込んである、宝石箱のような映画です。

子供から大人まで見入ってしまう楽しさが用意されており、男の子女の子はもちろん、お年寄りまで楽しめるようになっています。

また細田監督作品に共通する”家族の形”などを始め、いくつものメッセージが入っているので、気付きを得ると新しい発見があるでしょう。

テーマとして”家族”や”強さ”がどのように劇中で示されているのか、見どころを中心に触れながら考察していきます。

生きていくための”強さ”とは？

母子家庭で育つものの、母を事故で亡くしてしまう主人公の蓮（宮崎あおい）が、親族に引き取られる際に逃亡します。

蓮は自分が親族に歓迎されていないことを理解している賢さと、自分1人で生きていけると考える幼さを持ち合わせているのです。

行き場のない蓮は、周囲に頼らず生きていくための”強さ”を欲しがりますが、明確にはなにが”強さ”なのか分かっていません。

問いかけられる”強さ”の形は大人でも理解が難しいですが、蓮が成長することで得る”強さ”の正体は蓮と観客で共有されます。

細田監督が伝えたい生きるための”強さ”を蓮が手にしていくことで、観客は強さの形が複数あることに気づいていくのです。

幼い考えが危うさを感じさせる蓮ですが、観客は”同じ状況になったとき、こういう選択をするかもしれない”という共感を蓮から受け取り、応援する気持ちになります。

蓮と観客は”強さ”をテーマとして思い描き、蓮が”強さ”を手に入れていく過程は観客の喜びになるのです。

共に囲む食卓は”家族”の証

渋谷の路地裏にたどり着き、そこで明らかに人間とは違う”バケモノ”の熊徹（役所広司）と出会う蓮。

強者である熊徹はバケモノ界を治める”宗師”の次期候補ですが、粗暴すぎるため弟子を取ることを義務付けられるものの、悪名が知れ渡っており弟子候補がいません。

そのため人間の弟子を探しに来た熊徹と、強さを求める蓮は運命的に出会いますが、すんなり弟子入りとはならないのです。

2人の距離を縮めたのは、バケモノ界で起きたケンカが発端でした。熊徹がライバルとしているイノシシのバケモノ、猪王山と衝突します。

実力は同じぐらいですが、野次馬たちは猪王山しか応援しません。圧倒的な武力という”強さ”を持ちながらも一人ぼっちである熊徹。

一人ぼっちの辛さを知る蓮は熊鉄を応援し、熊徹はそれが嬉しかったのか、熊徹と蓮の間には今後育んでいく”絆”が生まれてくるのです。

弟子入りを決めた蓮は熊徹の家で、食べれなかった卵かけご飯をかきこむことで、自分の意志で苦手なものを克服してみせます。

師匠と弟子の関係が始まると同時に、同じ釜の飯を食うことで”家族”となった2人は、1人ぼっちではなく、親子2人として一緒に過ごすことを表明しているのです。

最初に提示された”強さ”の追求に加えて”家族の成長”というテーマも描かれるため、物語は深みを増していきます。

1人では気づけなかった”強さ”

熊徹は蓮にバケモノ界での名前を与えますが、「9歳だから九太」と命名するなど熊徹は悪いバケモノではないが雑な性格である様子が描かれます。

不完全な熊徹が幼い九太と組み合わさることで、不安はあるものの、この先成長が楽しみな親子として物語を引っ張っていくのです。

熊徹が九太に自身の”強さ”を教えられないシーンは、1人で生きてきた熊徹が初めて弟子を持つ体験を”子育ての難しさ”として表現しています。

不器用な親である熊徹に対し、九太は表現が伝わらなくても親の行動を手本にし影響を受ける”子育ての仕組み”に則って熊徹の立ち振舞いを学びます。

熊徹の一挙手一投足を覚え、真似をすることで九太の中で理解が進み、熊徹が指導で伝えられなかったことを身に着けて行くのです。

九太が身につけた技術は”九太流の武術”になり、九太を見ている熊徹にも影響を与え、師匠と弟子がお互いに改良点を取り入れることで、”強さ”が磨かれます。

一人ぼっちだった熊徹と九太は親子の間で師弟関係を結ぶことで、自分以外からヒントを得られるようになりました。1人だけでは解決できない問題を親子でクリアしたのです。

キーワードである”強さ”は、1人だけで鍛えるには限界があり、家族や師弟など自分以外の誰かといることで気づきが得られる描写になっています。

成長するためには家族や友人、師弟など、自分が信頼できる人と”強さ”を共有して切磋琢磨することが大切だと伝えているのです。

最終的に九太は熊鉄を投げ飛ばすほどの実力を身に着けますよね！

弟子が師匠を超えるという”強さ”の目安が次のレベルに達したことが分かります。

バケモノ界での交友関係

九太は熊徹と修行するだけでなく、バケモノ界で友人関係も構築していたことで、親の粗暴さを受け継ぐことなく育ちました。

熊徹が一方的に嫌っている猪王山ですが、猪王山の子供である一郎彦と次郎丸は九太といい関係を築いていくのです。

特に「親同士がライバルでも子供たちの関係は別、どっちが試合で勝っても恨みっこなし」という次郎丸の考え方は、素直に育った朗らかさを感じさせます。

その一方で猪王山を尊敬し、絶対的な存在として目標にしている兄の一郎彦は、九太と交流しつつも将来的にライバルになると考えているようです。

ですが考え方や置かれた環境、成長するきっかけなどの差異が、親に武人を持つという共通項がある九太と一郎彦の間で大きな違いが出る結果になりました。

九太の成長と熊徹の不安

九太は熊徹のもとで修業に励み、バケモノ界で立派な青年へと成長します。

少年時代から声変わりしたため、声優も宮崎あおいから染谷将太にバトンタッチし、子供ではなくなったことが強調されるのです。

17歳になった九太は肉体だけでなく、人間界で精神的にも成長するきっかけを掴み、バケモノ界以外の生き方を知ると同時に親離れが始まります。

多彩な形の”強さ”を学ぶことで、より優れた1人の男として育った九太が子供を卒業していく様子が描かれるのです。

一方で初めての家族が失われるかもしれないという不安に襲われる、九太を好きすぎる熊徹の不安やストレスにも触れています。

九太と熊徹の心情を作中から汲み取りつつ、大人の階段を登ることで”家族”が乗り越えるべき問題について考察していきましょう。

楓に感じるトキメキと青春

バケモノ界で青年に成長した九太は、いままで戻れなかった人間界に戻れるようになります。その際トラブルに巻き込まれた人間の女子高生・楓（広瀬すず）を助けるのです。

このことをきっかけに九太は楓と交流するようになり、文字の読み書きから始めて年齢相応の学力を身につけるなど、今まで鍛えてきたものとは違う”強さ”を獲得します。

初めてできた”異性の友人”かつ”学びの師匠”である楓は、九太にとって魅力的な存在となり、いままでの人生には無かった感覚を味わうのです。

九太は武術という形でしか実感できなかった”強さ”が数ある中の1つでしかなく、”学びの強さ”や”好きな人を思う強さ”など様々な形の”強さ”があることを知ります。

楓と過ごす時間は勉強や異性への好意などを学ぶ体験となり、バケモノ界と人間界の両方で青春を過ごす九太は彼だけの成長を遂げ、観客も特別な時間を共有するのです。

楓と出会ったことで”初恋”や”青春”を感じさせる要素が九太を変えていく様は、青春を経験した大人には眩しく、子供には憧れとして映るでしょう。

バケモノ界にも女性はいるのですが熊徹の周囲には気配がありませんね。

九太は家族も知り合いも友人も男しかいないので、楓との出会いは衝撃でしょう。

熊徹が見せる”親の弱さ”

九太が人間界にたびたび出かけていることを熊徹は面白く思っていません。同時に九太も熊徹に対して反発するようになります。

客観的に見て思春期の九太が自然と親離れすることは当然ですが、当事者の熊徹には子供を育てて大きくした事も、思春期の反発も初めてなのです。

親子であり、師弟でもある九太との関係を築いてきた熊徹にとって、九太がそばに居なくなることは考えたこともなかったのでしょう。

今までは”強さ”の象徴であった熊徹が見せる初めての”弱い”シーンになりました。

熊徹は気づいていないのですが、九太という家族がいることで、武力だけではない”強さ”を手に入れていたのです。

九太がおらず気力がまったく充実していない熊徹は、不完全な状態で猪王山との試合に臨み、実力を発揮できずダウンしてしまいます。

大切な家族を失うかもしれない不安は、強い人でも乗り越えることが難しいことを熊鉄の窮地で描き、どう克服するかが注目するポイントになるのです。

対立していた親子のわだかまりが消える

カウントが10数えられると負けになってしまう試合で、カウント9になったところに九太が駆けつけ、熊徹を怒鳴りつけます。

その声を聞いた熊徹は力が戻ったかのように起き上がって九太に反論し、2人は試合そっちのけで口論するのです。

お互いに踏み込めなかった2人はストレートに文句を伝え合うことで絆を取り戻し、親子の間にあったわだかまりが消滅します。

問題に打ち勝った熊徹は”強さ”を取り戻し、猪王山を圧倒しました。多くのバケモノたちが見守る中で、熊徹の目指していたゴールの１つである最強を証明したのです。

常に”強さ”の象徴であった熊徹が、1人ではたどり着けない心身の”強さ”を育み、絆を深めたからこそ訪れた弱さも乗り越えた、ドラマチックな勝利でした。

ですが勝利に喜ぶ熊徹に抜身の刀が突き刺さり、祝福のシーンは反転します。猪王山の息子である一郎彦が、父が負けたことに納得できず、闇の力を使って熊徹を襲ったのです。

熊徹の”強さ”と九太との成長を描いたところで、隠されていた事実が明らかになり、”家族”と”強さの形”というテーマはそのままに、場面は一郎彦と九太が中心となって進みます。

対照の存在になる九太と一郎彦

「バケモノの子」では、バケモノ界でも生き方や家庭の事情で育ちかたが違ってくる様子が描かれています。

熊徹と猪王山、九太と一郎彦は親子ともどもライバルですが、家族がどのように過ごしたかによって、明暗が別れてくるのです。

なぜ九太は光になり、一郎彦は闇になったのか、対決に至るドラマと示されたメッセージを考察していきます。

猪王山の深い悩み

熊徹のライバルである猪王山は、多くの門下生を持ち武術を教える傍ら、2人の息子の父として家族に惜しみなく愛を注ぐなど、強い上に人格者というキャラクターです。

熊徹と互角の強さを持ちますが、立派な存在として尊敬される猪王山は”宗師”の第一候補として期待されています。

ですが猪王山は一郎彦が自分の血を引く子供ではなく、人間界で拾った捨て子だったことを隠してきたのです。

バケモノ界の言い伝えでは、バケモノ界で人間を育てると心に闇を持つようになるため、災いをもたらすとされています。

この言い伝えで一郎彦が迫害されるのを恐れたのか、人間であることを一郎彦にも伝えず、バケモノの子として育てました。

人間はバケモノではないという決定的な違いを埋めることができなかったため、猪王山は結果的に一郎彦の闇を作る原因になってしまうのです。

九太が輝くほど一郎彦は闇に落ちる

一郎彦は成長するにつれて、父や弟が持つイノシシの特徴が現れないことから、自分が人間ではないかという疑問を持つようになります。

若い頃からイノシシの特徴である鼻や牙をあしらった被り物をしていたのは、特徴が現れない一郎彦にとって”猪王山の息子”という誇りがあったからでしょう。

自分が一番の”強さ”を持つバケモノの子であることは、彼にとって重要なアイデンティティであり、人間かもしれない一郎彦が持つ不安に対しての防壁に見えます。

そんな一郎彦にとって、最初から人間であることを明かしながら、バケモノの子として受け入れられている九太の存在はジレンマを生むのです。

なぜ九太は人間なのに迫害されないのか？自分は出自を明らかにしたら問題になる？などいろんな思いが交錯したことが想像できます。

青年になった一郎彦は体が育ったものの、猪王山から人間であることを伝えられることもなく、親子の間に見えない壁があるかのように絆を深められませんでした。

親子が付き合うには隠し事は無いほうが良い

猪王山が一郎彦に伝えなかった理由は、自身が多くのバケモノたちにとって師匠であることが原因でしょう。

子供たちが幼少の頃から門下生を多く抱え、名士として成功していた猪王山は、生徒たちに嘘をつくと同時に一郎彦にも嘘をついています。

事実を明らかにすれば嘘をついていたことから門下生が去り、一郎彦の信頼も失うと考えた猪王山にとって、明かすことはマイナスにしか働かないと考えたのではないでしょうか。

その結果として信頼している父が最強であり、その息子であることに意味を見いださなければ生きていけないという、一郎彦の歪んた闇を育てる結果になります。

すれ違いながらも隠し事をせずぶつかりあった親子と、秘密を隠しながらお互いの大切さだけが膨らみ問題を解消しなかった親子で明確に違いが生まれました。

２つの「バケモノの子」がいる家庭を比べることで、より良い関係はどちらなのか浮き上がってくるのです。

小説「白鯨」が表す止められない脅威

熊徹と猪王山の対決で、絶対的な存在の父が敗北したことを認められず、一郎彦は闇の力を使って刀を操り、熊鉄を刺します。

怒りに我を忘れた九太も闇の力に飲まれ一郎彦を襲いそうになりますが、感情を抑えることが出来た九太は自分を取り戻し、攻撃を止めました。

人間でありながら”バケモノの子”として育った2人ですが、自身の闇を自覚できていた九太との差が明らかになった一郎彦は、決定的な差を突きつけられて闇に飲まれます。

バケモノ界から消えた一郎彦は自我を失った状態で人間界の渋谷に現れ、楓と遭遇し、彼女が落とした小説「白鯨」に触れることで鯨のバケモノに变化し街を破壊します。　　

絶対的な”強さ”の象徴だった父ではなく、自分の闇を力とした何者も敵わない存在が、巨大な鯨だったのでしょう。

映画の中では語られていませんが、ノベライズではバケモノ界でも優秀なものは読み書きを教育する場所があることが明かされているので、一郎彦は鯨を知っているようです。

この場面だけでなく「バケモノの子」では、小説「白鯨」がキーアイテムとなっており、蓮が親戚に引き取られるシーンや、九太と楓の出会いで「白鯨」が登場します。

この作品では鯨に対して、人間が制御できない巨大な脅威としてのイメージと、鯨がどういう姿を取るのかは人間の心しだいで変わる”鏡”としての役割を与えているのです。

闇を受け止める九太と親の愛

九太は鯨の前に立ちはだかり、自分を犠牲にして闇を受け止めようとします。”人間であるバケモノの子”にしか分からない共感があったのかもしれません。

また人間界で九太と合流した楓が加勢し”あなたは1人じゃない”と告げるシーンは、九太の築いてきた信頼関係を感じさせます。

そして鯨が近づいてきた瞬間、九太の前に神の力を宿した”御神刀”になった熊徹が現れるのです。

熊徹は九太が置かれている危機を知り、助けられる方法があると知るや、自身に何が起こるかも構わず助ける道を選びました。

九太に対して立派な父や師匠ではなかった自身を”半端者”と称した熊徹は、それでも九太の役に立ちたいという一心で神になり、九太の危機に駆けつけます。

九太の”胸の中の剣”として熊徹は1つになり、一振りで一郎彦の闇を祓うのです。最後は九太の中に入っていき、親子は1つの存在になりました。

姿や形でなく思いや気持ちがお互いにあれば、家族の絆が消えることはなく、続いていくことを示して、戦いは終わります。

最終的に人間界で暮らすことを選んだ九太は蓮に戻り生きていきますが、父である熊徹が常に蓮の中に生きているのです。

救われない者がいない幸せな映画

鯨になった一郎彦は、闇を祓われたことで元の姿に戻ることができました。渋谷の街で暴れたときの記憶を失っており、気づいたときにはバケモノ界に帰されていたのです。

目覚めた一郎彦の処遇が取り沙汰されますが、猪王山が一郎彦を正しく育てられなかったことを詫び、改めて正しく我が子と絆を深めていきたいと訴えます。

バケモノ界での功績がある猪王山の直訴と、人間界での被害が最小限で死傷者も無かったことから親子は許され、不問となり、バケモノ界に残ることになりました。

猪王山は一郎彦に事件の経緯と一郎彦の出自を伝えた上で正しく対話できなかったことを謝罪し、親として自分の子を愛していると伝えたのでしょう。

親子関係を正しく修復できた2人はお互いを大切にするために、父として息子の目標になり、息子として父に恥じない人生を歩むと思われます。

２つの”バケモノの子”がいる家族を描き、どちらかが悪であるという表現ではなく、かけちがえたボタンは直すことで再起できると伝えているのです。

この描写が加わることで、細田監督作品で語られてきた”家族”の形が明確になり、大切にしていこうというメッセージを感じます。

主題歌であるMr.Childrenの「Starting Over」が作品にマッチしてますね！

自分の心の弱さを克服して、そこから再出発するという内容が本作にぴったりです。

「バケモノの子」を構築する映画たち

細田監督は本作公開の際に様々なインタビューを受けており、その中で「バケモノの子」のエッセンスになった映画作品について言及しています。

どういった名作が引用されているのかを、劇中のキャラクターや場面と照らし合わせながら解説していきましょう。

「七人の侍」（1954年）

強さはあるが知性に欠ける描写や手にした大太刀から、映画ファンの間で熊徹は黒澤明監督作品である「七人の侍」に登場する菊千代（三船敏郎）をモデルにしていると噂されていました。

スペインの映画祭で「バケモノの子」が上映された際に細田監督が質問に答える形でこれを認め、元はモノクロ映画ですが菊千代は朱色の鞘を使ったのではと考え着色したと発表したのです。

また熊徹の友人である多々良と百秋坊は、同じく「七人の侍」に出演していた役者から名前を頂いています。

多々良は侍を仲間に引き入れるきっかけとなる人足を演じた多々良順から、百秋坊は侍として百姓を守る林田平八を演じた千秋実が由来になっているのです。

「スネーキーモンキー 蛇拳」（1978年）

もはやレジェンド級のアクション俳優であるジャッキー・チェンの出世作で、彼の名が広くファンに知られるきっかけとなった映画です。

それまでのカンフーものは親や師匠の仇討ちをテーマにしたものが多く、アクションはあるものの暗いトーンの作品ばかりでした。

ですがこの作品では修行の場面や戦闘シーンなどにコミカルな要素が含まれるため、明るいエンターテイメントとしてカンフー映画が評価されるきっかけになったのです。

師匠の教えが分からず、九太が動きを真似して熊徹の強さを身につけるシーンは、「蛇拳」の明確なオマージュとして描写されています。

アクションとしての楽しさだけではなく、”父と子（家族）”と共に”師匠と弟子”という、継承される強さや成長の由来についても伝えたい事がわかるのです。

「スリーメン&ベビー」（1987年）

明確に意図して描かれたのではなく、映像を作り上げていくうちに作品の共通項が観られるようになったのが「スリーメン＆ベビー」です。

この作品は独身貴族の男性3人が共同生活しているところに赤ん坊が預けられ、子育てやトラブルに巻き込まれるコメディで、元はフランス映画でした。

九太が赤ん坊、熊徹とその友人である多々良と百秋坊がスリーメンという配役ですが、子育ては多々良と百秋坊が中心で熊徹はあまり役に立っていないあたりの食い違いが楽しめるポイントになります。

細田監督の過去から考察する「バケモノの子」の裏テーマ

本作は1本の作品として観ても楽しめますが、細田監督の人生とクリエイターとしての経歴、関わってきたアニメ映画を知ることで細田監督の挑戦を感じることができます。

そのカギとなるのが、映画好きなら知らぬ人がいないであろうアニメ制作会社”スタジオジブリ”と宮崎駿です。

「バケモノの子」がどうして生まれたかを、細田監督の歴史と照らし合わせながら、情報を元に考察していきます。

ジブリ入社を目指すも才能がありすぎて落選

細田監督は若い頃に宮崎駿監督作品である「ルパン三世 カリオストロの城」（1979年）を観て夢中になり、アニメ業界へ進むことを決めるのです。

細田監督はジブリの研修生になる試験で、提出ノルマがイラスト2枚のところを150枚描いて送りますが、宮崎駿は「ジブリでは細田くんの才能が削がれる」と判断します。

結果として才能を認められながらもジブリには入れず、東映アニメーションに入った細田監督は才能を発揮しアニメ業界での評判を獲得するのです。

細田監督は「ハウルの動く城」を作っていた

細田監督がアニメクリエイターとして実績を積み上げたころ、宮崎駿が「千と千尋の神隠し」（2001年）で引退を宣言したため、細田監督とジブリが再び交わります。

指名を受けジブリ作品の次作「ハウルの動く城」（2004年）を作ることになった細田監督は作品に取り掛かりますが、ジブリ側の手が空かず作業ができない状況が続くのです。

そのため細田監督が確保しているスタッフはなにもできず時間だけが過ぎ、最終的には復帰宣言をした宮崎駿が「ハウル」を監督、細田監督は降板させられてしまいました。

細田監督は声をかけたクリエイターたちに迷惑をかける結果になり、かなり悔しい思いをしたそうです。

このときに感じた思いが、細田監督作品を創る上で原動力の1つになっていると考えると、自分のスタジオを作って制作し、オリジナルにこだわる作家性の由来が見えてきます。

過去が細田監督の未来につながる！

何度かの引退宣言と復帰を繰り返しながら、宮崎駿とジブリは”すべての年齢層が楽しめる映画”を世に放ち続けます。

細田監督もいくつもの映画を発表しつづけ、”家族”を軸にした物語で多くのファンを獲得していくのです。

そんな細田監督が全世代に向けての映画を考えるきっかけが、ジブリ最後の宮崎駿作品「風立ちぬ」（2013年）の公開でした。

この作品は戦闘機を作る若者たちが戦争などに直面したときの人間ドラマであり、それまでの宮崎駿作品と違い大人向け映画として発表されたのです。

また公開のときに、ジブリが公式に宮崎駿の引退を発表。このことで”すべての年齢層が楽しめる映画”が空白になると考えた細田監督は、アクションを起こします。

その結果、ジブリ最大のヒット作「千と千尋の神隠し」に対しての返答と、細田監督が考える”全年齢層が楽しめる映画”として「バケモノの子」を生み出したのです。

宮崎駿監督が作ってきた”すべての年齢層向けアニメ映画”に対して同じスタンスでありながら、新時代の作品はこうあるべきという細田監督のメッセージが伝わる作品になりました。

でも結局、宮崎駿監督は復帰して「君たちはどう生きるか」を製作中ですよね？

「風立ちぬ」が最後にやりたかったことだと当時は言ってたんです！

２つの映画に見る共通項と細田監督作品の強み

「バケモノの子」は、人間界と別世界が近いところで繋がっていて、別世界で暮らすために新しい名を得た上で経験を積み、成長した主人公が人間界へと帰っていきます。

さらにお祭りのような雰囲気の別世界、初めて体験する修業や家事、神が身近な存在として現れるなど「千と千尋の神隠し」との共通項が多く意識していることが良く分かるのです。

声を担当しているのが声優ではなく俳優であることや、別の世界の入り口は人間界から道一本外れただけでも行ける近い存在という描写も影響を感じさせます。

その上で「バケモノの子」は初めて映画を観る人に対して非常に親切な設計なのが大きな違いであり、新しい映画の形が見えるのです。

特に注目したいのは、映像に意味深なイメージを持たせず、映画内で起きていることを観客の想像や解釈に任せずに、全部説明している点が挙げられます。

細田監督は、「バケモノの子」で伝えたいイメージがあればキャラにセリフとして喋らせて、分からない要素をなくすことで、映画についていけない観客をゼロに近づけるのです。

映画体験の浅い人にも”映画は楽しい！”と思ってもらえるように、ハードルは下げて作品の質は上げるという挑戦をし、結果的に成功を収め新たな道を切り拓きました。

家族向けアニメの後継者ではなく、映画経験の”初めの一歩”に選ばれるアニメ映画を撮る”開拓者”として細田監督は進んでいくように感じられます。

昔ながらの映画ファンからは説明が多いことに反発もあったようですが？

”映画好きなら分かる”という曖昧な表現を避け、理解度を優先させているのです。

「バケモノの子」（ネタバレ・考察）

「バケモノの子」は、今まで脚本に携わってきた奥寺佐渡子が初めて参加せず、細田監督自ら原作と脚本を担当するなど、方向性に変化が見られます。

飲料会社とタイアップして地上波テレビやネットで公開前にCMを打つなどの事前準備はもちろん、舞台となる渋谷でイベントを開催するなど盛り上がりを見せました。

結果的に2021年6月時点で、細田監督の作品で一番興行成績が良い作品となり、国内外の賞を獲得するなど人気と評価が比例してアップしたのです。

この映画を観る上で楽しめる副次的な情報をお伝えしていくので、気になった方は掘り下げてみましょう。

リアルに描かれた渋谷の街並みの美しさ

センター街や渋谷駅、宮益坂、代々木公園など渋谷区で事件は起こりますが、街の描き方が完璧で、渋谷に詳しい人は舞台となっているエリアに親近感を覚えるでしょう。

他にも協力しているのかと思うぐらいにお店が明確に描かれているため、ファンタジーな戦いがリアルな場所で起きている感覚になります。

この描写の細やかさは、渋谷区とエリア開発を担っている東急グループらが全面協力してくれたことによって可能になったのです。

現在の渋谷は当時と多少風景がが変わっていますが、特徴のあるシーンはいくつか残っていますので、ガイドマップを参考に聖地巡礼するのもいいでしょう。

劇団四季によってミュージカルに！

日本を代表する演劇とミュージカルの集団である劇団四季が、2022年に「バケモノの子」をミュージカルとして開幕することを宣言しています。

細田監督の作品がミュージカルになるのは初めてのことで、かなり長期的に公演されるスケールの大きな演目になりそうです。

渋谷の街並みやバケモノが暮らす渋天街の世界の違いをどう表現し、キャラクターたちの造形とアクションを限られたステージの上で展開するのかも気になります。

ミュージカルということで、特徴的なシーンをどのように歌曲にするのかなど、演劇ファンと映画ファンの両方から今後の発表を期待されているのです。

まとめ

細田監督自ら次世代の家族向け作品の担い手になり送り出した「バケモノの子」は多面的な見方ができます。

今までの細田監督作品で脚本を担当してきた奥寺佐渡子とのタッグではなく、自身のオリジナル脚本で勝負したのも、こだわりと意思表示を織り込むためと考えられるのです。

興行収入は56億を超え、2021年6月現在で、細田監督作品としては歴代一位の記録となっていることからも、多くの層が評価したと考えるべきでしょう。

これからも作品をつくり続けていく細田監督のターニングポイントとなる本作を、この記事でより深く理解できたのではないでしょうか。

ぜひ1度と言わず、2度3度と鑑賞して、自分の中の「バケモノの子」を色々な視点から楽しんでください！

DCコミックスに登場するヒーローたちが集う映画（DCEU）の「ジャスティス・リーグ」（2017年）で活躍したアクアマンをピックアップし、単独の主人公として映画化された作品となっています。

監督は「SAW（ソウ）」（2004年）で一躍名をあげ、後に「ワイルド・スピード SKY MISSION」（2015年）などを手掛けたジェームズ・ワン、主演はジェイソン・モモアが務めました。

本作は地上の征服を目論む海底帝国アトランティスの王、オームの野望を阻止するために立ち上がったアクアマン（アーサー）の活躍を描いた物語になっています。

「アクアマン」はヒーローものの王道を行くアクションだけでなく、見ごたえのある水中描写が特徴的な映画です。

また想像の産物である”海中”の世界を、幻想的でありつつリアルさも併せて表現していくことで「アクアマン」の映像化に成功します。

そして「アクアマン」は今までのDCコミックス作品はもちろん、DC原作作品すべての興行成績を塗り替えるほどの評価と人気を集めました。

そんな映画「アクアマン」の文化の違いから見えてくる世界観についてや、意外な作品群との関係などを紹介していきます。

アクアマン（2019年）

出典 : amazon.co.jp

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見どころ
重力に縛られない新体験の海中バトルや多彩な世界観を見せる海底世界など、迫力の映像表現にくぎづけ。戦う時もユーモアを忘れないアクアマンの快男児っぷりも魅力。
出典 : https://video.unext.jp

ストーリー
海の帝国・アトランティスの女王と人間の間に生まれ、海の全生物を味方にする力を持つアクアマン。彼の故郷であるアトランティスが突如地上征服を狙い、動き出す。海帝国ゼベルの王女・メラから世界の危機を知らされたアクアマンはやむなく立ち上がるが…。
出典 : https://video.unext.jp

アクアマン（ネタバレ・考察）

水中での激しいアクションシーンや幻想的な海中の描写などが見どころとなっている映画「アクアマン」。

そんな「アクアマン」の水中アクションシーンに隠されている撮影秘話や、原作との意外な違いといったトリビアを紹介していきます。

水中のような迫力満点のアクションシーンに注目！

映画「アクアマン」の大きな見どころとして挙げられるのは、水中で繰り広げられる豪快なアクションシーンです。

地上とは違う水中ならではの3Dで展開されていく濃密なアクションが見る人を魅了していきます。

そんな「アクアマン」ですが、実はほぼ全ての水中シーンが”ドライ・フォー・ウェット”と言われる、水を使わずに水中の描写をする方法で撮影されたのです。

地上にいながら水中の動きを再現するために、俳優を紐で上から吊り上げ、宙に浮いた状態でアクションして貰い映画を撮影していました。

そして水中で揺らめく髪の毛や口から出る泡などはCGで再現、他にもビジュアル・エフェクトやスタントマンなどを駆使して、登場人物たちが水中で動いているような映像に仕上がっています。

しかしドライ・フォー・ウェットは今までにない新しい撮影方法であったため、今回「アクアマン」に関わった人たちはとても苦労したそうです。

特に俳優陣は紐があちこちに付けられたこの撮影専用の衣装を身につけ、長時間吊るされた状態でさまざまなアクションをこなさなくてはいけませんでした。

DCEUでは珍しい明るく幻想的な海中にも注目！

「アクアマン」で描写される海中はファンタジー要素が多く含まれた幻想的な光景であり、とても美しく仕上がっています。

特に近未来的な建造物と海中の大自然が合わさって描かれた海底都市は、今までに見たことのない幻想的な風景です。

本来相容れないはずの水とマグマがアトランティスでは共存している描写もあり、細かいところに注目してみると面白い発見があるかもしれません。

また「アクアマン」はファンタジー色の強い海中描写を全面に出したことで、DCコミックス原作映画らしからぬ明るい作風に仕上がっているのも特徴です。

DCコミックスを原作とした映画はダークな描写とストーリーで構成されており、ファンからの人気は非常に高いものの、万人受けする映画ではありません。

DCEU作品も最初はダークな世界観をテーマとした映画を作っていましたが、近年では「シャザム！」（2019年）などコミカルな描写の多い作品が増えてきました。

「アクアマン」はその流れを強く受けた映画であり、王道で分かりやすい物語や、気疲れしずらい明るめの作風によってDCEUの中でも特に見やすい作品へと仕上がっています。

DCEU映画の方針変更で、最も良い影響を受けた映画が「アクアマン」だといえます。

「アクアマン」の主人公は人気がなかった！？

出典 :DC Comics
映画「アクアマン」に登場する人物たちの多くは原作の姿を上手く再現して実写化されていますが、主人公のアクアマンとヴィランのオームだけは大きくビジュアルを変更されました。

原作コミックで活躍するアクアマンはハンサムで甘いマスクをした、黄金の鱗を鎧のように纏った金髪のイケメンです。

それに対して映画のアクアマンは、俳優のジェイソン・モモアが演じることもあり筋骨隆々で長い黒髪、フサフサのひげを生やしたワイルドで「海の漢」を彷彿とさせるビジュアルをしています。

アクアマンの見た目が変更された理由は、原作コミックの「アクアマン」というキャラクターがいまいち目立たなかったためです。

「アクアマン」がDCコミックスに登場した頃、バットマンやスーパーマンといったヒーローたちが活躍しています。

しかし魅力あふれる彼らと違ってアクアマンは金ピカの鱗を全身に纏ったシュールな姿であり、決して万人受けするキャラクターではありませんでした。

そのため映画化に伴って他のヒーローたちの魅力にも負けないワイルドな姿になり、海でも陸でも最強クラスの戦闘力を誇る新しい”アクアマン”が誕生したのです。

ちなみに変更される前の姿はヴィランであるオームが引き継いでおり、甘いフェイスでハンサムな金髪のイケメンだった原作のアクアマン要素はしっかりと続投しています。

ドラムを叩くタコはアクアマンの相棒！？

出典 :DC Comics
主人公のアーサーは、海底の国と地上の戦争を止めるため、彼の弟でありアトランティスの王であるオームと決闘することになります。

そこではドラムのような物を使って激しく音楽を奏でる大ダコが登場しました。

そのタコは原作コミックスでアクアマンの相棒として活躍する「トポ」がモデルとなっています。

トポはアクアマンの戦闘を手助けしてくれる相棒であり、ピアノやギターを弾くことが趣味の大ダコです。

監督はトポが大のお気に入りキャラでありぜひとも映画の「アクアマン」でも活躍させたいと考えていました。

ただしトポという陽気なキャラクターはこの映画に合わず監督は登場させてもいいか不安に思っていたそうです。

しかし「マッドマックス　怒りのデス・ロード」（2015年）に登場した火炎放射付きのギターをかき鳴らす男を見てから雰囲気の異なるキャラクターでも映画に出演させてもいいという自信を持ちます。

つまりトポをモデルとした大ダコはマッドマックスの影響で「アクアマン」へ登場できるようになったのです。

あの大きなタコは原作だとすごい活躍をしていたのですね！

実はこの映画でも大きな活躍をする予定だったのですが、最終的に一場面だけでの出演へと収まってしまったそうですよ。

海底人の異文化について

この映画には人間と海底人という2つの種族が登場しています。

しかし見た目はあまり変わりませんが、海で暮らす海底人は人間とは大きく異なる生態や文化を持っていました。

そんな文化などの違いから見えてくる、海底人たちの生態や特徴について考察していきます。

アクアマンの親から分かる海底人の異文化

アーサーの父、トムとアトランティスの女王、アトランナの出会いは国から逃げてきた彼女をトムが助けたことによって始まります。

アトランナを匿ったことでトムと彼女は次第に惹かれ合っていき、やがて二人の間にアーサーが生まれました。

異なる種族であるにもかかわらず子供を産めることから海底人は、人間と基本的な身体構造が変わらないと予想できますが、彼らの間には文化的な違いがいくつも存在しています。

まず、アトランナを始めとした海底人は水中で暮らしているため、電気というものを知りませんでした。

水中で電気を扱うのは非常に危険であるため、海底人の文化には取り入れられなかったのでしょう。

地上よりも遥かに進んだ文明を持っていながらも、彼女がテレビの映像に驚き矛を投げつけたのはそれが原因です。

また、衣服は魚の皮や鱗などから作られており、布を使った人間の服とは素材や構造が大きく異なっています。

海底人の衣服が人間から観て奇抜な格好に見えるのは、地上とは手に入る素材が違うことから生まれた新しい服の文化だったのです。

このようにトムとアトランナが交流を交わした時間だけであっても、文化が大きく違うことが見えてきました。

不便そうだけど意外と快適な海中生活

海底人たちは常に海中で暮らしているため炎や電気などを扱うことはできず、地上のような技術は生まれません。

しかし彼らはそのハンデを海底人特有の高い身体能力と、地上の文明を遥かに上回る独自の技術力で補っていました。

海底人は人間と違い非常に頑丈で身体能力も優れており、彼らは水を一蹴りするだけで圧倒的な速度で泳いだり、人間の力では武器を使っても傷一つ付かない頑丈な体です。

その頑丈な体であれば調理せずに食べ物を摂取しても問題は起きにくく、車のような移動手段がなくてもたいして困らないことが分かりました。

海底人が持っている移動手段の多くが攻撃や防衛することが目的となっており、普段から乗り物を使わなくても十分生活できると考えられるのです。

また、海の中を照らし続ける照明の存在や、水を莫大なエネルギーに変える技術があるため、電気に変わるエネルギー源が存在していることも分かります。

海底人の食文化がどんなものなのか気になりますね。

アトランナ元女王が金魚を丸ごと食べていたため、魚を生で食べる文化があることは分かっています。

海底人は地上で息ができるのか？

海底人は地上で呼吸ができないことが映画内の描写で判明しています。

これはメラに鎧を破壊された海底人の兵士が、空気がなくなったかのように苦しみ始めた描写から推測できました。

しかしアーサーや元王女のアトランナ、ヒロインのメラやオームといった登場人物たちはどういう訳か地上でも呼吸しています。

普通の海底人と彼らの間には、一体どのような違いがあるのでしょうか。

これに関しては海底人の成り立ちを調べていくと判明していきます。

昔の海底人は元々地上で暮らしていましたが、トライデントの持つ膨大なエネルギーを利用した結果、海中でも呼吸ができるようになったのです。

しかし彼らの住む国だったアトランティスが水没した後は地上で生活しなくなったため、陸で呼吸をするための機能が不要になりました。

そのため殆どの海底人は長い年月を経て、地上で呼吸するための機能が退化したのではと考えられます。

そして今では地上で暮らしていた海底人の遺伝子が濃く反映されている、古くから続く伝統的な血筋を持つ海底人のみ地上でも呼吸ができるのでしょう。

元王女のアトランナはもちろん、彼女の息子であるアーサーとオームも高い身分の血筋であり、メラもゼベル王国という国の王女であり、地上で呼吸ができる人たちは全員、高貴な家柄の出身だったのです。

デイビッドこと「ブラックマンタ」について

「アクアマン」のサブヴィランとして活躍するデイビッドこと「ブラックマンタ」。

彼の着るアーマーの見た目は意見が分かれる所ですが、それでも人気の高いキャラクターの人です。

しかしデイビッドが作中で活躍を見せる裏には、多くの疑問が残されていました。

そんなブラックマンタにかかわる疑問を紹介・考察していきます。

秘匿されるアトランティスとデイビッドの関係

人間たちはほぼ全員がアトランティスの存在を信じておらず、アトランティスや海底人が存在すると常に語ってきた科学者は、異端者として学会から追放されるほどでした。

そんな長きに渡って秘匿されていた海底人たちとデイビッドが接点を持っていた理由とは一体何だったのでしょうか。

これは海を汚す人類を憎んでおり、地上の征服を目論むオームが、足がかりとして世界でも有名な海賊のデイビッドに仕事を依頼したためです。

仕事内容はオームとネレウス王が行う会合を地上の兵器で攻撃することであり、優柔不断なネレウス王を地上との開戦派に傾けさせるというオームの狙いが見えるものでした。

しかし依頼が完了した後も交流があったのか、アクアマンが地上に逃げた際、オームは再びデイビッドに接触を図ります。

自業自得ではあるもののアクアマンに父を見捨てられたデイビッドは彼に強い復讐心を持っており、オームも邪魔なアクアマンを始末するために地上で動ける優秀な手駒を探していました。

そしてオームは装備さえ強ければアイツに勝てると言いアトランティス製の最新装備と精鋭部隊をデイビッドへ譲り、彼にアクアマンの殺害を依頼します。

それに対してデイビッドは報酬に”アクアマンの命”を要求してこの仕事を引き受けました。

アトランティスでも最強の戦士と人々から称されるオームから腕を認められるデイビッドの強さは筋金入りで、その強さこそがアトランティスとの関係を保っていた要因なのです。

技術力はアトランティスよりもデイビッドの方が高い！？

デイビッドはオームから譲り受けたアトランティス製の装備を、自分の体にあった防具へと組み直してしまいます。

文化や技術が全く異なるアトランティスの装備を、デイビッドはどうやって構造を理解して作り変えたのでしょうか。

アーサーと張り合えるほど筋骨隆々とした体格のデイビッドですが、実は見た目に反して頭脳系のヴィランでもあったのです。

おそらく彼は部下となった海底人たちから装備の構造を聞き、中身を理解して自分好みの装備に作り直したのではと考えられます。

デイビッドに従う海底人たちはアトランティス国の中でもエリートな部隊であったため、アトランティス製の装備に詳しい人が居てもおかしくありません。

デイビッドは続編でメインヴィランになる？

装備を新調してブラックマンタとなったデイビッドはシチリアでアーサーとメラたちを待ち構えて襲いかかりますが、返り討ちに遭って行方不明になります。

しかしエンディング後に海の上を漂うデイビッドはアトランティスを信じ続けているシン博士に発見され、彼の手で助け出されました。

そしてデイビッドは自分を打ち破ったアクアマンに対してさらなる復讐を誓うところで物語が終わります。

ここから読み取れるのは、続編ではブラックマンタとシン博士がタッグを組んで活躍するということです。

今作ではサブヴィランだったブラックマンタが、次回作で博士ポジションのシン博士と協力してメインヴィランになるのではないかと考えられます。

重要な情報でなければエンディング後にわざわざデイビッドの生死を紹介する必要はないため、映画の本筋に大きくかかわる人物になるはずです。

アトランティスの存在を盲信し続けてきたシン博士と、アクアマンへの復讐しか考えていないデイビッド。

そんな二人がどのように関係を結びアクアマンと敵対するのか、これからの展開が楽しみになってきますね。

アクアマンたちが漁船に乗る意味とは？

シチリアでブラックマンタとその部下を辛くも撃退したアーサーとメラはトライデントがあると言われている海溝の国へと進路を進めます。

そこで彼らは泳いだほうが明らかに早いはずなのに、なぜか一般的な魚船で移動していました。

アーサーが先の戦いで大怪我を負っていたためかもしれませんが、一度陸で体を癒やしてから泳いでいったほうが早く着けたはずです。

考えられる理由としては敵の追跡から逃れるべく、一刻も早くシチリアを抜け出す必要があったからだと考えられます。

実は敵に居場所が把握されていたのは、メラが付けていたブレスレットに探知機が内蔵されていたためで、それに気づいたアーサーがブレスレットを捨てるよう告げました。

しかし探知機の反応が無くなったことは追跡する側にも当然分かるため、彼らはメラが消息を絶ったシチリアを中心に、しらみつぶしで彼らの捜索をするはずです。

だからこそ、アーサーが意識を失う大怪我を負っていたにもかかわらず、シチリアを無理にでも離れる必要がありました。

地上では海底人の優秀な移動手段も手に入らないため、メラは近くにあった漁船を無断で使ったのです。

ただし漁船にたまたま積んであった発煙筒が、彼らのピンチを脱する重要な鍵となっていたため、結果的に漁船を使っていなければ彼らは海に潜む怪物「トレンチ」に食べられていたことでしょう。

メラは勝手に船を持っていってしまったのですか！？

ここでは「船は公共のものである」という海底人特有の文化が見えてきますよ。

意外な神話との関連性

「アクアマン」の監督を務めるジェームズ・ワン監督は、ホラー作家のハワード・フィリップス・ラヴクラフトが生み出した「クトゥルフ神話」から大きな影響を受けていました。

クトゥルフ神話とはラヴクラフトが書いた小説群を元にした、架空の神話のことを指しています。

近年ではTVゲーム、アニメ、小説、映画といったさまざまな創作物にインスパイアされるようになるなど、知名度を少しずつ高めている神話です。

そんな「クトゥルフ神話」と映画「アクアマン」の関連性について紹介していきます。

小説・ダンウィッチの怪

映画の冒頭部分でトムとアトランナがくつろぐ場面でスノードームの下敷きとして登場する本の題名が、ラヴクラフトの書いた本「ダンウィッチの怪」でした。

この「ダンウィッチの怪」という本の内容は「人間と異種族の子供」がテーマです。

「アクアマン」は人間と海底人の子供が主人公の映画で、クトゥルフ神話に影響を受けた監督は意図的にこの本を映画に忍ばせたことが考えられます。

アクアマンのライバル・ブラックマンタ

本作のサブヴィラン、デイビッドはアクアマンの前に現れる際「Loathsomeness waits and dreams in the deep, and decay spreads over the tottering cities of men.」という言葉をアクアマンに言います。

日本語に翻訳すると「邪悪さは深淵で待ち、夢を見る。そして崩壊は人間のよろめく都市に広がっていく。」というものであり、海底から現れる恐怖の存在について述べたものです。

実はこの一文がラヴクラフトの小説「クトゥルフの呼び声」から引用された一節であり、ブラックマンタにラヴクラフトの小説を引用させたのはなにか監督の意図があったのではと考えられます。

今回海から現れたのはブラックマンタでしたが、クトゥルフ神話で海から現れる恐怖といえば偉大なる「クトゥルフ」とその眷属たちであるため、彼をクトゥルフの手先だと捉えることもできますね。

海に潜む怪物・トレンチ

トライデントが眠ると言われている海溝の国で暮らす凶悪な見た目をした魚人、トレンチです。

トレンチは「大アマゾンの半魚人」（1954年）に登場する半魚人を参考にしたと監督が語っていますが、クトゥルフ神話に登場する神話生物「深きものども」にも似た要素が取り入れられていました。

深きものどもとトレンチは人間と魚類を組み合わせたような恐ろしい見た目、殺傷力を強めるように発達した腕、炎や光が苦手といった共通点が見られます。

また、トレンチが大量に襲いかかってくる場面はホラー映画のように描かれており、ホラー作品であるクトゥルフ神話との繋がりを感じられるのです。

余談ですが、トレンチを題材としたスピンオフ映画「ザ・トレンチ」が作られる予定でしたが、残念ながら計画が白紙になってしまいました。

恐怖を色濃く描いたモンスター・ホラー映画になる予定だったそうなので、残念に思った方も多いのではないでしょうか。

トライデントの守り主・カラゼン

伝説の矛、トライデントを守る巨大な怪物「カラゼン」はクトゥルフ神話に登場する神「クトゥルフ」とよく似た姿をしていました。

さまざまな海洋生物が組み合わさった見た目や、海底に潜む伝説的な存在であることが偉大なる「クトゥルフ」と共通しています。

しかしアーサーが王として認められ、トライデントを手にした後は彼に従っており、最終決戦ではアーサー側の大きな戦力として活躍しました。

カラゼンの凄さに圧倒されがちですが、例え神の如く強大な存在であっても従えてしまう、アクアマンが手にしたトライデントが持つ影響力の強さも見逃すことはできません。

本当にさまざまなクトゥルフ神話の要素が映画に取り入れられているのですね！

クトゥルフ神話が持つ影響力の高さと、映画を彩る要素としての優秀さが分かるエピソードです。

まとめ

映画「アクアマン」は大迫力の水中アクションシーンや、CGなどを駆使した水の描写などが見どころの作品になっています。

この映画の地上で撮影されたとは全く想像もつかない見事な水中描写に初見の人は驚かされること間違いなしです。

そして2022年には続編の「アクアマン2」が上映される予定であり、これからも盛り上がり続ける作品になっています。

本作から続編にかけてどう物語が動いていくのかも注目すべきポイントでしょう。

そんな映画「アクアマン」は今までにない形のアクションを楽しみたい方や、王道で見ごたえのあるストーリーを楽しみたい方にぜひとも観てほしい作品です。

また、「ジャスティス・リーグ」などからDCEU作品に興味を持った人が初めて観る映画としてもおすすめできます。

主演は俳優、歌手、タレントとマルチに活躍する岡田准一で、映画監督兼、映像ディレクターの江口カンが務めた事で話題を集めた映画です。

原作は南勝久による漫画で、“今一番面白い漫画”として第41回講談社漫画賞で一般部門を受賞した華やかなエピソードを持ち合わせている作品となっています。

今作は、わずか6秒で標的を仕留める凄腕の殺し屋ファブルが、ボスから1年間の休業を命じられ、佐藤明という一般人として生きる事になる姿を描いたコミカル・アクションムービーです。

しかもその1年間の間に誰も人を殺してはならず、もし人を殺した場合はボスがファブルを殺すという条件付きの1年でもありました。

果たしてファブルは人を殺さず1年を乗り切れるのでしょうか！？

「ザ・ファブル」よりボスがファブルに休業を命じた理由や、何故インコを飼わせたのか？ファブルが一体どういう人間なのかを考察していきたいと思います！！

ザ・ファブル（2019年）

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見どころ
主演は『図書館戦争』シリーズなどで高い身体能力を見せた岡田准一。さらに磨きをかけた俊敏なアクションと振り切れたコミカルな演技で二面性のある主人公を演じる。
出典 : video.unext.jp

あらすじ
どんな相手も6秒以内に殺す“ファブル（寓話）”と呼ばれる謎の殺し屋。そのファブルを育てたボスは彼に殺しを禁じ、一般人として1年間暮らすことを命じる。ファブルは“佐藤アキラ”という偽名を使い、相棒のヨウコとともに一般社会に溶け込もうとするが…。
出典 : video.unext.jp

ザ・ファブル（ネタバレ・考察）

アクションと、要所に散りばめられたクスッと笑えるギャグが特徴的な「ザ・ファブル」。

ここでは「ザ・ファブル」に登場する豪華な俳優陣やタイトルの意味、アクションシーンのエピソードをご紹介していきたいと思います！！

豪華すぎる俳優が集結！！

まずこの映画での一番の注目すべき箇所は、主役の佐藤明（ファブル）を演じた岡田准一を始めとし、俳優陣が豪華すぎる！というところにあります。

ファブルの相棒役として木村文乃、今作のヒロインに山本美月、ファブルの育ての親でありボスでもある佐藤浩市と、このキャストだけでも何だかワクワクしますよね！

そして、クリーンなイメージの強い福士蒼汰や向井理が悪役として出演しているのも見ものです。

演技派俳優として実力の高い柳楽優弥、その兄貴分としてTEAM NACSの安田顕と、これはもう観ないわけにはいきません！

そして、福田雄一作品で一躍有名俳優となった佐藤二朗も、ファブルのバイト先の上司として登場します。

殺し屋が主役というだけあって、血しぶきが飛び散るシーンもありますが、痛快なアクションとコミカルな部分がそれを上手にカバーしているので、そこは一つの安心材料です。

ファブルの意味とは！？

ファブルとは“寓話”という意味です。

どんな相手でも、6秒以内に殺してしまう殺し屋という事から、本当に実在するのかどうか、寓話のような存在というところから意味がきています。

映画の登場人物がファブルの存在を“都市伝説”という風に言うシーンがありますが、寓話だったり、都市伝説だったりとそれほどファブルの存在は裏の社会で恐れられているのです。

しかし、ファブルは殺しの世界を一旦離れると、とても温厚な優しい人間という一面も持っています。

ボスからプレゼントされたインコを大切に育てるなど、非常に人間らしい面があり、そのギャップがとても魅力的なのです。

岡田准一の身体能力が凄すぎる！！

この映画の見逃せないポイントはやはり、アクションシーンです。

ファブルを演じる岡田准一の身体能力が超人離れしていて、特に地上からビルを登っていくシーンは、まるで忍者のようといえます。

アクションシーンは岡田准一がほとんどスタントなしで自ら行っており、そのクオリティの高さに、スタッフも監督も度肝を抜かれたというエピソードもあるのです。

それもそのはず、彼は数種の武術・格闘技インストラクター資格を持っているのだとか。

自室で過ごすシーンでは、何故か度々裸で生活しているファブル。

岡田准一は非常にストイックな面も持ち合わせていて、その肉体美には驚かされます。

今作品で殺陣師として関わったのは「ボーン・アイデンティティー」（2003年）などを手掛けたアラン・フィグラルズです。

そして、スタント・コーディネーターには「るろうに剣心」（2012年～2021年）「亜人」（2017年）などを手掛けた富田稔が参加しており、日本とフランスが手を組み、最強のアクションシーンが誕生しました。

岡田准一のアクションシーンは本当に見事でしたね！！

彼のアクションのスピードが速すぎて、カメラマンがその速さについていけないといった撮影エピソードもあるそうですよ！

主題歌は世界的歌姫のレディー・ガガ！！

「ザ・ファブル」のエンディング曲は世界で大人気を誇る歌手、レディー・ガガの「Born This Way」です。

この楽曲は2011年にリリースされ、彼女の実力と人気を世に知らしめた曲でもあります。

何と！レディー・ガガが日本の映画に楽曲を提供するのは“初”の事なんだとか！！

“あなたの人生はそのままで素晴らしい”という意味を持ったこの楽曲。

特殊な環境で生きるファブルやその周りの登場人物達の人生を肯定してくれているような内容や、曲の世界観が「ザ・ファブル」と非常にマッチしている、という事から選曲されました。

早い段階から楽曲提供の交渉を行い、使用許可を得るためスタッフはアメリカまで足を運んだとの事です。

親日家として有名なレディー・ガガ。多くのスタッフの苦労と努力が実を結んだエピソードでもあります。

ボスがファブルに休業を命じた理由とは？

凄腕の殺し屋として日々生活を送ってきたファブル。しかし殺しで目立ちすぎた、という理由で暫く裏稼業を休む事になります。

同じくボスの元で育った木村文乃演じるヨウコと共に、偽名を使って1年間大阪で暮らす事になるのでした。

しかし、休業する事にはボスの幾つかの考えがあったのです。

ボスは何故、ファブルに休業を命じたのでしょう？そこを考察していきます。

普通に暮らす幸せを知ってほしかった

そもそも普通の定義とは何なのでしょう？辞書によると“いつ、どこにでもあるようなありふれたものである事”とあります。

また、“他と特に異なる性質をもっていないさま”とも書いてあるのです。

ファブルは殺し屋という点で、もう普通とは異なっています。

ボスは、小さな頃から殺し屋にするために親代わりとなってファブルを育ててきました。

ファブルに対してボスは多少の申し訳なさや罪悪感を感じていたといえます。

そこで、1年間ファブルが殺しをしなかったら、一般社会に戻すということも有りだと考えていたのではないでしょうか。

普通に暮らす幸せを知って、ファブルを自由にしてあげたかった、とも考えられます。

世間一般の事を学んでほしかった

アルバイトをしたり、そこで出会った仲間との他愛もない交流から、ファブルは段々と世間一般的なものを学んでいきます。

ひょんな事から、山本美月演じる清水岬という女性と知り合うファブル。

岬は父親の借金を肩代わりし、病に伏す母親の為にアルバイトを掛け持ちするという苦労人でありながら、常に笑顔を絶やしません。

そんな岬の姿にファブルは胸打たれたといえます。

アダルトビデオに出演する事を強要された岬を救う為に、ファブルは岬への恩返しの為、裏社会の人間と再び対峙する事になります。

世間一般の人と接する事で、“恩は返すもの”、“感謝は行動で示すもの”という事をファブルは学んだのです。

ボスは、ファブルを自由にした時点で、裏社会の人間がファブルに近づく事も全てお見通しだったという可能性も考えられます。

そして、ファブルに世間一般の人と交流する事で、世間の事を学ぶと同時に、人間として成長してほしかったのです。

インコを飼わせた理由とは？

ボスがファブルにインコを飼わせた理由とは、命というものがどういうものなのかを考えるきっかけを与える為です。

そして、インコはファブルのかけがえのない家族、の役割を果たしているといえます。

因みに映画と原作ではインコの種類が違うのです。

映画に登場するのは、ナナイロメキシコインコという鳥で、原作に登場するのはズグロシロハラインコといい、似ていますが違う種類のインコで、性格も異なります。

映画ではあまりインコの出番はありませんでしたが、ファブルが家に帰ると大人しく待ってくれている大切な存在です。

今まで殺し屋として自分の任務を全うしてきたファブルにとって、インコの存在は一つの癒しとなっているのではないでしょうか。

ちなみに、インコは“カシラ”という名前です。

ファブルが色々な言葉をインコにかけ懐かせようとした時、カシラという言葉に一番反応したという事から、そう名付けられたそうですよ。

ファブルはどういった人間なのか？

ファブルは謎の多い人物です。

小さな頃から山で1ヶ月間生き延びる訓練をしたりと、ボスの元で鍛えられてきました。

感覚を研ぎ澄ませるために頭のおでこの辺りを指でトントンとやるのが、ファブルの中でのルールです。

これは、フォアヘッドタッピングというもので、主に集中力を高める時にやると効果的なのだとか。

そして、ファブルは周りの人物よりも感覚が敏感な為、異様に猫舌という面があります。

焼き魚を食べるシーンでは「熱っ！！」と他の人が「そんなに？」と疑問に感じるほど熱がります。

そして笑いどころが人よりちょっとずれている、というのもファブルの性格的特徴です。

お笑い芸人・ジャッカル富岡が大好きで、誰も笑わない彼のギャグに、一人だけ大爆笑する場面も見られます。

そして、絵のセンスがあるのかないのかよくわからないといった、不思議な世界観を持つのもファブルの魅力の一つです。

ボスや周りの人との約束は必ず守り、お世話になった人への恩は自分の命を懸けても果たす、それがファブルの格好良さといえます。

フォアヘッドタッピング…初めて聞きました！

イライラが取れてダイエットにも効果があるらしいですよ！！

ファブルはサヴァン症候群！？

ボスがファブルの事をサヴァン症候群だと言うシーンがありますが、果たして本当にそうなのでしょうか？

サヴァン症候群とは自閉症スペクトラムといった発達障害などがありながら、突出した能力を持った人の事をさします。

確かにファブルは殺しのプロで、その能力は尋常なものではありません。

しかし、ファブルは人とのコミュニケーションはちゃんととれますし、それによって日常生活に支障をきたしている、という事もないように見えます。

サヴァン症候群には大きく分けて二つの種類があり、有能サヴァンと驚異的サヴァンに分けられるのです。

有能サヴァンとは知的障害がありながら、音楽や美術の分野で本人の知的能力を大きく上回る能力を持つ人間の事をさします。

そして驚異的サヴァンとは、知的能力に関わらず、目を見張るような極めて優秀で、特別な能力がある人間の事をそう呼ぶのです。

驚異的サヴァンとは世界でも100人に満たないほどの確率とされているので、もしファブルがサヴァン症候群なのであれば、この驚異的サヴァンの方に分類されるといえます。

「ザ・ファブル」みどころポイント

岡田准一という俳優の凄さが際立っている映画「ザ・ファブル」。

ここでは今作品の見どころポイントを伝えていきたいと思います。

とにかくアクションシーンがすごい！！

ラスト30分のド派手なアクションシーンはこの映画の最大の見せ場です。

敵をなぎ倒しながらも致命傷は外す=ボスの言うとおりに絶対に人は殺さない。これはファブルにしかできない神業なのではないでしょうか。

息を呑むようなアクションシーンで、100人はいるのではないかと思われる、敵達を次々に倒していくファブルの姿は本当に格好いいです！！

自分を育ててくれたボスの命令を遵守し、まがい物の銃と自らの闘いの知恵と経験を駆使して無事に岬を救出したファブル。

これにはボスもびっくりで、生き残った敵達はボスが後始末をする、という結果に至りました。

ファブルは見事“絶対に人を殺さない”というボスとの約束を守り通したのです。

そして、またファブルは一般人と同じ生活に落ち着きます。

弟分と兄貴分の切ない別れ

そして、柳楽優弥演じる小島と、安田顕演じる海老原の悲しい師弟関係の終わりも見どころの一つです。

小島は岬をAV業界に売ろうとした張本人で、それは絶対にやってはいけないと兄貴分である海老原から釘を刺されていました。

しかし、そのルールを守らなかった為に、海老原は小島の頭を銃で撃ち抜きます。

弟分として小島のことを可愛がっていた海老原。

海老原の気持ちを考えるといたたまれない気持ちになりますが、裏の社会ではこういった事は日常茶飯事の出来事なのではないでしょうか。

小島を殺す事で兄貴分として海老原はけじめを付けたのです。

そして殺される直前、「足を洗ってカタギになる」と小島はそう言って自分の罪から逃れようとしました。

小島を撃ち殺し、向井理演じる砂川に死んだ小島の写真を見せたのは、弟分が散々周りに迷惑をかけた事に対しての謝罪と、それに対して落とし前をつけたという意味なのです。

コミカルな部分もお見逃しなく！！

この映画のコミカルな部分ってどこ？と端的に問われると一言では言い表わせないという部分もあります。

しかし、今まで殺し屋としてしか生活してこなかったので、ファブルが個性的で変わり者、という部分がこの映画では非常に際立って描かれており、そこが面白さを放っているのです。

枝豆を皮ごと食べたり、さんまを頭から食べようとしたり、最後のシーンでは手羽先を骨ごと全部食べてしまいます。

そういった部分がファブル=変人？というように描かれていてくすっと笑えるのです。

凄腕の殺し屋ながら、普段は天然的な要素を見せるファブルのギャップがこの映画のコミカルな部分といえます。

続編も誕生！！

そして何と！「ザ・ファブル」の続編として、実写映画第二弾「ザ・ファブル 殺さない殺し屋」でファブル達がまたスクリーンに見参します！！

主要キャストは変わらずで、新キャストとして堤真一、平手友梨奈、安藤政信、橋本マナミなどこれまた豪華なキャストが勢揃いしました。

続編は「ザ・ファブル」の原作において、ファンの間で“一番泣ける”と言われている「宇津帆編」です。

堤真一演じる宇津帆を軸に話が展開していくようですが、ファブル達は今度はどんな活躍を見せてくれるのでしょう！？

まとめ

以上、「ザ・ファブル」から何故、ボスはファブルに休業を命じたのか？インコを飼わせた理由、ファブルの人物像について書いてきましたが如何でしたでしょうか！？

「ザ・ファブル」はただ“殺し”というものを描いただけの作品ではありません。

色々な人の人生や感情、そういったものを時にコミカルさを交えながら味わえる映画となっています。

血しぶきが飛び散るシーンもあるので、家族向けではありませんが、恋人や友達とワイワイとしたい時におすすめの1本です！！

「マトリックス」（1999年）「コンスタンティン」（2005年）とアクション映画で何度かブレイクしてきた俳優であるキアヌ・リーブスが主演を飾り、伝説の殺し屋を演じています。

監督は「マトリックス」でキアヌのスタントダブルを担当し、続編シリーズではアクション/スタントコーディネーターを務めたチャド・スタエルスキです。

共同監督にはデヴィッド・リーチが参加しており、彼は実力を評価され「デッドプール２」（2018年）や「ワイルド・スピード/スーパーコンボ」（2019年）を監督します。

スタイリッシュなアクションの映像表現で、多くのファンを生み出した本作は2010年代からのアクション映画に大きな影響を与えました。

ストーリー的には単純明快な内容なのになぜここまで人気が出たのか、面白さの秘密を考察しつつ、内包する魅力についてお伝えしていきます。

「ジョン・ウィック」って何本出てるんですか？

シリーズ完成作が3本、撮影中のものが2本、スピンオフが2本予定と盛りだくさんだよ。

ジョン・ウィック（2014年）

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ジョン・ウィック（キアヌ・リーブス）はどんな仕事も強靭な執念でやり遂げる凄腕の殺し屋だったが、最愛の妻との結婚を機に引退する。

結婚から５年後に妻は病死してしまうが、残されたジョンが寂しくないように、忘れ形見としてデイジーという子犬が届くよう手配しておりジョンは安らぎを得る。

だがある日、愛車を盗みに来たチンピラに自宅を襲撃され、子犬が殺されてしまう。

車を盗んで犬を殺したのが、過去ジョンが力を貸していたロシアン・マフィアのボス・ヴィゴの息子であることを聞いたジョンは、復讐を決意する。

ジョンの恐ろしさを知っているヴィゴは交渉しようとするが無言で断られ、息子を守るためにジョンを殺すことを決意。ジョンの家に兵隊を送るが皆殺しにされてしまう。

なんとしてでも息子を守りたいヴィゴは、高額のギャラを提示して殺し屋たちにジョンの殺害を依頼していくのだが…。

ジョン・ウィック（ネタバレ・考察）

初監督作品となったチャド・スタエルスキと、共同制作しながらプロデューサーにクレジットされることになったデヴィッド・リーチの出世作である「ジョン・ウィック」。

登場人物のドラマには様々な作品や実話にインスパイアされたものがあり、その事実を知るとより深く映画を楽しめます。

キアヌ・リーブス再ブレイクのきっかけにもなった本作のトリビアや裏話をお届けしますので、ご覧ください。

愛犬を殺されて犯人を追跡したのは実話がモデル

ジョンが愛犬を殺されて報復する、というプロットは実話がモデルになっています。

アフガニスタンでの作戦行動中にタリバン軍により仲間を失い、たった一人で生還したマーカス・ラトレルというアメリカ海軍特殊部隊員が、怪我により除隊しました。

そんな彼が精神のケアのために友人から送られ、戦死した友人の頭文字から取った愛犬の名前が「デイジー」だったのです。

ある夜、自宅で室外からの銃声を聞いたマーカス氏が庭に行くと、そこにはすでに息絶えたデイジーの姿がありました。

死んだデイジーのそばで談笑していた犯人に銃を向け警告すると犯人は逃亡し、マーカス氏は車で彼らを追跡します。

犯人たちは追いかけてくるマーカス氏に対し罵声を浴びせたり脅したりと敵対行動を取りますが、マーカス氏は射殺せず警察に連絡し、犯人が逮捕されるまで追い続けたのです。

殺さなかった理由が「すでに多くの人を殺してきたから、彼らの命は奪わなかった」ということですから、犯人は運が良かったといえます。

ちなみにマーカス氏のアフガニスタンでの体験は手記になり、「ローン・サバイバー」（2014年）というタイトルで映画化されているのです。

知らなかったとはいえ、特殊部隊出身者の家に襲撃をかけるとか正気の沙汰ではないですね。

ジョンも軍隊出身という設定があるので、ある程度キャラクター作成のモデルになっているのではないでしょうか。

鉛筆で人を殺したエピソードには引用元がある

たった1本の鉛筆で3人の相手を殺せる凄腕のヒットマンで、殺し屋を殺す存在として裏社会では知らないものは居ない。

ロシアン・マフィアの長である父親のヴィゴが、息子のヨセフにジョン・ウィックの恐ろしさを教えて聞かせるシーンがあります。

この鉛筆で人を殺せるというエピソードは、アメリカの作家であるトレヴェニアンが執筆した「シブミ」という小説に同じ描写があります。

いかにジョン・ウィックが超人的な殺し屋かを描写するために引用されているのですが、それを証明するように映画の中で「シブミ」が登場するのです。

車好きのジョンが愛車であるフォード・マスタングを乗り回すために空港の敷地に入るのですが、ゲートを開けてくれる警備員が「シブミ」を読んでいるのが見えます。

監督なりのイースター・エッグなので、見逃してた人は該当シーンをチェックしてみましょう。

ヨセフの取り巻きは「マトリックス」ファン？

ジョンに命を狙われ、厳重な警備が敷かれたセーフハウスに引きこもるヨセフと取り巻きたちですが、取り巻きの一人がFPSゲームである「DUST 514」をプレイしています。

このとき画面上にプレイヤーネームが表示されのですが、そこには「ネオ」の文字が！

もちろんこれはキアヌの代表作である「マトリックス」の主人公の名前で、チャド監督とキアヌが出会うきっかけになった作品に対しての示唆になっています。

「マトリックス」が繋いだ縁

チャド監督が「マトリックス」でキアヌのスタント代役を務めたことは前述したとおりですが、登場するキャラクターに何人か「マトリックス」シリーズの出演者がいます。

ジョンが怪我をし、コンチネンタルで治療を受けたときのドクターは、「マトリックス・リローデッド」（2003年）に登場したキーメーカーを演じたランダル・ダク・キムです。

ヨセフの護衛をしているリーダー格の男キリルは、同じく「マトリックス・リローデッド」でエージェントを務めたダニエル・バーンハードが演じています。

10年以上も経過して、関係者が別の作品で1つの撮影現場に集まるというのはなかなか無いことなので、関係者の絆の強さを感じるエピソードです。

続編「ジョン・ウィック:チャプター２」では「マトリックス」シリーズでモーフィアスを演じたローレンス・フィッシュバーンが登場するのも、確信的なキャスティングでしょう。

コンシェルジュの名前が示すもの

殺し屋たちが利用するコンチネンタル・ホテルのコンシェルジュはシャロンという名前ですが、ギリシア神話に登場する冥界の渡し守であるカロンと表記が同じになります。

カロンは渡し賃を払う死者の霊を冥界に送り届ける存在で、古来ギリシアでは死者が無事に冥界へ行けるよう銀貨を持たせて弔いました。

ジョンを始めとした裏社会の人間が、彼らの世界で独自に流通している金貨を渡すことで特別な世界であるコンチネンタルに入れるのは、この逸話から来ているのでしょう。

「ジョン・ウィック」が魅力的な理由

一見物静かで車と子犬を愛する普通の人に見える男が、実は死神だったという分かりやすいプロットを、登場人物の語り口や態度で最大限に盛り上げてくれる本作。

彼の復讐劇がどれほど観客を惹きつけたのかを、映画を構成する文脈から考察します。

観ている人の興味を序盤で期待に変えている

ジョンは最愛の妻を失った悲しみを抱いているときに、妻からの最後の贈り物として家族となる子犬を迎えます。

悲しみに包まれた心をほぐしてくれる無邪気な子犬が、チンピラに殺されてしまうシーンが描かれたことで、観客はジョンの怒りを共有するのです。

この感情が早い段階で共有されていることでジョンの活躍を素直に応援できるうえに、関係者に引退前のジョンがどれだけ凄かったのかを語らせることで期待感が増します。

あえて理由付けをストレートに提示し、アクションの説得力で主人公の強さと証明しているので、映画としての爽快感が増大しているのです。

ジョンの最大の強さは技術ではなく精神

「ジョン・ウィック」が単純なヒーロー物にとどまらない要素の１つとして、ジョンが傷いたり、治療したりするシーンが含まれていることが挙げられます。

伝説の殺し屋と呼ばれていても、引退して結婚し普通の生活を送っていた5年のブランクが有り、敵も少人数ではなくニューヨークを支配するロシアン・マフィア全員です。

敵を倒すために傷つき、時にはピンチに陥るジョンですが、鋼の意志で苦難を突破します。絶対に目的を達成する精神力こそがジョンを伝説足らしめています。

一方で妻や子犬を愛する優しさや、傷つき痛みに顔をしかめる人間くさいところが、伝説上の存在であるジョンに対して親近感を持たせてくれるのです。

ただ強いだけでなく、魅力的にデザインされているジョンは、キアヌ・リーブスの演技と監督の演出が噛み合ったからこそ誕生したのでしょう。

アクションシーンのこだわりと系譜

もともとハリウッドスターのスタントダブルだった監督2人が手を組み、名作アクションを生み出したのは偶然ではありません。

両者ともに様々な映画でアクション監督を務め、実績を積みあげていき、「ジョン・ウィック」という作品で才能が開花する流れはまるでドラマのようです。

チャド・スタエルスキとデヴィッド・リーチがどういう経緯で交流を始め、アクション映画の魅力という哲学を追求していったのかを紐解いていきましょう。

もともとは同じ師の元で学ぶ武術家だった

チャド・スタエルスキはもともと格闘家で、試合をするために来日したこともある有能な選手であり、総合格闘技のタイトルをいくつか保持していたのです。

デヴィッド・リーチも格闘技を学んでおり、キックボクシングの試合に何度か出場し、勝利を収めています。

そんな二人の共通項は映画俳優であり武術家であったブルース・リーが考案した武術、ジークンドーを学んだことです。

時期は違いますがブルース・リーの直弟子であるダン・イノサントに師事し、格闘技の技術とアクションの素養を鍛えました。

両者とも大学を卒業した後、格闘技のジムを開きインストラクターとして働いていたのも共通項になります。

スタントダブルとしてキャリアを積む

チャドのスタントダブルとしてのデビューは、ブルース・リーの息子であるブランドン・リーが出演していた「クロウ/飛翔伝説」（1994年）です。

ブランドンが撮影中の事故で死亡したため、追加アクションを撮影して映画を完成させるために、彼の友人かつ同じ格闘技を学び、彼の動きをよく知っていて姿も似ているチャドが選ばれました。

これをきっかけにスタントマン、スタントダブル（タレントのスタント時の代役）としての経験を積んでいましたが、そんなときに出会ったのがデヴィッド・リーチです。

元同門で格闘家でもあった二人は意気投合し、デヴィッドもスタントマンとしてのキャリアを歩み始めます。

チャドは「マトリックス」でキアヌのダブルを務め、アクションの実力を示した結果、続編である「マトリックス・リローデッド」でスタント・コーディネーターに昇進。

デヴィッドは「ファイト・クラブ」（1999年）でブラッド・ピットのスタントダブルを担当するなど実績を積んだあとに、「マトリックス・リローデッド」にスタントで参加するのです。

この頃の縁が元になって、お互いのアクションに対する理念が一致した結果「ジョン・ウィック」が誕生しました。

チャドとデヴィッドがアクション専門ユニットを作る！

「マトリックス」シリーズで武術指導・アクション監修を務めているユエン・ウーピンがアクションを専門に担当するチームを率いていることにチャドとデヴィッドは衝撃を受けます。

ハリウッド映画ではアクション担当するものが作品ごとに集まり、クランクアップしたら解散するというのが慣例化しており、アクションの技術を継承していく土壌がなかったのです。

これを機にチャドとデヴィッドは「アクションの技術を後進に伝えつつ、ユニットとして活動しレベルを向上させよう」と考え、アクションユニット「87eleven」を設立します。

スタントマンの育成やコーディネートだけでなく、出演俳優のトレーニングにも使われるようになった87elevenは、多くのハリウッド作品から引っ張りだこになりました。

2人と出演者の鍛錬が実り、「ジョン・ウィック」で見せる格闘シーンやアクションは最先端の戦闘技術がふんだんに埋め込まれた見ごたえのあるものになっています。

拳銃の構え方も独特ですし、必ず頭にトドメの1発を撃ってますよね？

軍や警察でも採用されるスタイルが描かれてるね。頭を撃つのは防弾チョッキに邪魔されないためです。

まとめ

アクションシーンを細かいカットの組み合わせでごまかすのではなく、じっくりと長い尺を取って動きを見せることで魅力的に仕上げている「ジョン・ウィック」。

新しいヒーローの誕生に全世界は喜び、続編やスピンオフが作られるほどに人気のあるコンテンツになりました。

世界観の設定や説得力のあるキャラクター作りと、キアヌ・リーブスの哀愁と怒りが静かに伝わってくる演技に魅了されること間違いなしです。

50代を過ぎてもなおキレのある動きを魅せてくれるキアヌと、彼を鍛え上げたユニットの実力が存分に発揮されていますので、改めて登場人物の所作に注目してはいかがでしょうか。

キアヌ・リーブス主演「コンスタンティン」が気になる方はこちら！

コンスタンティン（ネタバレ・考察）オカルトファンにはたまらない傑作！映画に秘められた神のメッセージを徹底考察

「コンスタンティン」は2005年に制作されたキアヌ・リーブス主演のオカルトアクション映画です。 悪魔祓いとして活躍する探偵ジョン・コンスタンティンをキアヌがかっこよく演じ、多くのファンを作りました。 宗教的な要素が強く、悪魔が登場することからアメリカではR15+指定を受けましたが、独特のスタイリッシュな武器や設定は大人

主演はデンゼル・ワシントン、監督はアントワーン・フークアが務め、デンゼルがアカデミー男優賞を獲得した「トレーニング デイ」以来のタッグとなりました。

寡黙で親切心に溢れる男が、ある事態をきっかけに悪を裁く仕事人として自分のアイデンティティーを見出していく物語ですが、単純なアクションに収まらない仕上がりになっています。

演技派で知られるデンゼル・ワシントンが珍しくアクションに出演し、作品の評価が高かったことと役柄への愛着から、初めて続編に出演するきっかけになった本作。

観るとスカッとする勧善懲悪モノの傑作について、トリビアと考察を交えながら解説していきます。

デンゼル・ワシントンといえば社会派の硬派な役者さんというイメージがあります！

硬派なイメージを崩さずに新境地を開いたのが、この「イコライザー」だよ。

イコライザー（2014年）

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ボストンのホームセンターで勤勉に働き、同僚たちの悩み相談に乗るなど、優しくて誰からも信頼されるロバート・マッコールは平穏な日々を暮らしていた。

不眠症気味の彼の憩いは、深夜のダイナーで小説を読むこと。同じ店の常連である娼婦のアリーナとささやかな友情を築いていた。

ある日アリーナはロシアン・マフィアであるスラヴィから見せしめとして激しい暴行を受け、集中治療室送りにされてしまう。

彼女の惨状を知ったロバートはスラヴィの元に出向きアリーナを開放するよう交渉するが、アリーナを死ぬまで働かせる気でいるスラヴィと交渉は決裂。

元CIAのトップエージェントであり、静かな怒りに燃えたロバートはその場にいたマフィア5人を19秒で皆殺しにする。

事件を受けてロシアン・マフィアのボスは部下のテディを派遣。テディは暴力を使って情報を集め、推理からロバートに目星をつけるが、ロバートは尻尾を出さない。

逆にマフィアが関係する悪事を暴きつつ破壊工作を行い、壊滅状態に追い込む。テディはホームセンターの従業員を人質にロバートをおびき寄せようとするのだが…。

イコライザー（ネタバレ・考察）

本作では主人公であるロバート・マッコールにちなんだ隠し設定や、本作のオリジナル作品となる「ザ・シークレットハンター」への目配せなどが随所に盛り込んであります。

知ることでより映画を楽しめるトリビアを中心に紹介しつつ、見返すときの気付きになるシーンを紹介していきましょう。

ロバートは強迫性障害を持っている

元となるスクリプトにはロバートに関しての裏話がなかったため、デンゼル・ワシントンはキャラクターを膨らませるために様々なアイディアを出しました。

その一つがロバートの強迫性障害です。彼はダイナーに入ったときにナイフ、フォーク、スプーンを自分の決めた位置に配置し直します。

またスラヴィのアジトに乗り込んだときも机の上のものを整理したり、ドアの立て付けを確認したときに何度も開けたり閉めたりしているのです。

これは強迫性障害の症状の１つである、物の配置によるこだわりや確認行為の繰り返しを表しています。

デンゼルはこれらの症状を表現するために、強迫性障害の患者に会い、インタビューを重ねたそうです。

ヒロインのアリーナを全力で表現したクロエ・グレース・モレッツ

本作のヒロインでキーマンとなるアリーナは、クロエ・グレース・モレッツがオーディションを受けるだけでなく監督に手紙を書き続けるなど猛プッシュして役を射止めました。

アリーナはもともと24歳ぐらいの設定でしたが、クロエの演技を見た監督が設定を変え、少女娼婦になったのです。

映画公開時、クロエは若干17歳。「キック・アス」（2010年）でヒット・ガールを演じていたころは13歳でしたが、ハイティーンになって雰囲気が変わっています。

それもそのはず、演じる際に娼婦へインタビューするなど役作りに励んだ結果、「娼婦は少しふくよかな方がいい」とアドバイスされ、7kgほど増量して演じているのです。

デンゼル・ワシントンからも強い推薦があったみたいですね。

過去のクロエのイメージが強い人は初見の際に彼女だと気づかないかもしれません。

「ミッドナイト・ラン」に向けての目配せ

ロバートはロシアン・マフィアが政治家や権力者に金を渡してコネクションを作っている情報を掴み、その証拠をFBIにメールして電話でメールを見るよう促します。

このとき呼び出した相手は特別捜査官のモーズリーですが、この役職と名前はロバート・デ・ニーロ主演映画「ミッドナイト・ラン」（1988年）に登場するFBIの特別捜査官と同じなのです。

監督が仕込んだイースターエッグの１つで、気づいた映画ファンには嬉しい贈り物になっています。

「ザ・シークレットハンター」との共通点

本作の元となった「ザ・シークレットハンター」（原題：Equalizer）は1985年～1989年まで放送されていたアメリカのTVドラマになります。

元スパイの主人公が培ったスキルを用いて法で裁けぬ悪を人知れず成敗するという、日本の時代劇「必殺仕事人」を思わせる1話完結型の番組です。

ラストで、ロバートがPC向け広告に「Odds Against You？Need Help？」（困っていないか？　助けは必要か？）と表記し、届いたメッセージに返信します。

これは「ザ・シークレットハンター」の中で主人公が助けを求める人向けに出した新聞広告の文章と同じで、原案へのリスペクトを込めてこのシーンが使われているのです。

またスタッフロールで使われているフォントも「ザ・シークレットハンター」で使われていたものを使用しており、こだわりが見て取れます。

警備員を目指していたラルフィーがトレーニング中に着ていたのがバンド「フォリナー」のシャツなのは、彼らの曲が「ザ・シークレットハンター」のフランス版を宣伝するときに使われていたためです。

運命に導かれるように正義を執行するロバート

CIAのエージェントとして最前線で戦いながら、妻の死をきっかけに自分の死を偽装して手に入れたはずの日常を、ロバートは自らの意思で手放します。

アリーナを始めとした虐げられている人々、街に潜む悪を見過ごせなかった正義感もあるのでしょうが、元CIAの友人に許可をとってまでマフィアを壊滅させるには理由があるはずです。

劇中でのロバートの描写と、心の移り変わりについて考察していきます。

不眠症の原因と解決

ロバートの生活ルーティンは昼間仕事をし、夕方から夜は家で過ごし、深夜になると行きつけのダイナーでお茶を飲みながら読書をするというものです。

アリーナが病院送りにされたとき、ロバートはスラヴィの元に向かいますが、手下もろともスラヴィたちを壊滅させた夜はベッドで安眠を貪っています。

これはロバートが平穏な日常を過ごしていることに実は満足しておらず、正義の遂行を果たしたときに心にやすらぎが訪れているのではないでしょうか。

許可をとってからマフィアを壊滅させる律儀さ

スラヴィは只の女衒ではなく、ボストンでマフィアのビジネスを仕切る幹部でした。彼がが死亡したことを受けて、問題解決のエキスパートであるテディが送り込まれてきます。

凄腕のテディはロバートの周辺調査をしますが、すべてがまやかしであると見抜きます。ロバートは自分の履歴を完全に偽装しているため、あまりにクリーンすぎるのです。

このことでますます疑念を強くしたテディはロバートの捕獲作戦を決行しますが、手下が簡単に返り討ちに会い、自分と手下の写真を撮られてしまうありさま。

ロシアン・マフィアとテディ、ボスであるプーシキンの関係と、ボストン警察にまでその影響が及んでいることをかつての同僚から聞いたロバートはこれを壊滅させることを決めます。

このとき事前に許可を得たのは、自分の正体がバレないことを考えての根回しと、大規模な破壊工作が伴うため起きることを闇に葬って欲しいためでしょう。

ボストン警察にいた内通者は殺さず、マネーロンダリングの現場に案内させた後に警察を呼んで逮捕させ、プーシキンから資金提供を受けている政治家などの情報をFBIに送ります。

さらにはプーシキンの所有する石油タンカーを爆破し、ボストンを中心とした東海岸一帯のビジネスを壊滅状態に追いやるのです。

元工作員だったロバートは、国の掲げる正義ではなく、自分の中の正義と守るべき人のためにに能力を使うことに、やりがいを感じていたでしょう。

ホームセンターにあるものや身の回りのもので攻撃するのも特徴的ですね。

自前の銃器や爆発物を直接使っているシーンがないのもこの映画の面白いところです。

「イコライザー」は単純明快なアクションではない理由

テディはロバートを追うためにボストンに派遣され知略と暴力、金の力でボストン市警すら手中において事件の解決に動きます。

ここからはロバートではなくテディの物語に一度シフトしますが、テディは全能のはずなのに作戦がうまく行かず追っていたロバートから追われることになるのです。

この話の流れで追跡者であったテディを始めとしたロシアン・マフィアと、ターゲットだったロバートの位置関係が逆転する構造が見事に描かれます。

アクション映画でありながら観客へのメッセージを込めるシーンが多くなったため、平均的な同ジャンルの作品よりも上映時間が長くなった理由を考察していきましょう。

ロバートが読んでいた「老人と海」に秘められたメッセージ

ロバートは不眠症を紛らわすために、生前の妻が挑戦していた「死ぬまでに読むべき100冊の本」を自分も読破しようとしていました。

アリーナと出会ったときに読んでいたのはヘミングウェイの「老人と海」で、年老いた漁師が巨大カジキと死闘を繰り広げる短編です。

勝利した漁師でしたが、船に載せられないサイズのカジキを海中で引っ張りながら進むと、傷ついたカジキの流れる血でサメが集まり、カジキは骨だけになってしまいます。

この下りをアリーナに説明すると、アリーナは「無駄だったってこと？」と問いますが、ロバートは「老人は強敵に会い、それを乗り越えたことが大事」と答えるのです。

これはロバートが老人で、ロシアン・マフィアすなわち悪がカジキであることを暗喩しているのではないでしょうか。

人生という航海のなかで倒すべき相手を見つけそれに打ち勝つということが、本作のメインストーリーだと示唆しているのです。

ボストンの王がテディやプーシキンではなくなる意味

ボストンを訪れたテディが半裸で寝そべる姿が、ボストンの夜景にクロスフェードしていくのは、テディがボストンを支配する「王」の座を握っているという描写でしょう。

実質、街を裏側で支配しているロシアン・マフィアのリーダーとしてテディは邪魔者を簡単に排除できると考えていました。

しかし正体不明の相手が何者か最後までつかめないまま、部下とともにホームセンターでテディは処刑されます。

そして3日後にはボスであるプーシキンがロバートの手によって消され、ボストンの王はロバートになったのです。

権力ではなく平和を求め、弱者のために力を振るう街の守護者が誕生しました。

この王殺しの文脈は、ジェームズ・フレイザーが執筆し、映画「地獄の黙示録」でも登場した書物「金枝篇」になぞらえて作られていると考えられます。

王を殺したものだけが王を引き継ぐ資格があるという風習を、ロバートが「夜の仕事」で達成したと告げているのです。

冒頭の格言が表すものとは

この映画の冒頭には、作家であるマーク・トウェインの格言「人生で一番大事な日は二日ある。生まれた日と、なぜ生まれたかを分かった日だ」が記されています。

自身が持つ能力を隣人の平和に使い、混乱にかたむいている天秤のバランスを戻す存在になったとき、ロバートは「なぜ生まれたか」を知ることになりました。

「均衡を保つ人」と「致命的な武器」の2つを意味するイコライザー（equalizer）がここに誕生し、困っている人を助ける新たな人生が始まるのです。

まとめ

文学を好む寡黙な男性が、自分の生きがいを知り正体不明の自警団になる本作は、明快なアクションでありつつも演出や織り込まれたメッセージで深い余韻を残すのです。

ときには実力行使で、ときには冷静に相手を諭し、言葉を荒げることもなく悪を消し去っていくさまは新しいヒーローの誕生を感じさせます。

デンゼル・ワシントンという名優がロバートを演じたからこそ、この奥深さが出たのではないでしょうか。

未見の方はその面白さで体感時間が短くなる「イコライザー」を是非ご覧になってください。

漫画家・浦沢直樹のヒット作「本格科学冒険映画 20世紀少年」の実写映画で、主人公のケンヂ役に唐沢寿明を起用するなど、豪華な俳優陣が集結した事でも話題を集めた映画です。

監督は「ケイゾク」「池袋ウエストゲートパーク」「TRICK」「SPEC〜警視庁公安部公安第五課 未詳事件特別対策係事件簿〜」シリーズなどの演出を担当した堤幸彦が務めました。

世界滅亡の危機を救うべく“ともだち”と呼ばれる謎の存在に立ち向かう、かつての仲間達の姿を描いた、近未来SFアクション映画です。

今回は映画「20世紀少年」からネタバレや考察、あらすじや映画の小話などを交えながら今作品の魅力をご紹介していきたいと思います！！

本格科学冒険映画 20世紀少年（2008年～2009年）

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時は20世紀末、主人公のケンヂこと遠藤健児（唐沢寿明）は突如失踪した姉・キリコ（黒木瞳）の娘であるカンナの面倒を見ながら、母親と共にコンビニを営んでいた。

世間では“ともだち”と呼ばれる謎の人物を教祖とした新興宗教が勢力を拡大しており、また世界では全身から血を噴き出して死亡する伝染病が広がり人々を不安に陥れているのであった。

ある日、小学校の同窓会に出席したケンヂは友人達から、“ともだち”が昔自分達が考えた“よげんの書”に書かれた事と似た話をしている事実を知る。

“よげんの書”の内容とは悪の組織が世界征服を企み、人類滅亡計画を立て、それに対して世界の危機を救うべく9人の戦士達が立ち上がるというものであった。

やがて“よげんの書”に書かれた事は次々に現実となり、テロや謎の細菌兵器によって世界中の平和が壊されていく。

それに対してケンヂを始めとする小学生時代の仲間達は、人類の危機を救う為に立ち上がる。

果たしてケンヂ達は人類滅亡の危機を救えるのか！？そして“ともだち”の正体とは…！？

本格科学冒険映画 20世紀少年（ネタバレ・考察）

「20世紀少年」は第1章から第3章まである大作映画です。

映画「20世紀少年」にはどんな小話があるのでしょう？いくつかご紹介していきます。

豪華すぎる俳優陣！！

映画「20世紀少年」の注目ポイントは主演の唐沢寿明に続いて、豊川悦司、常盤貴子、香川照之、石塚英彦、宮迫博之、宇梶剛士、生瀬勝久、小日向文世、佐々木蔵之介、黒木瞳、石橋蓮司など名前を挙げただけでも早々たるメンバーが集結しているところです。

そして、それぞれの配役が期待通りだと原作ファンの間でも話題になりました。

総制作費60億円、総キャスト数300名を動員して作られたというこの映画。

超豪華俳優達の名前を見ただけでもワクワクする展開の作品となっています！！

端役も豪華な出演者で固められた映画！！

数々の名の知れた俳優やお笑い芸人が端役で出演しているところもこの映画における注目ポイントです。

第1章では“ともだち”の指示で造られた、大型ロボットが撒く細菌兵器によって殺される役として、お笑い芸人のオリエンタルラジオが出演しています。

第1章、第2章では豊川悦司演じるオッチョと共に脱獄する漫画家役で森山未來、第3章では“ともだち”によって作られた組織・地球防衛軍の隊員として俳優の高嶋政伸、芸人の田村淳なども出演していてびっくりです！

名前のない出演者や、台詞もほんの少しの出演者もいますので、「こんなところにこの人が！」と宝探しのような気分で探してみて下さい！！

平愛梨の出世作となった作品

平愛梨といえば、プロサッカー選手の長友佑都の奥さんとして有名ですが、彼女はれっきとした女優でもあります。

オーディションで約3千人の応募者の中から見事カンナ役に大抜擢されたという、すごいエピソードを持つ人物なのです。

カンナ役のオーディションに受からなかったら、芸能界を引退しようと考えていたという平愛梨。

映画｢20世紀少年」は彼女の大きな転機ともなった作品なのです！

第1章は高校生になったカンナが姿を表すところでラストを迎えます。

第2章、第3章では今作品の一番のキーパソンであるカンナが大活躍を見せるので、結末まで見逃せません！！

また、カンナの別名である「運命の子」「神の子」「氷の女王」という呼び名は、SF作家・平井和正と漫画家・石森章太郎の共同制作である長編SF作品の「新幻魔大戦」からつけた呼び名なのだそうです。

海外でも大人気の作品！！

浦沢直樹による原作は海外でも人気が高く、累計発行部数2500万部を超え、世界12ヶ国で翻訳出版されています。

「20世紀少年」は特にフランスでの人気が高く、パリでは第1章日本公開に先駆けて「20世紀少年」ワールドプレミアが開催されるなどの人気ぶりを博しました。

2004年には“漫画界におけるカンヌ”と呼ばれるアングレーム国際漫画祭で最優秀長編賞を受賞するなど、偉大な功績を残しています。

日本の漫画やアニメは世界に誇れる宝です。

「20世紀少年」も漫画・実写映画の双方で世界に多大なる影響を与えた作品となっています。

ともだちの正体とは？

“ともだち”の正体が誰なのか、これがこの作品の一番の醍醐味ですよね！

そうですね。さてさて、どんな人物が候補になるのでしょう？

今作品で一番の目玉となるのは、やはり“ともだち”と呼ばれる怪しい新興宗教の教祖で、後に世界まで牛耳る人物が一体誰なのか？というところです。

ケンヂ達の小学校の同級生というところまではわかっていますが、最後の最後までその正体は明かされません。

数々の説がある“ともだち”の正体を考察していきます。

サダキヨ説

いつもナショナルキッドのお面を被り、ケンヂ達が遊ぶのを羨ましそうに見ているサダキヨ。

本名は佐田清志といい、大人になった彼はユースケ・サンタマリアが演じました。

典型的ないじめられっ子で、いつもお面を被っている事から、小学生の頃は常にからかわれる対象だったという悲しい過去を持っている人物です。

大人になり、教師になったサダキヨはカンナが通う高校に新任の英語教師としてやってきます。

ともだち博物館でカンナや、カンナの同級生である小泉響子を守り、自らは灯油を撒いて焼身自殺をしました。

原作ではケンヂたちと再会し、“ともだち”の正体を知る為に一緒に闘うという設定になっていますが、映画では第2章の段階で亡くなってしまうのです。

第2章で亡くなってしまう事から、サダキヨは“ともだち”ではありません。

しかし、“ともだち”の正体を知っている可能性は大です。

ヤン坊・マー坊説

ヤン坊・マー坊はケンヂ達の小学生時代の同級生で、いじめっ子の双子であり、その体格の良さからケンヂ達が敵う相手ではありませんでした。

大人になったヤン坊・マー坊は佐野史郎が一人二役で演じています。

会社を起こして成功するなど、いじめっ子であった子供時代の面影はなく、最終章ではオッチョ達の味方になる事から、彼らも“ともだち”の正体ではありません。

二人が“ともだち”の正体として疑われる理由は“ともだち”には替え玉がいるのではないか？という推理からきたものです。

しかし結果的にケンヂ達仲間に協力した事から、この二人が“ともだち”の正体であるという説は消えました。

フクベエ説

フクベエもまたケンヂ達の同級生です。

大人になったフクベエは佐々木蔵之介が演じています。

第1章で描かれた2000年血の大みそかで細菌をばら撒くロボットを操る人物ともみ合いになり、屋上から転落死しました。

しかし、皆の記憶があやふやで、物語の終盤に差し掛かる頃、フクベエが実は小学5年生の時に交通事故か何かが原因で亡くなっているという事実をケンヂは思い出すのです！

小学校の同窓会にも出席している姿が確認されており、フクベエを名乗るこの人物の正体が、物語の進行と共に次第に謎のベールで包まれていきます。

フクベエを名乗るこの男の正体とは…。

彼こそが“ともだち”の正体なのでしょうか！？

ともだちの正体は〇〇君！！

“ともだち”の正体はずばりカツマタ君です！！

ここで「カツマタ君って誰！？」と、いきなりの名前登場に疑問を感じる方もいるでしょう。

カツマタ君はケンヂたちの同級生で勝俣忠信という名前です。

今作品の中では「理科の実験が大好きで、フナの解剖の前日に亡くなった」とされています。

夜の理科室にカツマタ君の幽霊が出る、とも噂される存在の人物です。

しかし、実はカツマタ君は亡くなってはいません。

最終章で自分の被っている布をとった“ともだち”の姿はフクベエではなく、フクベエの姿を借りたカツマタ君だったのです。

同窓会でも、血の大みそかでも、フクベエである事を装い、自分がカツマタであるという事を隠していました。

フクベエとカツマタ君は双子である、という説もあるのだそうですよ！謎深いですね！！

“ともだち”の真の目的とは？

“ともだち”の真の目的は、ケンヂへの復讐といえます。

そして今作品の要所要所に出てくる“ともだち”の「ケーンヂくん、遊びましょ」という台詞はケンヂへの固執ともとれる台詞です。

小学生時代に、ケンヂは駄菓子屋から地球防衛軍のバッジを些細な出来心から万引きします。

しかし、お面を被ったカツマタ君も地球防衛軍のバッジを持っていた為、カツマタ君がケンヂの代わりに犯人扱いされて、後々も苛められる事となります。

大人になったケンヂは自分達の小学生時代、“ともだち”が作ったバーチャルリアリティの世界に行き、子供時代の自分に犯人は自分だと謝罪させるのです。

“ともだち”はただ、ケンヂに本当の事を話して、犯人が自分ではない事を証明してほしかったといえます。

“ともだち”の正体であるカツマタ君はいじめが原因で不登校にもなってしまいます。

机に「死」と書かれたり、不登校が重なった事で存在を無き者にされてしまうのです。

カツマタ君はただ自分の存在証明がほしかったといえます。

復讐というと重く聞こえますが、ケンヂやいじめっ子達のした事は決して許される事ではないのです。

そして小学生時代のカツマタ君は、常に学校で中心人物であったケンヂに憧れを抱いていた、ともいえます。

カツマタ君もお面など被らず、堂々と皆と遊びたかったのです。

原作とは異なるラストから見えるメッセージとは何？

原作はケンヂがお面を被ったカツマタ君に「お前、カツマタ君だろ？」と声をかけるところで終わります。

とてもふわっとした表現で終わるのです。

しかし、映画では結末をとても丁寧に描いている事で、この作品の言いたい事やメッセージがわかりやすく観客に伝わってきます。

映画の結末は、ケンヂとカツマタ君が友達となり、「この日、僕に初めて友達ができた」というカツマタ君のナレーションで幕を閉じるのです。

もし、ケンヂが幼少時代、万引きをしたのは自分であるとちゃんと謝罪をしていれば。

もし、ケンヂとカツマタ君がもっと早く友達になっていれば。

カツマタ君は“ともだち”となる事もなく、悪夢のような出来事も起きなかったといえます。

「20世紀少年」から見えるメッセージとはずばり“いじめ”がもたらす悲劇です。

周りの無関心さが人にもたらす孤独や悲しみを描いています。

いじめという犯罪が、人をこんなにも恐ろしい悪魔に変えてしまうのだという事を、この映画は伝えているのです。

因みに、お面をとった中学生時代のカツマタ君は、売れっ子俳優・神木隆之介が演じているので、最後の最後までお見逃しなく！

まとめ

以上、「本格科学冒険映画 20世紀少年」から映画のネタバレ・考察、あらすじや小話を紹介してきましたが如何でしたでしょうか！？

この作品は原作の漫画も非常に面白いので、読んだことのない方は一度読んでみる事を強くおすすめします！

映画「20世紀少年」は三部作の非常に長い映画ですが、物語の面白さ、魅力的な登場人物と見逃せないポイントがたくさんです。

何度でも観たくなるような、ワクワクとドキドキが詰まった映画となっています！！

監督はハンス・ペテル・モランド、主演は「シンドラーのリスト」で主役を演じたリーアム・ニーソンが務めています。

除雪業を生業とする男性が、何者かに息子を殺された事から復讐に走り、犯人達を根絶やしにしようと奮闘する物語です。

この映画は一見ある男の復讐を追った物語ですが、勘違いが重なって予想外の方向に…！？

そんな映画「スノー・ロワイヤル」について、ネタバレや考察を交えながら紹介をしていきます。

スノー・ロワイヤル（2019）

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ネルズ・コックスマンはウィンターリゾートで除雪業を営む男性で、町から名誉市民として表彰されるほどの働きぶりを見せる人物であった。

彼は妻と息子の3人で幸福な生活を送っていたが、息子が何者かに殺された事件がきっかけで、その生活は一変してしまう。

彼は仇を討つ為に独自に捜査を行い、息子を殺したのがギャングである事を知り、ネルズは彼らを根絶やしにする事を決意する。

まず彼は手始めにギャングの部下を暗殺し、復讐を少しずつ進めていく。

しかしギャングはネルズの襲撃を別のマフィアの攻撃と勘違いしてしまい、遂には二つの組織が敵対する事に。

ネルズの復讐によって始まった物語は、マフィアやギャング・警察をも巻き込んだ大騒動へと発展する…。

スノー・ロワイヤル（ネタバレ・考察）

映画「スノー・ロワイヤル」は、ネルズの復讐を描いたシリアスな映画かと思いきや、ギャグ映画に使われる要素がいくつも取り入れられている作品です。

これらの要素を理解する事で、より映画を楽しんで見る事が出来るので、紹介をしていきます。

始まりは復讐を決意する重苦しい物語

物語の始まりは、ネルズの息子、カイルがギャングに殺される事によって訪れます。

ネルズは悲しみに包まれて、一時は自殺をしようとする程でした。

ただ自殺の直前、カイルを殺した真犯人の事を教えられた事で、ネルズは復讐に全力を注ぐ様になります。

この様に映画の序盤は非常にシリアスな展開で、非常に重苦しい空気が漂っている映画です。

しかし、シリアスな雰囲気のまま映画が進むのかと思いきや、徐々に違和感が現れ始めます。

天丼を使ったシュールな笑い

ネルズは息子を殺した犯人を捜していき、殺人の実行犯や指示を行ったギャング達を3人殺害しました。

また、死体は遺体を川に沈める事で魚に食べてもらい、証拠を残さない様に処理をする用意周到さです。

しかし、この場面を何故か3回も同じアングルで繰り返し描写しており、観客にシュールな笑いを届けてきます。

これはお笑い用語で「天丼」と言われる物で、同じギャグやボケを繰り返し使う事で笑いを取る手法です。

また、よく見るとネルズは2人目を運ぶ辺りから疲れてきており、映画の主人公なのにやけに人間味のある姿に思わずクスリと来てしまうでしょう。

盛大に話がかみ合わない物語

この映画は勘違いから始まり、その勘違いの結果として街を巻き込んだマフィアとギャングの一大騒動にまで発展した物語です。

実はネルズの息子が殺されたのは、ギャング側の手違いであり、ギャングの輸送していた麻薬を横領した人と間違われて殺されました。

復讐の為にネルズはギャングの部下を殺害していきますが、ボスは部下の殺害がネルズの仕業とは気づかず、別のマフィアの仕業だと勘違いして全面戦争になってしまいます。

その復讐を行う為に動いているネルズの裏で、この様な大きな騒ぎにまで発展している事を、彼は最後まで知る事はありません。

子供を殺された親の復讐のはずが、勘違いの連鎖によって街全体を巻き込み、スケールが大きくなっていく物語が見どころの一つになっています。

斬新な死の描写方法

この映画は復讐物の為、主人公が目的を達成するまでの過程で何人もの死人が出てしまいます。

そして死人が出ると、なんと画面が突如暗転し、死亡した人の名前とあだ名が字幕で現れるのです。

この字幕によって、あの人は今死んだのかと分かる様になり、まともに出番が無い人物や凄いあだ名の人物なども発見する事が出来ます。

人の死は本来重苦しい印象を与える物ですが、この映画ではその重苦しさを緩和する為にこの様な描写がされているのです。

また、エンディングでは、スタッフロールが登場順では無く、死亡順で流れてくるという斬新な手法がとられています。

今までしっかりと見てきた人ほど、思わず笑ってしまうかもしれないですね。

登場人物たちは至って真面目

この映画の登場人物達は真剣に、自分たちの成し遂げたい事に向かって動いています。

ネルズは息子の復讐の為、ギャングとマフィアは部下と息子の敵討ちの為と、それぞれの目的に向かって行動をしていました。

しかし真面目に動く登場人物達とは裏腹に、誰も話が噛み合ってないという事に気付かないまま物語は進み、最後には街を巻き込んだ全面戦争になってしまいます。

そして物語が噛み合ってない事に気付けるのは、この映画を見ている人達だけです。

矛盾に気付く事が出来る立場だからこそ、この映画をギャグ要素の多い物だと感じる事が出来ます。

曲者揃いの登場人物たち

映画「スノー・ロワイヤル」に登場する人達は、シリアスなはずの物語を思わず笑いに変えてしまう様なクセの強い人物ばかりです。

彼らについて詳しく知っておくと、映画をより面白く見れるかもしれません。

健康第一な麻薬王、バイキング

悪名高いギャングの長、バイキングは若くして街の麻薬売買を取り仕切る超大物です。

商売敵や小言を言った部下を容赦なく殺害する等といった情容赦ない性格をしています。

そんな非情な人間性とは裏腹に、実は健康オタクで超ヘルシー志向な食生活を送るというギャップを持ち合わせているのです。

鶏肉とブロッコリーといったストイックな食生活を自身だけでなく息子にも強要する為、息子からもあまりよく思われていません。

そして彼は「果物とコカインで育った」と豪語する程の健康的？な生活をしています。

バイキングの息子、ライアン

ライアンはギャングの長であるバイキングの一人息子です。

学校ではギャングの息子と虐められたり、家族との仲も良くないという非常に厳しい人生を送っています。

しかし、ギャングの一人息子とは思えないほど、まっすぐに賢く成長をした少年です。

彼はネルズに誘拐されますが、自身に危害を加える気は無いと分かった為、ネルズに対して軽口を叩き、寝れないから本を読んで貰う等の行動に出ました。

誘拐犯であるはずのネルズとライアンの緊張感の無いやり取りには、思わず本当の親子なのではと疑ってしまうほどです。

そんな誘拐犯に懐いている様子のライアンは、ストックホルム症候群なのではと考えられます。

絵に描いたようなマフィア、ホワイトブル

ホワイトブルはこの街に古くから根付くマフィアのボスであり、いかにもマフィアという見た目をした人物です。

元々はバイキング達とは協定を結んでいましたが、彼らの勘違いによって自身の息子が殺された為、敵討ちの為にバイキングとの戦いに赴きました。

非常に冷酷な人物に見えますが、息子思いな性格だったり、全てが終わった後にネルズを殺害しようとしますが、地域に貢献する姿を見て取りやめるなど意外と優しい一面を持つ人です。

ただし年をとっているからか、殺害を取りやめた後に銃を置いて助手席でぐっすりと寝てしまうという、少しうっかりな性格でもあったりします。

実はネルズ・バイキング・ホワイトブルの3人には共通点があり、それは全員が息子の復讐の為に行動をしている事です。

子供の事を思う親は強い、そう感じる事が出来る映画になっています。

凸凹警察コンビ

この映画の四つ目の勢力として登場するのが警察です。

しかし、登場する二人の警察官コンビ、アヤとギップもまた癖の強い面々でした。

アヤは新人の女性警官で、平和ボケしたこの街で何か大きな事件が無いかと待ちわびている好戦的な人物です。

実際にギャングの抗争が始まった時には、彼女のテンションはとても上がっていました。

また、年配のおじさん警官であるギップは、長年この街に勤めているせいか完全に平和ボケしていて、事の重大さを理解していません。

更にアヤに対して繰り返しセクハラをするなど、どうしようもない人物として描かれています。

本当に個性溢れるやばいヤツらばかりですね。

紹介した人以外にも、個性的な人達がまだまだいるから、そこに注目して映画を見るのも面白いですよ。

ネルズは本当に模範市民？

この映画のキャッチコピーは「模範市民、キレる！」という物で、模範的と表彰されるほどの地域貢献してきた一般市民のネルズが、事件をきっかけにキレて復讐を始める物語です。

しかし、模範的な市民というには様々な疑問が浮かび上がってきます。

ネルズの異様な戦闘力

ネルズは一般市民と言うには、明らかに強すぎです。

銃の扱いに優れており、一方的に相手を仕留めるなど、確実にギャング達よりも強いと思われます。

彼が銃がうまいのは、ネルズは雪山での狩猟が趣味であり、銃の扱いに非常に慣れていた為です。

しかしそれらを置いておいても、死体処理の手際が良すぎる等の、彼の過去を疑いたくなる描写がいくつか残されています。

殺人に対する躊躇が無い

また、ネルズは自身が行っている殺人に対する躊躇が微塵も無い様に見えます。

相手が復讐相手のギャングとはいえ、複数人の殺人に加え死体を隠ぺいするのは明らかに一般市民がやる事では無いです。

その躊躇の無さには、本当に模範的な市民だったのか、今までに殺人をやった事が無いか等を疑問に思ってしまいます。

一般人とは思えない肝の据わり方

ネルズはあまりにも肝が据わり過ぎている、恐ろしい胆力の持ち主です。

ギャングの長、バイキングの息子を自身の車で誘拐するという大胆すぎる作戦は、普通の人ではまず実行しようとは思えないでしょう。

他にも銃を突きつけられても全く動じる事無く除雪車を運転し続けるなど、明らかに普通の人ではない精神力の持ち主です。

彼の兄が元ギャングの殺し屋だったという事もあり、彼もそちら側の人間だったのかと疑いたくなってしまいます。

リーアム・ニーソンと息子が親子で出演！

この映画はリーアム・ニーソンが演じるネルズの息子役として、彼の実の息子であるマイケル・ニーソンが登場しています。

俳優でもあるマイケルとリーアムが共演する映画は、実は「スノー・ロワイヤル」が初めてです。

多くの映画で家族を助ける・復讐をする為に行動してきたリーアムが、遂に自身の息子の敵を取る時が来ました。

余談ですが、ネルズの息子役としてマイケルが推薦された時、リーアムは自身の息子だからという理由で選ばないで欲しいと監督に告げています。

その為、息子役はオーディションで演者が決められる事になり、それに参加したマイケルは演技力をいかんなく発揮して、自身の手でこの役を勝ち取りました。

監督が過去に撮った映画のセルフリメイク作品

映画「スノー・ロワイヤル」はハンス監督が2014年に監督を自ら行った映画「ファイティング・ダディ 怒りの除雪車」のリメイク作品となっています。

昔人気であった映画を長い年月を経てリメイクされる事は、映画界でも良く起こる出来事だと言えます。

しかし監督も同じで、ストーリーもあまり変化の無いリメイクがあまり期間を開けずに行われるのはとても珍しいです。

リメイク後の映画にはハリウッドが関わっている為、ハリウッドがこの映画に目をつけてリメイクを行ったのかもしれません。

また、復讐の為に戦う父親をよく演じていたリーアム・ニーソンに、この作品を演じて貰いたくなった為映画のリメイクを行ったと考える事も出来ます。

まとめ

シリアスな復讐劇の中にギャグ要素を混ぜ込んで作られた、映画「スノー・ロワイヤル」は如何がでしたでしょうか。

リーアム・ニーソンが何回も演じてきた「復讐をする父親」という要素を、いつもと一風変わった雰囲気で届ける事に成功した作品です。

また、除雪車を使ったド派手なアクションや、個性豊かな登場人物達も見どころになっているので、是非ご覧になってください。

悪魔祓いとして活躍する探偵ジョン・コンスタンティンをキアヌがかっこよく演じ、多くのファンを作りました。

宗教的な要素が強く、悪魔が登場することからアメリカではR15+指定を受けましたが、独特のスタイリッシュな武器や設定は大人でなくても楽しめるものになっています。

DCコミックスから誕生したアメコミヒーロー「コンスタンティン」の考察やトリビアを交えておすすめしていきましょう。

コンスタンティン（2005）

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世界は天国、人間界、地獄の3つに分けられ、それぞれの住人は他のエリアに自由にいくことはできない。

だが実際には天使と人間、悪魔と人間の中間的存在である「ハーフブリード」が人間界を訪れ、勢力争いを進めていた。

ヘビースモーカーで末期の肺がんに侵されているコンスタンティンはハーフブリードを見分けることができ、人間界で悪事を働く悪魔のハーフブリードを始末する悪魔祓い。

彼は良心で悪魔祓いをしているわけでなく、過去に自殺を図り一時的に死んでしまったため死後に地獄行きになるのを覆し、天国へ行く恩赦を神から取り付けるためだった。

ある日、人間に取り付いた悪魔が人間界に侵入しようとする事件に遭遇し、世界の均衡が崩れかけていることをコンスタンティンは察知する。

女刑事アンジェラは敬虔なカトリックの妹イザベルが、禁忌である自殺をしたことを不審に思い、コンスタンティンを頼るが、悪魔の群れが集まりアンジェラを襲う。

悪魔の群れを撃退したコンスタンティンはアンジェラの願いを聞き、地獄を覗く秘術を使うと、自殺したことによって地獄へ落とされたイザベラと遭遇する。

双子であったアンジェラとイザベラに霊力があり、悪魔が何らかの目的でアンジェラを狙っていると理解したコンスタンティンだが、周囲で仲間たちが謎の死を遂げていく…。

コンスタンティン（ネタバレ・考察）

アメコミ出身ヒーローでありながら、スーパーパワーではなく知識と道具で悪魔たちに対抗するコンスタンティンの活躍に惹き込まれた人も多かった本作。

ネタバレ要素を含むトリビアを紹介していきますので、できれば先に映画をご覧になってからお楽しみください。

「ヘルボーイ」に似すぎていて名前変更

「コンスタンティン」はもともと「ヘルブレイザー」というタイトルのコミックでした。

映画化する際にタイトルをどうするかの会議が行われたのですが、似たタイトルでジャンルも近い「ヘルボーイ」が先に制作されていたのです。

オカルトとアクションを合わせた舞台設定などの共通点があることと名前が酷似していたことから、売上に関わると判断され、タイトルは「コンスタンティン」になりました。

ちなみに「コンスタンティン」に登場する運命の槍（ロンギヌスの槍）の模型は「ヘルボーイ」にも同じものが登場しているという共通項もあります。

運命の槍はナチスが持っていた

運命の槍はキリストが処刑されたときにその死を確認するために使われ、キリストの血がついている聖遺物として扱われてきました。

運命の槍はいくつかあり、「コンスタンティン」に登場するのは神聖ローマ帝国にルーツを持つものです。

映画の中ではメキシコの某所で発見されるのですが、実際にこの聖遺物を所持していたナチス・ドイツの旗にくるまれていたのです。

フランシス・ローレンス監督は運命の槍に伝わるオカルティズムの観点からこのギミックを仕掛ましたが、ネオナチの手に渡らないように旗は入念に処分されました。

聖なるショットガンを監督にプレゼントしたキアヌ

コンスタンティンがクライマックスで使用する、十字架の形をしたリボルバー式ショットガンは、その見た目に加えて威力や活躍シーンの多さからファンアイテムとして人気です。

このショットガンを作った小道具係に、キアヌは自腹を切ってブロンズ製のレプリカを作ってもらい、監督のフランシスにプレゼントしました。

フランシスはいたく感激し、「映画に関わってきた中で一番の贈り物」として聖なるショットガンを大事にしていることをインタビューで告白しています。

地獄と天国は人間界と同じ構造になっている？

水を介して地獄へと通じる道をつなぐシーンが登場しますが、地獄の描写はロサンゼルスのフリーウェイを忠実に再現したセットに特殊効果をつけて撮影しています。

監督のイメージとして、地獄と天国は人間界と同じ構造になっており、地獄では核爆弾が爆発した直後のように熱風が吹きすさぶ世界だと解釈し、表現しているのです。

壊れた自動車が溶解し、その周囲を悪魔たちが這い回っているさまは美術チームと特殊効果チームの努力で、まさに地獄としか言いようがないインパクトを与えてくれます。

ロサンゼルスが舞台なので、地獄の風景もロサンゼルスなんですね。

ロサンゼルスのフリーウェイは渋滞が凄くて、地獄と呼ばれているみたいだよ。

コンスタンティンとタバコ

コンスタンティンは15歳から一日30本吸うほどのヘビースモーカーで、そのせいで末期の肺ガンになっていますが構わず吸っています。

序盤で悪魔祓いをするために吸っているタバコを家具の上に置くシーンがありますが、細かいピントを合わせるレンズがなかったため、監督は葉巻サイズのタバコを制作しました。

それを遠くから撮影することで、実際のタバコのサイズに見えるように調整したのです。

また劇中でコンスタンティンが吸うタバコの本数は13本ですが、これは海外で広く忌み数として知られる不吉な数字で、コンスタンティンの苦難を表しています。

マモンの復活とガブリエルの思惑

サタンの息子であるマモンは父の束縛から逃れ、人間界を支配するためにルールを破って地獄を離れますが、手引きしたのはガブリエルとバルサザールでした。

天界側のハーフブリードであるガブリエルが神の恩寵を受ける人間に嫉妬し、試練を与えるために画策した一連の事件はコンスタンティンの活躍で阻止されるのです。

なぜ天界と地獄のハーフブリードが手を組んで人間界を荒らそうとしたのかについて、映画の文脈から考察していきましょう。

ハーフブリードってどういう存在なのですか？

天界と地獄、それぞれの使者だと思えば分かりやすいよ。どちらも人間界に介入しようとしているみたい。

ガブリエルは人間界が地獄になることを望んでいた

ガブリエルは人間界を監視していますが、どんな極悪人でも神の許しを得れば天国に行けるという現状に不満をいだいていました。

人類は甘やかされすぎていると感じていたのです。そこでガブリエルは地獄側のハーフブリードであるバルサザールと手を組み、悪魔マモンを復活させようとします。

バルサザールとしては人間界が地獄になることは喜ばしく、ガブリエルにとっては地獄という試練を乗り越えた人間こそが天界にふさわしいと考えているため、利害が一致するのです。

神とサタンは今のバランスを望んでいた

マモンの復活を阻止するためにアンジェラ救出に向かうコンスタンティンですが、相棒のチャズが見えない敵に殺されてしまいます。

コンスタンティンの魔力で姿を表したのはガブリエルでした。ガブリエルはコンスタンティンを倒し、霊感の強いアンジェラを媒体にしてマモンを呼び出そうとするのです。

とっさにガラスで自分の血管を切り、死亡することで自分の魂を欲しがっているサタン（ルシファー）を呼び出すことに成功したコンスタンティンは、マモンの悪行を伝えます。

息子の行動に激怒したルシファーはマモンを地獄に送り、マモンを召喚しようとしたガブリエルは神の恩寵を失い人間になってしまいました。

天界も地獄も、今のバランスが崩れることを良しとしていなかった事がわかります。

なぜコンスタンティンは地獄にも天国にも行かなかった？

サタンはコンスタンティンの最後の願いである、地獄に落ちてしまったイザベラの魂を天界に送ってくれという頼みを聞き、意気揚々と彼を地獄に連れていくのです。

ですがコンスタンティンの魂は動きません。自分の命と引換えに、イザベラを救った「自己犠牲」により神に認められ、彼の魂は天国行きになりました。

自己犠牲はキリスト教に伝わる善行のなかでも最も尊いとされる行いなのです。

コンスタンティンの手を使い、神はルシファーに向かって中指を立てます。

執着している魂が天界に行くことが許せないルシファーは、コンスタンティンの傷や病気をすべて治して生き返らせ、改めて地獄に来る日を待つことにします。

それほどまでにコンスタンティンの魂は貴重なのでしょう。結果として天国行きには失敗したものの、現世での寿命を伸ばして復活したのです。

肺ガンが治ったコンスタンティンは、ラストシーンでタバコを吸うと見せかけてガムを噛み始め、禁煙を始めることを示唆して終わります。

チャズがハーフブリードになって復活した理由

チャズはコンスタンティンの弟子として認められることを夢見て、常に悪魔祓いの知識や神秘学を学び、クライマックスではアイデアを認められ共に戦います。

ガブリエルによって殺されてしまうものの、映画のスタッフロールのあとで天界側のハーフブリードとして復活するシーンが描かれているのです。

苦笑いするコンスタンティンの表情が印象的なラストですが、なぜチャズが天界側のハーフブリードになったかのヒントが映画の序盤に隠されています。

コンスタンティンが最初の悪魔祓いにいくシーンでチャズのタクシーが写りますが、タクシーに「3333」と書いてあるのです。

キリスト教において3という数字は父なる神、息子であるキリスト、そして精霊を表すもので、この3つが1つとして信仰の対象になっています。

これが4つ並んでいるのは、キリスト教における4つの法則にしたがい神が計画を持って救うということを表しているのです。

つまりチャズは本人が知らないうちにコンスタンティンの助けとなるべく働くことを神に運命づけられていたというメッセージになります。

人間としての寿命が終わり、ハーフブリードとして復活したチャズは、これからもコンスタンティンを助けていくでしょう。

これだけ神に気にされているコンスタンティンですから、もしかしたら死後天界に行くことができるかもしれませんね。

最初からチャズはコンスタンティンを助けるために神が引き合わせたのですか？

それが分かったから、チャズがハーフブリードになったときにコンスタンティンは苦笑いしたんだと思うよ。

まとめ

神と悪魔の勢力争いに巻き込まれる人間界、という宗教的には大きなスケールの物語と、やつれたスーツ姿の男がオカルトで戦う内容ですが、キリスト教に詳しくなくても十分楽しめます。

独特の表現、スタイリッシュなアクション、そして登場人物の魅力で惹き込まれる本作は、映画ファンであれば是非見てほしい1本です。

キアヌ・リーブスが「マトリックス」の後に選んだ主役がこの作品、ということを考えても、映画史に重要な意味を持つ作品だと思います。

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千葉真一の芸能活動20周年、ジャパンアクションクラブ設立10周年という節目の年ということもあり、アクションシーンの力の入り方がすごい作品です。

過去にタイムスリップした自衛官たちの葛藤と活躍を描く、邦画の中でも異質な作品を今回は取り上げてお伝えしていきます。

ジャパンアクションクラブってなんですか？

千葉真一が創設した、俳優にアクションを習得させるための育成所だよ。今はジャパンアクションエンタープライズっていう名前になってます。

戦国自衛隊（1979年）

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伊庭義明（千葉真一）が率いる21名の陸上・海上自衛官たちは演習に参加するために新潟へ向かうが、突然補給地ごと別の時代へタイムスリップしてしまう。

そこで自衛官たちは謎の武者たちの襲撃を受け混乱するが、越後の武将である長尾景虎（後の上杉謙信）と遭遇し、今いるのが戦国時代であることを知る。

景虎は見たこともない自衛隊の装備に興味津々で、隊長の伊庭とも意気投合し仲間になる。

だが隊員たちの中でもこの状況でどのように行動するか意見が別れ、隊を離脱する者も現れた。

伊庭は景虎と親交を深めるうちに、この時代に自分たちが来たのは天下を取るためではないのかと考えるが…。

戦国自衛隊（ネタバレ・考察）

作品の中で無許可離隊した自衛官が村を襲撃するなど内容に問題があったため、自衛隊の協力が得られなかった「戦国自衛隊」は、制作の様々なところで苦労が伺えます。

完成に至るまでに見られた苦労を始めとして様々なトリビアをご紹介していきますので、映画好きとの会話のネタにしてみてはいかがでしょうか。

8000万円で戦車を自作

最初に制作陣は自衛隊から61式戦車を借りようと考えていましたが、上記の要素などにより協力が受けられなかったため、戦車を1台組み立てることになりました。

ファンの間では角川61式戦車と呼ばれるこの車両は8000万円かけて作られた実物大模型で、自走可能かつ発射エフェクトも出るというすごい代物です。

制作の参考になったのは、プラモデルメーカーのタミヤが出している1/35の61式戦車で、これをベースに原寸大まで拡大してパーツを作り出し組み立てるという凄まじさ。

事情を知らない人たちは映画の角川61式戦車を見て、自衛隊がよくぞここまで協力してくれたと感動したそうですので、技術力の高さが分かります。

「戦国自衛隊」で出番が終わったこの戦車は後に「ぼくらの七日間戦争」という映画で登場するなど、様々な映画やキャンペーンなどで活躍しているようです。

いまでもとある会社が貸し出し用車両として持っているらしいですね！

最初は原作者の半村良に寄贈される予定だったけど、半村氏が断ったらしいよ。

自衛隊の装備を作るのに一苦労

戦車だけでなく、登場する車両やヘリコプター、銃器類も改造や制作、塗装の変更をするなど苦労が多かったようです。

装甲車はアメリカの対空自走砲をカスタムして制作、小型トラックはジープを陸上自衛隊仕様に改造して使っています。

ヘリコプターは空輸会社から借りて塗装を変えていますが、シコルスキーS-26と呼ばれるこの機種は海上、航空自衛隊は使っていますが陸上自衛隊では採用されていません。

衣装はアメリカ軍の熱帯活動用戦闘服になっており、サスペンダーやベルトなどは自衛隊の流出品を使っているようです。

銃火器類はメーカーにプロップガンを発注し、「戦国自衛隊」のあとも自衛隊の装備が必要なシーンではよく使われています。

千葉真一がこの映画にかけた情熱

主人公である伊庭を演じると同時に、アクション監督として出演者のスタントシーンをコントロールするなど大活躍した千葉真一なくしてこの映画は完成できませんでした。

千葉真一率いるジャパンアクションクラブの見せ場や、物語を彩ったシーンの裏話を含めてお話していきます。

ヘリパイロットの活躍と苦労

船で隊を離脱した矢野隼人（渡瀬恒彦）を追いかけていくときに、ロープ1本でヘリにぶら下がりながら銃撃するアクションシーンがあります。

この時千葉は足にハイスピードカメラをぶら下げ、高速で海面上を移動するシーンを自ら撮影しているのです。

1979年当時のハイスピードカメラは重量がある上にサイズも大きく、危険を伴うものでしたが迫力あるシーンを撮ることができました。

またジャパンアクションクラブの新進俳優で、武田勝頼として出演していた真田広之は、川中島の戦いでホバリングするヘリに飛び乗り、味方が広げた布の上に飛び降りるアクションを見せています。

ヘリから布の上に飛び降りるシーンは1発勝負でしたが、真田は見事に決めてみせたのです。

数々のヘリシーンで素晴らしい技量を見せたのが、パイロットの加納正です。加納は1万時間以上のヘリ飛行経験を持ったベテランで、日本で5本の指に入る技量でした。

城郭や馬にギリギリまで近づく難しい飛行を披露し、スタッフやキャストを感嘆させ、名場面を作り出したのです。

加納のいるシーンは彼抜きでは撮影できないため、役者としては素人ですがキャストとして出演しています。

馬にもお金と手間を惜しみなくかける

ヘリのシーンと同じく、騎乗している兵の目線を見せるために千葉真一自身がカメラ付きのヘルメットを被り、撮影に参加しています。

この他にも疾走する馬上から落ちている弓と矢を拾うシーンをスタント無しで撮るなど、千葉の映画にかける情熱は凄まじく、スタッフを大いに心配させました。

馬はアクションに向いているアメリカンクォーターホースを輸入し、撮影に入る1ヶ月前から千葉やジャパンアクションクラブのメンバーと共に生活して訓練したのです。

馬が倒れるシーンでは怪我がないようにクッションを敷き、安全に撮影されました。

川中島の戦いで武田信玄の首をとった伊庭に向かって、武田勝頼が槍を投げ、馬上から斬りかかるシーンがありますが、ここもスタントなしで千葉真一と真田広之が演じています。

武田の武者たちが馬の側面に張り付き、そこから馬上へと移るスタントは千葉真一が過去に別作品で見せたものをジャパンアクションクラブのメンバーが再現したものです。

合戦のシーンでの多彩なアクションや迫力あるカメラワークは、馬たちと千葉真一率いるジャパンアクションクラブの活躍で出来上がっています。

合戦シーンの迫力は今見てもすごいです！

人、馬、ヘリ、戦車がCGじゃなくて本物だからこそ出せる奇跡的な作品だと思うよ。

武田軍と対決した自衛隊はどう戦ったのか？

戦国時代にタイムスリップしてしまった自衛隊員は、現実離れした状況の中で各々がどう生きるべきなのか悩みつつも川中島の戦いで武田信玄軍と戦います。

訓練された若干11名の自衛官が、現代兵器を使って２万の軍勢を相手に戦うシーンは「戦国自衛隊」の一番の見どころになるのです。

現代兵器を駆使して戦う自衛隊と、最強騎馬軍団を操る武田軍の対決についてスポットを当てていきましょう。

戦国時代の武者は恐れを知らない

自衛官たちは訓練を積んでいますが、いままで景虎を支援することあっても、自衛隊のみの大規模戦闘は川中島の戦いが初めてになります。

機銃や戦車があっても訓練とは違い、武田軍の武者たちが押し寄せるなかでパニックになり、本来の能力を発揮することができません。

一方、戦国時代の武者たちは常に戦争を体験しており、殺し殺されることが日常の中にあるといっても過言ではないでしょう。

撃たれても撃たれても前進してくる武田軍の士気の高さは、自衛隊員が恐怖するのも分かります。

武田軍は兵器対策をしていた

景虎は主君に反逆し兵を挙げるなど、伊庭と手を組んで戦車やヘリコプターを使っていたため、武田軍は謎の兵器の存在を知った上で対策を講じていました。

車両には丸太を落としたり、落とし穴を掘ることで行動不能にさせ、そこに火をつけた木材を突っ込ませることで破壊します。

これによって弾薬を搭載したトラックが爆発、装甲車が行動不能になるなど戦力を削がれていくのです。

ヘリコプターは低空ホバリングをしている際に武田勝頼に乗り込まれ、乗員を殺害され墜落します。

装備に適した戦法を取っていれば楽に勝てた？

自衛隊の装備を考えて、伊庭は火力で押し切れると考えたのでしょうが、認識が甘かったのではないでしょうか。

確かに序盤は遠距離からの砲撃などで優位に立ちましたが、接近戦闘になると多勢に押されてしまいます。

ヘリコプターという兵器を持っているのですから、上空から本陣を探し出し武田信玄を狙えば総崩れを狙えたと思います。

自衛隊の全滅寸前に伊庭が敵本陣へ突撃し、武田信玄との一騎討ちに持ち込んで辛くも勝利を収めましたが、殆どの装備と隊員を失った自衛隊はもはや戦力とはいえませんでした。

ドラマとしての「戦国自衛隊」

斎藤光正監督は青春ドラマなどで実績があり、本作もプロデューサーの角川春樹いわく日本の「アメリカン・グラフィティ」を作ると意気込んで制作しました。

ですが圧倒的なクライマックスのビジュアルやアクションの前では、青春ドラマの一面があるということを忘れてしまいがちです。

映画の中に織り込まれている青春要素をチェックしていきましょう。

伊庭と景虎の運命的な出会い

タイムスリップした後に会話した武将、長尾景虎は伊庭と交流を深めていくうちに、伊庭の中に武将としての野望を感じるのです。

一緒に天下を取らないかと誘うことで二人の間には友情を超えた絆が芽生えます。

伊庭は自衛隊での訓練の日々に飽きており、実戦を感じられる戦国時代で友を得たことで青春を手に入れるのです。

元の時代に戻りたいという隊員に激昂し、銃を突きつける伊庭はもはや昭和の人間ではありませんでした。

ですが景虎は、他の大名から正体のわからない伊庭たちは天下人として認められない、手を組んでいれば景虎も朝敵とみなすと告げられ、苦渋の決断の末に伊庭たちを討ちます。

戦国の世に生きようとした伊庭が、戦国側から排除されてしまう物悲しさが青春ドラマかつSFとして優れた脚本だと感じさせてくれるのです。

伊庭と景虎の交流シーンは実際に親友だった千葉真一と夏八木勲が演じたからこそ、つながりを深く感じさせます。

千葉真一は、自分が織田信長であると考えながら演技し、戦国時代で狂気に陥っていくさまを表現したそうだよ。

青春がない隊員のほうが多かった

自衛隊の隊員たちの中でも、様々なドラマが語られます。演習地で離隊して彼女と駆け落ちしようとするものや、隊内でクーデターを企んでいたものなどバラバラです。

彼女と駆け落ちしようとしていた菊池隊員（にしきのあきら）はタイムスリップを信じることが出来ず、友人の隊員と隊を離れて山中を進みますが、野武士に襲撃されて命を落とします。

クーデターを起こした矢野隊員（渡瀬恒彦）は戦国の世で好き勝手に生きることを決め、重火器を持ち出して哨戒艇で村を襲いますが、伊庭の手によって粛清されるのです。

矢野の自分勝手な行動を罰している伊庭が、いつの間にか戦国時代に魅了されて部下を自分の野望のために従わせる展開も、皮肉の利いたメッセージを感じます。

矢野や伊庭のように自分の意志で生き方を選べれば青春かもしれませんが、上官に振り回されて死んでしまった隊員たちの青春とは何かと考えざるをえません。

音楽を織り込むことで青春ドラマに深みを出す

要所でバラードやニューミュージックを織り込んでいるのですが、参加しているアーティストが豪華で名曲が多いのも特徴です。

映画音楽を多く手掛けている井上堯之、ロックやレゲエで名を知られる名シンガーのジョー山中、歌手への楽曲提供が多い高橋研らが候補に上がりましたが、全員違う事務所に所属していたため制作は難航すると思われました。

ですがプロデューサーの角川春樹が垣根を超えて全員を集めてすべてボーカル曲のサウンドトラックを作り、完成させたのです。

中でも松村とおるはメイン曲である「戦国自衛隊のテーマ」を作り、一躍映画ファンに知られることとなります。

まとめ

自衛隊と戦国武将、どっちが強い？という男子が思いつきそうな架空戦記を見事に映画化した「戦国自衛隊」。

現代のSFでは定番とも言えるタイムスリップを組み込み、ダイナミックなアクションと合戦シーン、熱い歌声で男子のハートを鷲掴みにします。

製作者の熱量と力技で勢いを作り、それで押し通すあたりが70年代の角川映画らしくパワフルで、細かいことを抜きにすればかなり楽しめるでしょう。

男の友情と野望、そして破滅を描いた作品として、観るべきところのある作品です。